Dibawa hingga saat ini oleh para pemain hebat dan ahli musik yang bersemangat, periode Barok sering direduksi menjadi kesombongan dan kemewahan dalam fantasi kolektif. Berikut sepuluh hal kecil yang mungkin tidak Anda ketahui tentang persaingan artistik yang berlangsung selama lebih dari satu abad.

Periode yang dikenal sebagai “Baroque” penuh dengan kontradiksi. Kami menyimpannya di satu sisi dengan ornamen yang melimpah, kemewahan, pola norak dan ketidakteraturan (itulah mengapa gaya itu kadang-kadang disebut dengan kata Portugis barroco). Di sisi lain, ketegasan yang ditunjukkan oleh beberapa master Jerman. Selain itu, kata sifat “baroque” telah digunakan terutama sejak tahun 1950 untuk mendefinisikan suatu periode, karena ekspresi artistiknya bersifat pluralis di Eropa antara tahun 1600 dan 1750.

Karya pertama diterbitkan di Venesia pada 1501

Penemuan yang sangat bernilai melihat hari di awal abad ke-16: pencetakan musik. Kota Doges akan mempertahankan kepemimpinan dalam hal ini untuk waktu yang lama. Partisi cetak pertama dirilis pada 1501 dari pers Ottaviano Petrucci. Seperti teks sastra, mereka menggunakan huruf bergerak sehingga ukirannya lebih memuaskan secara visual.

Gagasan tentang hak cipta tidak ada

Kecuali untuk hak istimewa kerajaan , siapa pun dapat mencetak apa saja kapan saja dan mengambil manfaat darinya. Juga diperbolehkan bahwa setiap orang dapat mengatur atau menyalin partisi dalam semua impunitas. Misalnya Handel banyak mengambil untuk dirinya sendiri potongan Stradella, Muffat atau Keizer tanpa berarti membahayakan.

Tidur terus, cerita lama…

Selama periode barok, norma pengajaran musik tetap dalam hubungan tradisional antara master dan murid mereka, mengikuti organisasi korporatis yang diberikan oleh Abad Pertengahan – seperti di serikat Jerman di mana seseorang akan mulai dengan menjadi magang, kemudian menjadi pendamping dan akhirnya seorang ahli. Tetapi ada cara yang lebih cepat untuk menaiki tangga pada saat itu: menikahi putri majikan memberikan akses yang lebih cepat ke posisi master dan kemungkinan hak untuk menjadi penerus ayah tiri yang bersangkutan. Itulah kasus Buxtehude yang menikahi putri pendahulunya, Tunder.

Conservatoires belum ada, tetapi beberapa sekolah musik umum telah dibuka di Italia sejak abad ke-16

Sekolah-sekolah itu menerima anak yatim piatu atau anak-anak terlantar (Ospedale). Anak-anak yang paling berbakat akan belajar musik dan memberikan pertunjukan dengan kualitas yang hebat. Di Venesia pada abad ke-17, pendirian untuk anak perempuan Ospedale della Pietà membual tentang menjadikan Antonio Vivaldi sebagai guru biola dan master paduan suara dan konser.

Tidak, bukan Monteverdi yang menulis opera pertama

Opera pertama adalah Euridice oleh Peri dan diberikan untuk merayakan pernikahan Marie de ‘Medici dan Henry IV dari Prancis pada Oktober 1600. Monteverdi termasuk di antara para tamu. Hanya tujuh tahun kemudian, dia akan mempersembahkan L’Orfeo. Namun demikian, itu dianggap sebagai opera pertama dalam definisi istilah yang ketat.

Untuk menghadapi kesuksesan biola yang semakin besar hingga merugikan biola, kampanye pencemaran nama baik yang besar dipimpin

Kami belajar pada tahun 1743 di Dictionnaire de Trévoux bahwa “biola juga merupakan kata untuk menghina atau mengungkapkan penghinaan dan berarti bodoh, kurang ajar” seperti “para pemain biola yang pergi dari desa ke desa untuk bermain biola dan meningkatkan kegembiraan para pemabuk”. Itulah sebabnya kata “biola” juga bisa berarti “penjara” karena para fiddler sering mengakhiri malam mereka dengan “au violon”.

Voltaire membenci pianoforte

Dia mengatakan pada tahun 1774 bahwa pianoforte adalah “alat untuk tukang tembaga dibandingkan dengan harpsichord” (surat kepada Madame du Deffand, 8 Desember 1774). Jika Anda silahkan!

Oboe melihat hari di awal pemerintahan Louis XIV dari Prancis

Instrumen berubah mengikuti gaya barok baru dan mencoba menyesuaikan dengan keharusan estetika. Itu sebabnya, saat Lully mencari sonoritas baru, dia menyadari bahwa dia tidak memiliki instrumen dengan buluh yang cukup kuat untuk mengiringi biola. Perekam benar-benar membawa kontras yang menarik tetapi kekuatan suaranya terlalu lemah.

Keluarga Hotteterre dan Philidor karena itu ditugaskan untuk memikirkan kembali buluh dan membiarkan instrumen baru menyebar ke seluruh Eropa. Dengan Lully, obo memulai karirnya yang cemerlang.

Memainkan musik klasik adalah tujuan berharga yang diusahakan oleh banyak pianis. Namun, jika Anda tidak diperkenalkan dengan musik klasik sejak awal belajar piano, mungkin sulit untuk menemukan titik masuk yang jelas. Dapatkan biaya siswa untuk belajar musik barok.

Banyak dari karya klasik yang merupakan potongan “daftar keinginan” sebenarnya cukup sulit untuk dipelajari dan dikuasai. Tidaklah masuk akal untuk mencoba memainkan beberapa musik klasik yang paling menantang jika Anda belum pernah memainkan musik klasik sebelumnya. Banyak sekali nuansa gaya dan tantangan teknis dalam musik klasik. Jalan yang lebih logis adalah mempelajari lebih banyak dasar klasik entry-level dan untuk bekerja sampai ke bagian yang lebih besar.

Misalnya, Beethoven’s Moonlight Sonata atau “Für Elise”, Debussy’s “Clair de Lune,” Mozart’s “Rondo Alla Turca,” dan banyak lagu klasik “populer” lainnya adalah permintaan umum. Semua karya ini membutuhkan keterampilan membaca dan teknis tingkat lanjut yang membutuhkan waktu bertahun-tahun untuk berkembang.

Apa itu Musik “Klasik”?

Penting untuk dipahami bahwa ketika orang membicarakan musik klasik secara keseluruhan, itu mencakup empat era musik yang berbeda.

• Barok
• Klasik
• Romantis
• Kontemporer

Masing-masing genre musik ini memiliki perbedaan gaya dan sejarah yang berbeda yang membuatnya unik satu sama lain. Setelah pianis menjelajahi keempat genre musik, mereka biasanya tertarik pada satu atau dua genre. Mari kita lihat setiap era musik Klasik dan temukan musik yang merupakan tempat awal yang baik untuk pianis menengah.

Musik yang kita lihat hari ini tidak selalu sulit, tetapi memang membutuhkan keterampilan membaca yang kuat dan dasar teknis yang baik dari tangga nada dan akord. Saat Anda mempelajari nada klasik, Anda pasti ingin lebih fokus pada cara memainkan not, daripada pada not apa yang harus dimainkan.

Barok

Era Barok sekitar 1600-1750. Komposer terkenal dari waktu ini termasuk Johann Sebastian Bach, George Frederic Handel, dan Domenico Scarlatti.

Penting untuk diketahui bahwa instrumen keyboard utama selama ini bukanlah piano, tetapi harpsichord. Ini berarti bahwa musik Barok apa pun yang Anda pelajari dengan piano, pada awalnya dimaksudkan untuk dimainkan dengan harpsichord. Jika Anda belum pernah mendengar suara harpsichord, lihat video “Minuet in G BWV Anh114” karya Bach ini yang dimainkan dengan harpsichord.

1. Sebagian besar musik ditulis dalam tandingan. Counterpoint adalah seni menggabungkan dua atau lebih melodi yang akan dibawakan secara bersamaan. Sebaliknya, melodi didukung oleh melodi lain, bukan akor.

Pada piano, tangan kanan sering kali memiliki garis yang bergerak lebih cepat dari not kedelapan atau ke-16 sedangkan tangan kiri akan memiliki garis bass yang lebih lambat dari not seperempat atau kedelapan. Dalam gaya barok, diasumsikan bahwa nada yang lebih cepat akan berbunyi legato sedangkan tangan kiri yang lebih lambat memainkan staccato. Ini juga bisa muncul secara terbalik, di mana tangan kanan memainkan nada staccato yang lebih lambat dan tangan kiri memainkan nada legato yang lebih cepat.

2. Harpsichord tidak mampu memiliki rentang dinamis yang sama dengan piano. Tanda paling dinamis yang Anda temukan dalam musik Barok ditambahkan kemudian oleh editor lembaran musik.

3. Harpsichord tidak memiliki pedal yang menopang, jadi kebanyakan tanda pedal juga bersifat editorial. Namun, ada banyak aliran pemikiran tentang menggunakan pedal saat memainkan musik barok. Beberapa pianis menentang penggunaan pedal apa pun dalam musik Barok, sementara yang lain merasa bahwa jumlah pedal yang tepat pada waktu yang tepat meningkatkan elemen gaya musik. Misalnya, dengarkan “Prelude in C Major” Bach dari The Well-Tempered Clavier Book I dan dengarkan bagaimana pedal mendukung gaya gubahan tersebut.

Namun, perlu diketahui bahwa harpsichord memang cenderung memiliki suara yang “kering” dan tidak dapat dipertahankan, jadi jika Anda memilih untuk menambahkan pedal, lakukan dengan hemat.

4. Banyak musik Barok memiliki fungsi. Entah sebuah karya ditulis sebagai musik dansa atau sebagai bagian dari kebaktian gereja, memahami maksud komposer untuk musik tersebut akan membuat mempelajari karya tersebut jauh lebih menyenangkan dan menarik. Misal Minuets adalah tarian dalam 3/4 waktu yang sangat anggun dan mulia. Jika Anda membayangkan penari menari mengikuti musik Anda, gerakannya akan berbeda dari musik yang mungkin dimaksudkan sebagai pendahuluan reflektif untuk kebaktian gereja.

5. Ornamen adalah elemen kunci dalam musik Barok. Penggubah sering menulis harmoni sederhana yang ditandai dengan simbol ornamen yang menyiratkan sosok musik yang lebih kompleks. Simbol-simbol ini sangat terstandardisasi dan dipahami secara luas pada saat itu. Saat pianis modern menemukan ornamen dalam musik Barok, mudah untuk mempelajari apa yang ingin dimainkan oleh sang komposer. (Editor sering memasukkan notasi untuk menunjukkan cara memainkan ornamen.)

Jika Anda mencari tempat awal sambil menjelajahi musik Barok, pertimbangkan karya-karya dari Notebook For Anna Magdalena, yang dikaitkan dengan Bach. Anda mungkin akan mengenali beberapa bagian. Mereka tidak sulit untuk dibaca, namun, Anda perlu mengalihkan fokus Anda ke penggunaan keseimbangan yang tepat antara staccato dan legato dan menciptakan baris musik yang panjang, indah, dan terus menerus. Coba potongan ini dulu:

“Minuet di G Major BWV Anh 114”
“Minuet di G Minor BWV Anh 115”
“Minuet di G Major BWV Anh 116”
“Musette di D Major BWV Anh 126”

Klasik

Era klasik kira-kira dari tahun 1750 hingga 1820. Komposer klasik paling terkenal adalah Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn, dan Ludwig van Beethoven. Namun, Beethoven dianggap sebagai jembatan antara era Klasik dan Romantis, jadi musik awalnya lebih mewakili gaya klasik daripada musiknya di kemudian hari. Pada saat ini, piano adalah instrumen keyboard utama dan musik telah berkembang untuk mencerminkan kemampuan baru instrumen tersebut.

Perubahan terbesar di era ini adalah para komposer dapat menggunakan variasi dinamika yang sangat besar. Artinya, setiap frase musik bisa mengalami pasang surut. Garis-garis melodi sekarang sangat ekspresif dan memiliki dinamika yang luas. Sekalipun sebuah frasa tidak memiliki crescendo atau diminuendo yang tertulis dalam musik, diasumsikan bahwa akan ada variasi dari lantang ke lembut. Ini mirip dengan cara kita berbicara. Secara alami, suara kita memulai dan mengakhiri kalimat sedikit lebih lembut daripada di tengah kalimat.

Rentang dinamis yang lebih besar berarti setiap jarum dapat berfungsi secara independen. Seringkali, tangan kanan memiliki baris melodi yang dinyanyikan di atas bagian pengiring tangan kiri. Tangan kiri mungkin terdiri dari akord atau akord arpeggio yang perlu dimainkan lebih lembut daripada melodi. Dengarkan “Rondo Alla Turca” Mozart dan perhatikan perbedaan besar dalam gaya Barok. Tangan kiri sekarang berfungsi sebagai pengiring daripada melodi lainnya.

Komposer klasik menghargai simetri dan keteraturan. Sebagian besar musik mereka dalam dua atau empat frase bar dengan progresi akor dan harmoni yang sangat logis. Mereka menulis dalam kerangka bentuk musik, yang berarti bahwa musik mereka mengikuti urutan materi dan ide tematik yang dapat diprediksi. Dalam bentuk ini, Anda sering mengharapkan banyak materi yang kontras seperti bagian musik yang keras dan lembut, bagian mayor dan minor atau perubahan total dari suasana musik. Sonata, sonatinas, dan rondo adalah contoh bentuk Klasik.

Titik awal yang sangat baik dalam era Klasik adalah Muzio Clementi Sonatinas Op. 36. Koleksi ini memiliki enam sonatinas yang dengan indah mewujudkan gaya klasik.

Romantis

Era Romantis berlangsung dari sekitar 1820 hingga 1900. Komposer Romantis terkenal termasuk Frederic Chopin, Franz Schubert, dan Franz Liszt.

Musik di era Romantis sangat emosional dan ekspresif. Penggubah kurang fokus pada mengikuti bentuk tertentu dan lebih tertarik untuk bercerita atau membuat gambar melalui musik mereka. Misalnya, komposer yang menulis musik yang mungkin kita asosiasikan dengan menari, seperti waltz, lebih cenderung menulis stilisasi musik waltz, daripada musik yang membuat orang benar-benar menari. Misalnya, dengarkan lagu Chopin “Waltz in D-Flat, Op. 64, No. 1. ” Meskipun memang bergaya waltz, mungkin akan sedikit sulit untuk mengimbanginya di lantai dansa!

Musik di era ini menyimpang dari prediktabilitas era klasik. Musik terdengar lebih bebas karena komposer menjadi lebih eksperimental dengan standar harmonis, bentuk musik diikuti dengan lebih longgar, dan banyak batasan logis dalam musik didorong.

Kontemporer

Musik kontemporer mencakup tahun 1900 hingga hari ini. Komposer kontemporer terkenal adalah Claude Debussy, George Gershwin, dan Aaron Copland.

Pada saat ini, komposer sangat nyaman berpikir di luar kotak musik “klasik”. Mereka sangat eksperimental dan terbuka untuk mencoba hal-hal baru. Harmoni jazz menjadi lazim dan komposer tidak lagi merasa dibatasi pada harmonisasi di sepertiga. Tentu saja salah satu karya paling terkenal yang muncul dari era ini adalah “Clair de Lune” dari Debussy. Dengarkan perubahan harmoni yang luar biasa dibandingkan tampilan awal kita di era Baroque.

Kreativitas tumbuh subur di era Kontemporer. Bentuk musik bahkan kurang signifikan dibandingkan di era Romantis. Mendasarkan musik pada pusat nada belum tentu menjadi prioritas karena musik menjadi lebih berwarna. Akibatnya, banyak karya indah dan cemerlang datang dari era ini. Namun, banyak orang dengan telinga untuk musik sebelumnya berjuang untuk menikmati disonansi dan elemen tidak konvensional yang menentukan era ini.

Seorang komposer yang mudah didekati untuk berkenalan dengan gaya Kontemporer adalah Dmitri Kabalevsky. Dua karyanya Pieces For Children Op. 27 dan Children’s Pieces Op. 39. terdiri dari banyak potongan pendek yang mewakili elemen ritmis, harmonis, dan teknis yang menarik yang merupakan ciri khas gaya kontemporer. Coba mulai dengan:

Sekarang setelah Anda memiliki pemahaman penuh tentang gaya berbeda yang mencakup “musik klasik”, kami harap Anda terinspirasi untuk memulai! Jika lagu-lagu yang disebutkan dalam artikel ini kurang cocok dengan akor yang tepat, pastikan untuk memeriksa katalog luas musik lembaran piano klasik di Musicnotes.com di sini! Tidak perlu mengkhawatirkan tingkat keahlian Anda saat ini, karena kami juga memiliki lembaran musik piano klasik untuk Piano Mudah dan Catatan Pemula.

Viol (atau viola da gamba) pertama kali muncul di Spanyol pada akhir abad ke-15. Permaisuri biola sangat populer di Inggris dengan komposer seperti Henry Purcell, William Byrd dan Tobias Hume. Selain itu, biola digunakan dalam orkestra dan kelompok musik kamar hingga abad ke-18, di mana ia dibudidayakan di kalangan masyarakat keraton sebagai instrumen tunggal. Komposer seperti Marin Marais, Bach, Telemann, Forqueray, Händel dan CAbel menulis banyak musik virtuoso untuk itu. Karya ini adalah ‘La Leclair’ oleh Antoine Forqueray, seorang komposer dan virtuoso yang dikatakan bermain seperti iblis. Dia mendedikasikan karya ini untuk pemain biola barok terkenal Jean-Marie Leclair.

Suara Barok

Dalam arti praktis, ada beberapa karakteristik yang benar-benar menentukan dalam periode Barok yang menandai dari apa yang datang sebelum atau sesudah. Anda dapat berharap untuk mendengar banyak harpsichord, untuk satu, tetapi secara umum, perkembangan utama yang datang ketika periode Renaissance berubah menjadi Barok adalah munculnya harmoni yang lebih modern.

Yang kami maksud dengan harmoni adalah kombinasi dari lebih dari satu nada pada saat yang sama, dan komposer barok seperti Bach, Handel, dan Vivaldi membuatnya sedikit lebih mudah diakses. Mari kita sedikit ledakan Vesper Monteverdi untuk menunjukkan dengan tepat harmoni seperti apa yang tiba-tiba menjadi populer:

Instrumen Barok

Meskipun banyak perkembangan instrumental dibuat pada periode barok, ada satu bayangan berbentuk keyboard yang agak besar yang dibuat di atas semuanya – oleh harpsichord. Anda akan mendengar suara petikannya yang khas di seluruh bagian dari periode tersebut, tetapi berikut adalah contoh yang bagus dari J.S. Bach:

Selain harpsichord yang ada di mana-mana, periode Barok juga mengandung beberapa mabuk dari periode Renaisans, termasuk perekam, biola, kecapi, seruling, dan berbagai macam alat musik dawai yang lambat laun tidak lagi digunakan.

Potongan Barok

Musik religius adalah bagian besar dari periode Barok, tetapi komposer seperti Handel dan Bach perlu membuat mereka menjadi pengalaman emosional dan manusiawi. Karya-karya besar dan menjulang tinggi dalam kanon Barok sakral termasuk karya Bach St Matthew Passion dan Handel’s Messiah. Tapi mari kita coba Handel’s Zadok the Priest (persiapkan diri Anda):

Ada begitu banyak bagian penting dalam repertoar Baroque sehingga sulit untuk memilih satu saja, tetapi jika didorong, kami akan memilih The Four Seasons karya Vivaldi yang juga merupakan keturunan dari pemilik situs . Tidak hanya itu musik yang indah dan menggugah, tetapi juga representasi sempurna dari kekuatan puitis yang meningkat yang dituju oleh musik Baroque. Salah satu karya musik yang universal, sangat bermanfaat bagi pemula seperti bagi para ahli berpengalaman. Biarkan Nigel Kennedy yang hebat menunjukkan alasannya:

Benarkah mendengarkan musik baroque itu baik buat kamu? Melihat beberapa studi ilmiah yang dilakukan baru-baru ini, musik baroque memang memiliki manfaat. Temuan menunjukkan bahwa ada banyak manfaat bagi kesehatan mental dan fisik kita.

Berikut adalah 8 alasan mengapa Anda harus mendengarkan musik baroque lebih sering daripada yang mungkin Anda lakukan sekarang.

1. Itu membuat otak Anda bekerja lebih baik

Di Universitas Northumbria (Inggris Raya), tim peneliti melakukan beberapa eksperimen pada fungsi otak siswa saat melakukan tes sambil mendengarkan konser Musim Semi Vivaldi. Mereka menjawab lebih cepat dan lebih baik daripada saat mereka mendengarkan konser musim gugur yang menyedihkan. Kesimpulannya adalah aktivitas otak meningkat saat mendengarkan rangsangan yang menyenangkan dan membangkitkan.

2. Membantu penderita demensia

Jika orang yang dicintai menderita demensia atau Alzheimer, perlu diperhatikan penelitian yang menunjukkan bagaimana musik dapat membantu mereka mendapatkan kembali ingatan dan sangat meningkatkan kualitas hidup mereka. Tonton video di sini tentang seorang pria yang dihidupkan kembali dengan mendengarkan musik yang dia sukai di masa lalu. Jika orang yang Anda cintai sangat menyukai musik apa pun, baroque atau non, mereka dapat sangat terbantu dengan mendengarkan musik yang sama. Penjelasannya adalah karena musik memengaruhi banyak bagian otak, musik dapat membangunkan kembali bagian-bagian otak yang tidak terpengaruh oleh demensia. Ini terutama benar ketika musik dikaitkan dengan peristiwa atau memori tertentu. Sangat menarik untuk membaca buku oleh almarhum ahli saraf Oliver Sacks berjudul Musicophilia: Tales of Music and the Brain yang menjelaskan fenomena tersebut dan menceritakan banyak kisah yang mengharukan.

3. Dapat membantu Anda tidur lebih nyenyak

Ada banyak penelitian tentang efek menguntungkan dari musik baroque terhadap kualitas tidur. Sebuah penelitian menunjukkan bahwa sekelompok siswa yang mendengarkan musik baroque yang menenangkan mendapatkan kualitas tidur yang jauh lebih baik daripada ketika mereka dihadapkan pada buku audio, misalnya. Peneliti yakin bahwa musik lebih baik daripada rangsangan verbal untuk tujuan merilekskan tubuh dan pikiran sebelum tidur.

4. Dapat menenangkan Anda saat mengemudi

Apakah Anda terkadang mudah marah di jalan? Pemerintah Jerman mengkhawatirkan tingginya angka kecelakaan di jalan raya negara itu (2,4 juta setiap tahun). Banyak dari kecelakaan ini disebabkan oleh mengemudi yang agresif dan kemarahan di jalan raya. Untuk mengatasi hal ini, Kementerian Transportasi Jerman telah merilis CD untuk driver yang menampilkan Piano Concerto No.21 Mozart. dimainkan oleh Menteri sendiri! Ia berharap efek musik yang menenangkan akan menenangkan pengemudi.

5. Dapat membantu mengurangi nyeri

Berbagai penelitian menunjukkan bahwa mendengarkan musik dapat mengurangi nyeri pasca operasi dan kronis terutama pasca operasi. Ini tidak akan pernah menggantikan obat penghilang rasa sakit tentu saja tetapi akan sangat membantu dalam mengurangi depresi, kecacatan dan rasa sakit. Alasannya tampaknya itu dapat membantu menghilangkan rasa sakit dengan meningkatkan pusat penghargaan otak, sehingga mengurangi sensasi nyeri.

6. Ini dapat membantu Anda mengekspresikan emosi Anda.

Musik dapat mengungkapkan apa yang kita mungkin tidak pernah mampu secara lisan dan syukurlah untuk itu. Kita mungkin harus bergumul dengan kemarahan, cinta, depresi, dan banyak emosi serta perasaan lainnya. Saat kita terhubung dengan musik, kita bisa mulai mengatasinya. Itu membantu kita untuk lebih jujur ​​pada diri kita sendiri. Penelitian di The Southern Methodist University menunjukkan bahwa ketika mendengarkan musik baroque, mahasiswa sarjana lebih komunikatif dan terbuka tentang emosi mereka. Setiap orang memiliki playlist favorit mereka untuk membantu mereka saat mereka merasa romantis, malas, atau kelelahan. Mendengarkan musik baroque membantu Anda mengekspresikan emosi dengan cara yang unik.

7. Dapat membantu tekanan darah

Sangat menarik untuk mengetahui bahwa ahli jantung telah menemukan hubungan antara Simfoni Kesembilan Beethoven dan tingkat tekanan darah kita. Mereka menemukan bahwa karya ini dan banyak karya musik baroque lainnya selaras secara alami dengan ritme alami tubuh kita sendiri dan membantu menjaga tekanan darah pada tingkat optimal. Profesor Bernardi dari Universitas Pavia di Italia telah melakukan beberapa penelitian menarik tentang ini.

8. Dapat membantu orang dalam diet

Anda sekarang betapa sulitnya untuk makan perlahan, mengunyah makanan dengan benar, dan benar-benar menikmatinya. Memutar musik lembut dan meredupkan lampu di ruang makan terbukti membantu orang menikmati makanan lebih banyak dan makan lebih sedikit! Ini adalah hasil utama dari studi yang dilakukan di Cornell University. Di sisi lain, tempat-tempat seperti kedai makanan cepat saji menggunakan lampu yang lebih terang untuk mendorong makan cepat dan lebih banyak keuntungan bagi bisnis. Anda dapat meningkatkan cara Anda menikmati makanan dengan lebih memperhatikan cara Anda makan, termasuk memainkan musik lembut saat makan.

Dari sekitar 1600 hingga 1750, periode Barok menyaksikan penciptaan beberapa mahakarya terbesar yang pernah dibuat, kami mengutip 10 komposer baroque terbaik di tahun 2020 ini berdasarkan voting di situs mereka.

Berikut 10 Komposer Baroque Terbaik:

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Bach telah disebut sebagai ‘wasit tertinggi dan pemberi hukum musik’. Ia menyukai musik sebagaimana Leonardo da Vinci bagi seni dan Shakespeare bagi sastra, salah satu jenius kreatif tertinggi dalam sejarah.

• Rekaman penting St Matthew Passion
• Solois; Trinity Boys Choir, Monteverdi Choir, English Baroque Soloists / Sir John Eliot Gardiner (Recording of the Month, April 2017; Terpilih untuk Penghargaan Baroque Vocal 2017)

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Dengan Antonio Vivaldi, musik Barok Italia mencapai puncaknya. Dunia Venesia kontemporer yang makmur dan terpelihara bersinar melalui semua karyanya, yang disusun dengan keahlian bawaan.

• Rekaman penting The Four Seasons
• Rachel Podger vn Brecon Baroque (Pilihan Editor, Mei 2018; terpilih untuk Gramophone Concerto Award 2018 )

George Frideric Handel (1685-1759)

Handel adalah salah satu raksasa sejarah musik. Musiknya yang ceria, percaya diri, dan melodius dijiwai dengan keanggunan sekolah vokal Italia, kelancaran dalam menulis bahasa Jerman yang kontrapuntal dan tradisi paduan suara bahasa Inggris yang diwarisi dari Purcell.

• Rekaman penting Mesias
• Solois; Selir Dunedin dan Pemain / John Butt (pemenang Penghargaan Vokal Barok 2007 Gramophone )

Henry Purcell (1659-95)

Banyak yang menganggap Purcell sebagai komposer Inggris terhebat sepanjang masa. Di antara karyanya yang paling berpengaruh adalah opera Dido dan Aeneas dan semi-opera The Fairy Queen dan King Arthur .

• Rekaman penting The Fairy Queen
• Lucy Crowe, Claire Debono, Anna Devin; Paduan Suara Glyndebourne dan Orkestra Zaman Pencerahan / William Christie (DVD Bulan Ini, Oktober 2010; Penghargaan Gramophone 2010 untuk Pertunjukan DVD)

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Monteverdi, seorang komposer yang menjembatani periode Renaissance dan Baroque, dapat dianggap sebagai salah satu tokoh paling kuat dalam sejarah musik. Di antara karyanya yang paling terkenal adalah opera Orfeo dan L’incoronazione di Poppea.

• Rekaman penting Vespers
• Taverner Consort / Andrew Parrott (The Top Choice in our Gramophone Collection Article in June 2010)

Heinrich Schütz (1585-1672)

Schütz adalah komposer Jerman terbesar abad ke-17 dan yang pertama bertubuh internasional.

• Rekaman penting Musicalische Exequien
• Vox Luminis / Lionel Meunier ( Rekaman Gramophone Terbaik Tahun 2012)

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Scarlatti menghasilkan banyak sekali musik instrumental yang paling dikenalnya, dan khususnya sonata keyboard. Karya-karya ini memperluas genre secara tak terukur, memperkenalkan keahlian dan kecemerlangan yang membuat terobosan baru.

• Merekam penting Sonata
• Yevgeny Sudbin pf (Recording of the Month, April 2016; terpilih untuk Gramophone Instrumental Award 2016 )

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Meskipun dia bukan penilai libretto, dia mengangkat sisi musik opera ke tingkat yang baru dan dalam baletnya memperkenalkan banyak efek deskriptif baru – orang Prancis menyukainya – seperti gempa bumi di Les Indes galantes .

• Rekaman penting Overtures
• Les Talens Lyriques / Christophe Rousset (pemenang Penghargaan Non-Vokal Gramophone Baroque 1998 )

Arcangelo Corelli (1653-1713)

Corelli adalah pendiri utama permainan orkestra modern dan komposer yang membentuk dua bentuk musik baru, trio Barok dan sonata solo, dan grosso konser .

• Rekaman penting Complete Concerti Grossi
• Amandine Beyer vn Gli Incogniti (Pilihan Editor, Februari 2014; terpilih untuk Penghargaan Instrumental Barok 2014 Gramophone )

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Telemann mungkin adalah komposer paling produktif dalam sejarah musik. Dia menulis hampir sebanyak Bach dan Handel mengumpulkan (dan masing-masing menulis jumlah yang membingungkan) termasuk 600 tawaran Perancis atau ruang orkestra, 200 konser, 40 opera dan lebih dari 1000 karya musik gereja.

• Rekaman penting Concertos & Cantata Ihr Völker Hört
• Clare Wilkinson mez Florilegium (Pilihan Editor, September 2016; terpilih untuk Penghargaan Instrumental Barok Gramophone 2017)

Lihat juga 5 Tips Mempelajari Musik Barok Prancis.

Semua informasi tentang musik orkestra barok ini di ambil dan diterjemahkan dari web , apabila Anda ingin membaca versi Aslinya dan yang lebih lengkap maka Anda bisa langsung mengklik tautan diatas.

Musik Barok memiliki ciri:

• garis melodi yang panjang mengalir sering menggunakan ornamen (nada dekoratif seperti getar dan belokan )
• kontras antara keras dan lembut, solo dan ensembel
• sebuah kontrapungtal tekstur mana dua atau lebih baris melodi digabungkan
• dinamika bertingkat – perubahan mendadak pada level volume, terkadang menciptakan efek gema
• penggunaan kontinu harpsichord

Contoh musik Barok adalah gerakan kedua dari Bach Brandenburg Concerto No. 4. Ini mendemonstrasikan kelompok solo biola dan dua seruling dan string ripieno (pengiring).

Instrumen dalam orkestra Barok

Sebuah orkestra adalah ensemble berperan besar dengan bagian string, kuningan, woodwind dan kadang-kadang perkusi. Biasanya disutradarai oleh seorang konduktor. Orkestra Barok terkadang diarahkan dari harpsichord.

Bagian kontinu (atau basso continuo ) biasanya dimainkan di harpsichord atau organ . Instrumen digunakan dalam harmoni dan untuk menyatukan ansambel. Bassline sering dimainkan oleh cello atau bassoon. The piano adalah instrumen keyboard di mana senar dipetik daripada dipalu.

Orkestra Barok relatif kecil (orkestra kecil dikenal sebagai orkestra suite ). Orkestra masih berkembang selama periode Baroque. Pada awalnya tidak ada instrumen yang disetel, tetapi seiring kemajuan abad ke-17, orkestra mulai terbentuk.

Instrumen orkestra Barok biasanya termasuk:

• string – biola, biola, cello, dan bas ganda
• woodwind – perekam atau seruling kayu, obo dan bassoon
• kuningan – terkadang terompet dan / atau tanduk (tanpa katup)
• timpani (kettledrum)
• kontinu – harpsichord atau organ

Contoh orkestra Barok yang sedang beraksi adalah The Four Seasons karya Vivaldi. Perhatikan kontras antara bagian biola solo dan tutti (bagian utama orkestra).

Bentuk musik orkestra Barok

Karya orkestra yang biasa ditemukan selama periode Barok termasuk konser dan suite.

Konser

Sebuah concerto adalah komposisi skala besar untuk sebuah orkestra ditambah solo atau sekelompok solois.

Komposer Barok yang menulis concerto termasuk Vivaldi, Bach dan Handel. Vivaldi menulis lebih dari 500, sekitar setengahnya untuk biola.

Ada dua jenis konser Baroque – konser grosso dan konser solo.

Kedua jenis konser tersebut umumnya memiliki tiga gerakan – cepat, lambat, cepat.

The Baroque concerto grosso:

ditulis untuk sekelompok alat musik tunggal ( konserino ) dan ansambel yang lebih besar ( ripieno )
memiliki contoh terkenal seperti enam Konser Brandenburg karya Bach

Brandenburg Concerto No. 4 karya Bach adalah contoh dari grosso konser. Saat bidak terbuka ada satu kelompok biola dan dua seruling menonjol. Mereka kemudian bergabung dengan string ripieno . Harpsichord dimainkan dalam kontinu.

Konserto solo Barok:

ditulis untuk satu instrumen solo plus orkestra
sering kali memiliki bagian-bagian yang brilian dan menuntut secara teknis untuk dimainkan oleh seorang solois

The Four Seasons karya Vivaldi adalah contoh terkenal dari konser biola solo Barok. Dalam karya ini ada kontras yang mencolok antara bagian biola tunggal dan ripieno . Perhatikan kontras antara bagian biola tunggal dan ripieno dalam kutipan ini.

Orkestra Suite

The orkestra Suite adalah kumpulan tarian. Musik Air Handel dan Musik untuk Kembang Api Kerajaan adalah suite. Bach menulis empat suite orkestra.

Gerakan pertama dari masing-masing adalah an tawaran dan ini diikuti oleh sejumlah tarian sering kali termasuk:

• courante – tiga ketukan dalam satu bar, kecepatan sedang
• gavotte – 2/2 atau 4/4 kali, seringkali dengan setiap frase dimulai di tengah bar
• minuet – 3/4 waktu, kecepatan sedang
• gigue – hidup dan dalam waktu gabungan (6/8, 9/8 atau 12/8)

Sebagian besar tariannya berbentuk biner . Bentuk biner memiliki dua bagian (A dan B). Musik berpindah ke kunci baru di akhir bagian A dan kembali ke kunci home ( tonik ) di bagian B.

Pada gigue dari Bach’s Orchestral Suite No.3 ada 6/8 time signature dan penilaiannya meliputi obo, terompet dan basso continuo.

Baca juga Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok.

Ketika Anda memikirkan komposer Barok, yang bekerja dari 1600–1750, Vivaldi dan Bach paling sering muncul di benak Anda. Namun, ada banyak repertoar untuk string yang dapat ditemukan dalam musik fantastis — dan idiosinkratik — musik era Barok Prancis. seperangkat aturan khusus, tetapi, jangan khawatir, dengan tips ini, Anda akan bermain dengan gaya dalam waktu singkat.

Anehnya, komposer Barok Prancis paling terkenal dan berpengaruh berasal dari Italia. Jean-Baptiste Lully (1632–1687), lahir sebagai Giovanni Battista Lulli, tinggal di Florence hingga usia 11 tahun, mempelajari tari dan berbagai instrumen, termasuk biola. Dibawa ke Paris. sebagai guru Italia untuk seorang wanita bangsawan Prancis, Lully yang berbakat mendapatkan perhatian dari Raja Louis XIV muda ketika mereka menari bersama dalam balet. Lully segera menjadi sangat diperlukan bagi Louis, mendapatkan ketenaran karena ketepatan orkestra senar, dan melanjutkan ke menggubah banyak balet dan opera yang diisi dengan tarian, dan mempengaruhi gaya musik selama beberapa dekade yang akan datang.

1. Bicaralah Dulu

Karena sebagian besar musik Lully adalah untuk opera, ada baiknya mendengarkan bagaimana musik dipengaruhi oleh bunyi syairnya. Musik Barque pada umumnya didasarkan pada retorika, dan musik Prancis tidak terkecuali.

Elizabeth Field, pemain biola Modern dan Barok, yang mengajar di Universitas George Washington, sering kali memperkenalkan gaya tersebut dengan cara ini: “Saya memiliki aria Lully di mana saya memutihkan semua teks dan artikulasi apa pun, jadi tidak ada petunjuk tentang musik apa Saya meminta pemain biola modern untuk ‘memainkannya sehingga terdengar seperti musik,’ dan selalu terdengar seperti Schumann.

“Itu mengejutkan mereka ketika saya mengembalikan teksnya dan mereka harus menemukan suku kata dalam musik. Hal yang hebat adalah menyadari bahwa tidak peduli seberapa mirip notasi yang mungkin muncul secara dangkal (yaitu, tiga not seperempat terpisah) setiap saat Hal ini menghasilkan garis panjang retoris yang tidak hanya vokal (yang saya anggap sebagai definisi sebenarnya dari ‘garis panjang’ abad ke-19). Itu mengarah pada gagasan menemukan gerakan yang lebih kecil alih-alih melodi berkelanjutan yang kami hasilkan di musik selanjutnya. “

2. Downbeat? Down bow

Salah satu konsekuensi paling luas dari masa jabatan Lully sebagai konduktor “24 biola Raja” adalah tuntutannya agar semua pemain menggunakan busur yang sama – sesuatu yang dilakukan semua orkestra hari ini. Bentuk busur Baroque membuatnya lebih kuat. busur bawah daripada busur ke atas, dan, menurut kontemporernya Georg Muffat, “Lullists” memainkan nada pertama dari setiap ukuran pada busur bawah, dengan sedikit penekanan pada busur ke atas. Latihan ini paling banyak digunakan di Prancis, tetapi mencapai ke Jerman dan Inggris juga.

“Sangat membantu untuk mencoba mengikuti aturan ketat membungkuk Prancis saat bermain dansa,” kata profesor Yale dan pemain biola Baroque Robert Mealy yang sibuk, “tidak hanya dalam musik Prancis, tetapi dalam musik yang dipengaruhi Prancis seperti Purcell. turun busur, Anda bisa menjatuhkan yang lain di garis bar atau mengambil dua di dalam bar. “

Dalam hitungan tiga kali lambat, coba turun-naik-turun dalam hitungan, ulangi turun pada hitungan berikutnya, yang disukai Prancis untuk dikecilkan ke atas.

“Mereka tidak pernah menggunakan busur bawah secara berurutan di dalam bar,” kata Mealy, “tetapi mereka sering melakukan haluan ke bawah melintasi garis bar – ini menghasilkan gaya angkat dan artikulasi yang luar biasa di garis bar.”

Anda dapat mencoba membungkuk ke bawah pada minuet apa pun di Bach Partita atau Suite.

3. Dapatkan Pegangan

Busur French Baroque lebih pendek daripada busur Italianya dan memiliki artikulasi yang sangat jelas — sempurna untuk gerakan tarian cepat. “Pegang busur modern Anda jauh dari katak” untuk merasakan busur yang lebih kecil dan ringan, “pemain cello Handel dan Haydn Society Reinmar Seidler menyarankan, “Juga, pegangan busur Prancis sangat tidak biasa – ibu jari ditempatkan di bawah busur pendek itu, menekan rambut pada katak, dengan jari-jari di atas. Jika Anda mencoba ini, mungkin sulit tetapi sangat instruktif —Anda akan menemukan satu-satunya tempat untuk mengangkat busur dari senar adalah di katak. Ini cocok dengan artikulasi — akan ada sedikit ejekan. Hindari ejekan hampir sepanjang waktu — karakter tarian membutuhkan artikulasi dan ritme yang tajam. ”

Mealy menambahkan bahwa dalam musik Prancis “aturan umum musik Barok pasti berlaku: semakin kecil intervalnya, semakin halus guratannya — untuk bagian skalar (bahkan salah satu dari sedikit nada) Anda bisa sangat legato, dan kemudian lebih pandai berbicara ketika interval lebih besar. Ikuti lanskap frasa, naik saat naik, turun saat turun. “

4. Ketukan Kuat & Lemah

Dalam musik Baroque Prancis, prinsip ketukan kuat dan lemah dijalankan secara ekstrem: jika Anda memiliki serangkaian nada konjungsi dengan nilai yang sama, mainkan nada busur bawah yang kuat sedikit lebih panjang daripada busur atas yang mengikutinya – ini diketahui sebagai nada di égales — yang memberikan bagian, seperti yang dikatakan Mealy sebagai “infleksi ritme yang halus, berayun, dan fleksibel.”

Cobalah pegangan gaya Prancis itu dan berikan sedikit tekanan pada rambut busur dengan ibu jari Anda pada busur ke bawah, lepaskan pada busur atas. Tiru perasaan itu dengan memegang busur biasa dengan tenggelam dalam gerakan busur ke bawah sedikit lebih dari Anda lakukan untuk haluan atas.

“Pikirkan inégale bukan sebagai long-short (yang biasanya berakhir dengan sesuatu yang tersentak atau putus-putus) tetapi sebagai kuat-lemah,” kata Mealy. “Ini dapat membantu masalah kehabisan busur pada rangkaian ayunan yang panjang nada kedelapan. Ingatlah untuk membuat koreografi busur: seperti halnya pemain biola sering menjadi ahli menari, Anda harus memikirkan menari dengan busur di biola. ”

5. Ornamen & Trills

Musik Prancis sering kali dipenuhi dengan rangkaian getar dan ornamen lainnya, tetapi jangan biarkan hal itu membuat Anda melupakan musiknya! Pahami garis musik tersebut tanpa ornamen terlebih dahulu sebelum memasukkannya. Dan Stepner, pemain biola pertama di Lydian String Quartet dan concertmaster dari Handel and Haydn Society Orchestra, menekankan “pernyataan komposer Jean-Philippe Rameau tentang bagaimana ornamen harus dirasakan (yaitu bermuatan emosional) dan bukan hanya ‘fundamental’.” Dia juga menunjukkan hal itu dalam Piéces de clavecin en concerts, Rameau “memiliki ornamen yang serentak, tetapi berbeda pada garis yang serempak (misalnya, harpsichord kanan dan biola), yang membuat saya percaya bahwa Rameau menginginkan efek corengan, dan bukan yang tepat, super-jelas. Gestur adalah yang penting di sini, bukan presisi. “

Mealy sependapat: “Trills harus ekspresif. Semakin panjang getar, semakin lambat awal dari getar — seharusnya tidak terdengar seperti bel pintu.”

PELAJARI REPERTOIRE PERANCIS DARI ERA BAROK

Pemain biola dan profesor Yale Robert Mealy menyarankan untuk menjelajahi karya-karya Barok Prancis yang hebat ini untuk mengenalkan Anda dengan gayanya.

Cari DVD opera Jean-Philippe Rameau dengan Les Arts Florissants — Une symphonie imaginair (Marc Minkowski dan Les Musiciens du Louvre) dan Suites from Naïs and Le temple de la gloire (Philharmonia Baroque Orchestra). Semuanya hebat, dengan luar biasa pertunjukan luar biasa — mulai dari neo-Baroque hingga hip-hop.

François Couperin’s Les Nations yang direkam oleh Hesperion XXI adalah set trio sonata dan tarian dengan kedalaman dan kefasihan Bach, dimainkan oleh pemain instrumentalis all-star. Juga lihat rekaman mereka tentang trio sonata Les Apotheoses Couperin, yang membayangkan keduanya Lully dan Corelli naik ke surga.

Lihat juga rekaman Boston Early Music Festival dari opera Lully, Psyché and Thésé.
Untuk musik vokal lainnya, coba rekaman Les Arts Florissants tentang Charpentier: David et Jonathas, Medé, atau Actéon.

Mealy berkata bahwa pemain biola harus mencoba sonata biola Leclair, “yang semakin lama semakin sulit: buku keempatnya memiliki beberapa efek biola yang spektakuler. Juga buku duet keduanya untuk dua biola patut ditemukan: jauh lebih sulit dan lebih menarik daripada buku pertama.”

• Para pemain cello dapat mempertimbangkan untuk memainkan sonata Joseph Bodin de Boismortier atau Jean-Baptiste Barrière.
• Konser Couperin’s Les royaux dan Les goûts-réunis, konser ou nouveaux memberikan pelajaran dalam bahasa Baroque Prancis tingkat tinggi yang dihias dengan indah dan fasih.
• Mealy mendesak agar musik ini dalam faksimili “karena ukiran Prancis adalah seni yang tinggi: musiknya dapat dibaca dengan indah, dan Anda tidak perlu mengabaikan penambahan editorial.”
• Sebagian besar musik ini dapat dipesan dari sheetmusicplus.com (cari Edisi Fuzeau — faks yang bagus dari aslinya).

Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok tidak diragukan lagi di antara yang paling penting dalam sejarah. Kemampuannya yang tak tertandingi untuk memadukan teknik, gaya, dan tradisi eklektik mungkin merupakan aspek terpenting dari keahlian komposisinya. Memiliki komposisi musik tujuan sakral dan sekuler, serta dalam banyak genre musik Barok (tidak termasuk opera), J.S. Peran Bach sebagai seorang komposer secara ironis dapat digambarkan sebagai peran “manusia Renaisans.” Sementara keinovatifannya tidak meluas jauh dari teknik dan gaya para pendahulunya dan orang-orang sezamannya (penguasaan gaya-gaya ini yang mengungkap efek inovatif sejatinya pada musik), kemampuannya untuk mengekspresikan dirinya secara emosional tanpa menempelkan musik ke biografinya sendiri. perspektif, keterampilan luar biasa dalam hal menerapkan teknik komposisi, dan afinitasnya untuk infus dan penjajaran karakteristik musik yang tampaknya berbeda adalah penanda paling menonjol dari tempatnya sebagai bisa dikatakan komposer terbesar di era Barok.

Sebuah studi tentang pengaruh Bach pada era yang secara historis mendalam ini dalam komposisi dan ekspresi musik dapat dengan tepat dimulai pada analisis musiknya untuk instrumen keyboard (mis. Organ, harpsichord). Dipengaruhi oleh gaya Dieterich Buxtehude yang monumental dan sangat ornamen, musik Bach untuk keyboard dicontohkan oleh Preludes dan Fugues-nya. Dalam komposisi gaya toccata-nya, Bach mengeksplorasi penjajaran bagian yang sangat kontras ke titik bahwa bagian-bagian ini menjadi gerakan yang berbeda dalam sebuah karya. Sifat semu-improvisasi dari pendahuluan menarik pada komposisi komposer sebelumnya dari Sekolah Clavecin Prancis – yaitu ‘prelude non mesure’ Louis Couperin – dalam adopsi gaya non-imitatif. Namun, gaya ini diperbaiki dengan menjaga musik dalam skema metrik terstruktur. Dengan melakukan itu, Bach memastikan bahwa pendahuluannya kurang esoteris daripada orang-orang sezamannya dalam hal kinerja dan ekspresi emosional; siapa pun dapat bermain dan menafsirkan karyanya, karena makna dan ekspresinya tidak spesifik untuk komposer. Struktur metrik dari gerakan-gerakan ini juga berarti bahwa mereka dapat dengan mudah direproduksi melalui cetak. Sebagai contoh, gerakan pertama “Pendahuluan dan Fugue di C Minor,” berjudul “Das Wohltempiert Klavier” (bahasa Inggris: “Keyboard Tempered”), menggambarkan pengulangan sosok melodi tunggal (dalam bentuk arpeggio) diterapkan pada ritme yang berulang. Teknik ini dikenal sebagai ‘irama motorik,’ dan berfungsi sebagai kontras tekstur di mana tempi juga bervariasi.

Selain dari banyak suite tariannya, Bach biasanya mengkomposisikan pembukaannya sebagai pengantar non-imitatif untuk seorang Fugue. Ungkapan imitatif subjek-dan-eksposisi ini sering bertentangan, dengan cara monumental yang tidak mengejutkan, sifat pendahuluan sebelumnya, dan dalam lebih dari satu kasus diperluas pada struktur imitatif kanon. Contoh dari ekspansi ini terlihat di bagian organnya, “‘Little Fugue’ di G Minor.” Dalam tulisan ini, konsep imitasi eksposisi gaya kanon diubah sehingga subjek dan eksposisi mengambil makna baru ketika konteks musik terlihat jelas secara retrospektif. Seolah-olah aplikasi teknik komposisi yang sangat canggih ini tidak cukup untuk mencerminkan J.S. Keutamaan Bach, “Seni Fugue” -nya (Jerman: “Die Kunst der Fuge”) secara aktif mengarsipkan semua teknik meniru yang mungkin dari musik gaya fugue. Setelah membuat melodi subjek pengantar yang sangat sederhana, ia kemudian menerapkan berbagai perangkat imitatif, seperti inversi, retrograde, retrograde-inversion, dan bahkan teknik yang jauh lebih spesifik seperti ‘stretto.’ Sementara tak lama setelah kematiannya (ia tidak menyelesaikan volume ini) “Seni Fugue” Bach dianggap usang di hadapan ‘stile galant,’ koleksi potongan fugue ini dianggap hari ini sebagai karya komposisi terbesar dari teknik imitasi, dan berfungsi sebagai bukti JS Pentingnya Bach dalam sejarah musik Barat.

French Clavecin School, termasuk komposer berpengaruh seperti Chambonnieres, Couperin, Lully, dan D’Anglebert, bertanggung jawab atas standardisasi Dance Suite selama era Baroque. Bach menggubah karya instrumental dan orkestra solo berdasarkan standardisasi ini. Namun, bakatnya untuk menyempurnakan dan menanamkan teknik komposisi dari banyak sumber dan gaya sekali lagi terlihat jelas dalam karya-karya ini. Untuk suite dansa instrumental solo – yang disiapkan Bach untuk berbagai instrumen mulai dari harpsichord hingga seruling melintang – teknik Prancis dan Italia diadopsi. Sementara Bach berusaha untuk tetap dalam konstruksi Sekolah Clavecin Prancis dalam karya-karya instrumental ini, ia sering mengabstraksi model ini. Pertama, prelude-nya bukan sepenuhnya ‘non mesure,’ tetapi mencerminkan sifat semi-improvisasi dan kadang-kadang menyerupai ekspresi ‘recitativo’. Lebih jauh, Bach mengikuti perintah (secara tidak sengaja) dari pergerakan suite yang ditetapkan oleh penerbit Froeberger dengan mengakhiri setiap suite dengan gerakan ‘gigue’. Jika tidak, gaya suite relatif konservatif karena mereka mengikuti struktur komponis Prancis akhir dan berfokus pada gerakan nuklir dari suite tari, daripada mencerminkan tren kemudian seperti pembubaran gerakan seperti yang dicirikan oleh Couperin’s (‘le grand ‘)’ penahbisan. ‘ Bukti lebih lanjut tentang kepatuhannya pada gaya Prancis terlihat dalam kelalaiannya tentang ‘sarabande’ yang cepat dalam mendukung ‘kuburan sarabande.’ Suite-suite ini tidak semata-mata mencerminkan pengaruh Prancis. Dimasukkannya ‘ganda’ – gerakan berulang dengan penambahan ‘passaggi’ genap – sengaja dirancang untuk meniru teknik komposisi komponis Italia. Secara kumulatif, suite instrumental solo Bach mewakili transisi musik dansa dari yang murni berfokus pada hiburan ke bidang pendengaran dan interpretasi yang serius; bahkan gaya dan teknik paling sederhana dari tarian Sekolah Prancis diuraikan menjadi tantangan intelektual bagi pendengar.

J.S. Bach memang mengarang musik dansa yang sangat kontras dengan sifat konservatif model Prancis di suite orkestranya. Sementara ia hanya menyusun empat dari potongan-potongan ini, semuanya dimulai dengan ‘ouvertures’ (bukti pengaruh Lully berbeda dengan gaya pendahuluan berbasis toccata). Juga, tidak seperti kepatuhannya pada model Prancis tradisional seperti yang terlihat dalam suite instrumental solo, suite orkestra sering menghilangkan, mengganti nama, atau menata ulang banyak gerakan ‘nuklir’ (dicontohkan oleh fakta bahwa potongan-potongan ini tidak pernah termasuk ‘allemande’ sebagai gerakan kedua mereka); keputusan ini menunjukkan bagaimana Bach sebenarnya dipengaruhi oleh ‘le grand’) Couperin. Dengan membandingkan gaya dan judul gerakan mereka, perbedaan ini dapat ditunjukkan melalui karyanya untuk instrumen solo, “Lute Suite No. 1 di E Minor,” dan karya orkestra, “Orchestral Suite No. 3 di D Major.”

Ritornello concerti juga karya yang diadopsi, dikuasai, dan diubah oleh Bach dengan menggabungkan banyak teknik dan gaya. Dalam karya-karya ini, Bach hanya secara longgar mengikuti model umum komposisi konserto: banyak konsertnya cocok dengan tiga model gerakan ritornello, sementara yang lain hanya menerapkan tempi ritornello pada gerakan pertama potongan, dan beberapa gerakan bahkan disusun dalam gaya musik dansa. Sebagai contohnya, mari kita perhatikan tiga gerakan pertama karya itu, “Brandenburg Concerto No. 2.” Gerakan pertama mencerminkan gaya konser ritornello Italia, tetapi bervariasi karena tidak meniru. Alih-alih, melodinya terfragmentasi dan tersebar sedemikian rupa sehingga potongan tidak diputar terlalu lama tanpa merujuk elemen tematik. Gerakan-gerakan berikut sangat bervariasi dari model Italia: gerakan kedua terdiri dari komposisi, dan meniru tempo lambat dan efek tiga meter dari ‘kuburan sarabande’. Tekstur gerakan ini mencakup pintu masuk tema melodi pendek di banyak nada instrumen, dan bahkan menyandingkan tema-tema ini dengan kontra-melodi. Gerakan ketiga mengingatkan kita pada ‘gigue’, yang terdengar riang dan imitatif, tetapi perbandingan berakhir di sana karena penggunaan meteran ganda dan persamaannya dengan struktur subjek-eksposisi fugue. Namun, itu juga bukan fugue, karena fakta bahwa pada satu titik subjek berdiri sendiri dan dilawan oleh melodi polifonik lain. Karya ini sekali lagi menunjukkan kecenderungan Bach untuk meminjam teknik komposisi dari sumber yang berbeda; Penguasaan Bach atas teknik-teknik ini menghasilkan perawatan gaya tradisional yang benar-benar inovatif, meskipun faktanya tidak ada bahan novel yang diperkenalkan.

Akhirnya, perlakuan Bach terhadap musik kantata menunjukkan bukti lebih lanjut tentang pengaruhnya terhadap musik Barok. Sementara mereka biasanya didasarkan pada melodi chorale Lutheran, Bach sering memasukkan karakteristik ‘chorale prelude’ dalam perawatannya terhadap melodi chorale. Bach akan menggunakan melodi dengan gaya cantus firmus; penampilan pertamanya sangat sederhana (untuk membantu mengajar siapa pun yang tidak terbiasa), sementara presentasi berikutnya membuat melodi di latar depan melalui konteks tekstur (dalam bentuk perhentian organ). Selain itu, tekstur polifonik yang dibangun di sekitar melodi chorale sangat kompleks dan ekspresif secara artistik (mis. Gerakan keempat kantata, “Sleepers Awake Calls the Voice”). Mengenai teks chorale, Bach akan menggunakan ‘madrigalisme’ sebagai cara untuk meningkatkan ekspresi libretto suci, bahkan jika tidak ada teks yang dinyanyikan pada saat itu dalam karya tersebut. Ini tampak jelas dalam pendahuluan nyanyiannya, “Kita Seharusnya Sekarang Memuji Kristus.” Untuk iringan vokal dari karya-karya ini, Bach masih mengandalkan teknik komposisi instrumental, seperti ‘urutan’ dan ‘passaggi.’

Karya-karya kolektif Johann Sebastian Bach yang merupakan seniman sangat luar biasa dalam penguasaan teknik dan gaya masa lalu mereka dikombinasikan dengan kemampuan Bach untuk secara impersonal menghubungkan kombinasi inovatif dari teknik-teknik ini di seluruh genre musik yang berbeda. Pengakuannya sebagai komposer terhebat di zaman ini diperoleh dengan baik dan dibuktikan dengan jelas, begitu juga pengaruhnya terhadap komposer-komposer baru dan gaya komposisi novel.

Baca juga : Apa itu Musik Barok Dan Penjelasan Singkatnya

Brian Sullivan menerima gelar sarjana dari Rutgers University, Universitas Negeri New Jersey, di bidang komunikasi, dengan minat khusus dalam komunikasi massa dan studi media. Sebagai bagian dari program ini, Brian juga mempelajari teori musik, sejarah, kinerja, dan dampak musik pada budaya populer kontemporer.

Dalam kasus seni Barat, diikuti oleh Renaissance dan periode Barok diterima secara luas untuk menutupi tahun 1600 hingga 1750, ketika periode klasik dimulai. Apa yang kita temukan ketika kita mencermati karakteristik periode sejarah ini adalah bahwa musik saat ini sebagai perkembangan alami dari yang datang sebelumnya. Banyak bentuk, struktur dan konvensi Renaissance memberikan dasar bagi gaya dan suara barok baru. Pada artikel ini, saya akan menjelaskan secara singkat beberapa fitur utama dari musik Baroque untuk memberi Anda ide tentang apa yang harus didengarkan.

Karakteristik Musik Barok

Bagi banyak orang, kemegahan Barok melambangkan keagungan dan keanggunan. Musik barok adalah favorit untuk acara pernikahan dan perayaan, untuk alasan yang baik. Banyak bagian yang telah menderita sebagai favorit dari cermin Baroque musik kami benar-benar indah dan kemewahan periode ini dan arsitektur seni rupa. Ini berlaku untuk karya-karya sakral dan sekuler dari periode kebesaran dan ornamen bermata bersalah yang selalu menarik.

kami mengenali hari ini dalam musik klasik Barat pada periode Baroque seperti sekarang. The Concerto adalah bentuk musik yang sangat populer dan Concerto Grosso. Faktanya, perbedaan utama antara kedua jenis ini adalah bahwa musik menggubah Concerto Grosso untuk sekelompok solois (Concertino) dan orkestra atau ensemble (ripieno) yang menyertainya, sedangkan konser biasanya satu solois dan orkestra. Jumlah gerakan dapat bervariasi, tetapi secara teratur mengikuti model cepat, lambat, cepat dan sering berdasarkan bentuk tarian Renaissance sebelumnya.

Vivaldi dan Corelli sering dianggap sebagai dua barok yang memberikan kontribusi terbesar pada bentuk musik. Vivaldi mungkin terkenal hari ini untuk penampilan dramatis musim ini di “Quattro Stagioni” atau empat musim. 12 Corelli Concerto Grossi Op. 6 adalah yang terbaik dari periode ini. Corelli juga seorang master dari trio sonata yang lahir dari Renaissance Canzona dengan dua biola dan bersambung.

Tarian sopan yang ditampilkan dalam musik sebelumnya sekarang mulai meletakkan dasar untuk peran penting dalam karya-karya barok. Itu datang dari seluruh Eropa dan dipengaruhi oleh Jerman, Prancis dan Italia dalam ukuran yang sama. Komposer Barok mengambil tarian ini dan mengembangkannya menjadi potongan-potongan di kanan mereka sendiri, tanpa harus menari penari jelas tetap teduh. Tarian Barok Jenderal Renaissance diubah menjadi instrumen “Suites” akan termasuk Jerman, he Usual, Gigue dan Sarabande. Setiap tarian memiliki meteran kontras dan nuansa. Empat Jerman akan moderat sementara Sarabande tiga lambat. J.S Bach English, French and German Suites menggambarkan hal ini secara ringkas.

Seperti setiap periode sejarah, musik instrumental membutuhkan pengembangan panggung utama. Flute, (pendahulu biola modern), cenderung mendukung biola baru yang lebih ekspresif dan dinamis. Ini sebagian besar adalah Catherine Medici, yang mendanai pengembangan instrumen dengan para master seperti instrumen Stradivari yang masih menciptakan semacam karya seniman masa kini. Kuncinya menjadi tulang punggung dari sebagian besar majelis dan dalam hubungannya dengan Celli rendah atau kadang-kadang dua, membentuk apa yang dikenal sebagai kontinu. (Bagian iringan yang mendukung garis melodi memberi harmoni dan ritme). Seruling, obo, sangkakala (tanpa valentine), timbale dan semua anggota dibentuk dari apa yang pada akhirnya akan dikenal sebagai orkestra simfoni hari ini. Seiring kualitas instrumen yang dikembangkan komposer semakin mengeksploitasi rentang dinamis yang lebih besar. musik antiphonal di mana ada perbedaan yang sangat mencolok antara musik duduk dengan lembut melawan kuat, keahlian. Variasi dinamis ini merupakan fitur penting di sebagian besar musik Barok.

Musik paduan suara tidak diabaikan pada periode Barok. musik suci adalah bagian penting dari beban kerja komposer Baroque. Massa, Cantata dan sampai batas tertentu Oratorio sepenuhnya didirikan sebagai pilar komposer besar seperti Bach (Matius Gairah dan massa dalam B minor), Handel (Mesias), Vivaldi (Gloria: RV589). Henry Purcell tidak boleh diabaikan dalam hal musik suci Barok dengan koleksi penting nyanyian pujian dan lagu-lagu pujian. Di sisi lain dari musik vokal Baroque, Purcell juga mulai mengeksplorasi konsep opera. “Dido dan Aeneas” oleh Purcell dianggap oleh banyak orang sebagai contoh pertama dari opera lengkap yang ditulis pada periode tersebut.

Musik keyboard menjadi bagian rutin dari diet untuk musik Barok. Meskipun kuncinya sendiri adalah instrumen yang sangat andal, cepat menyelinap keluar dari nada, banyak potongan yang disusun olehnya dan organ saingannya. Scarlatti, komposer Italia dan menulis secara luas pada keyboard dan menghasilkan serangkaian sonata (kebanyakan satu gerakan) yang mempesona. Karya-karya keyboard Bach yang paling terkenal dapat dianggap sebagai 48 pembuka dan fugues-nya. Banyak dari karya keyboard ini menunjukkan kualitas yang sama pada periode tersebut. Bach fugues adalah bentuk musik yang sangat kompleks dengan garis melodi yang menjalin yang menciptakan tekstur padat dan indah. Dalam istilah musik, ini dikenal sebagai polifonik (banyak suara). Fitur lain dari karya-karya ini adalah tandingannya. Jenis penulisan musik berasal dari kebangkitan di mana jika garis jatuh yang lain naik ke musik pada saat yang sama.

Fitur tambahan yang penting untuk mendengarkan musik Barok adalah urutan dan peniruannya. Urutan kata mengacu pada musik akor tertentu selama bagian umumnya mengikuti pola yang diakui. Ini digunakan untuk mewarnai musik dan kadang-kadang mengubah tombol dengan lancar. Vivaldi mempertimbangkan master ini dan menggunakannya untuk memberikan efek besar pada banyak karyanya. Imitasi dalam musik adalah seperti kata yang disarankan; tiruan, di mana Anda dapat mendengar bagian melodi melalui instrumen atau suara kadang-kadang lainnya sebagai salinan sempurna.

Demikianlah artikel seputar karakteristik musik barok yang bisa kami sampaikan kepada anda.

Baca juga : Sejarah Baroque Music 

Istilah, “Baroque” mungkin berasal dari bahasa Portugis yang berarti “mutiara yang formatnya tak beraturan”. Seni Barok dianggap terlalu dekoratif, dramatis, flamboyan, dan emosionil. Arsitektur, lukisan, patung, dan musik semuanya memperlihatkan sifat-sifat ini juga.

Bangkitnya monarki memainkan peran penting dalam penciptaan gaya nasional, sebab para raja dan pangeran merupakan di antara yang paling patron dalam kehidupan bermusik yang mewah.

Ada banyak penelusuran ilmiah pada ketika ini: fisiologi, astronomi, matematika dan fisika segala memengaruhi musisi untuk memakai sistem sains untuk persoalan musik, yang mengarah ke pengembangan sistematis teknik-teknik seni musik.

Fungsi Musik

Kian banyak musik religius juga diaplikasikan untuk tujuan non-liturgis; pembuka, penutup, dan sebagainya. Banyak musik yang ditulis memasuki akhir jangka waktu Baroque ditulis untuk pemain amatir di rumah tangga kelas aristokrasi dan kaya. Beberapa besar musik ini berperan, namun musik vokal acap kali dimasukkan. Di rumah tangga aristokrasi, sekelompok kecil musisi memberikan komposisi dan pertunjukan musik makan malam, tarian dan konser ensemble.Tak ada organisasi institusional untuk mendidik seni musik, sehingga siswa (kebanyakan laki-laki) diajari oleh ayah atau kerabat musik mereka sendiri yang terikat pada rumah tangga komposer / pemain.

Praktek dan Performa

Jangka Baroque merupakan jangka waktu di mana seni improvisasi merupakan keperluan tiap pemain. Bagus komposer vokal dan instrumental seringkali cuma “menguraikan” garis melodik dengan kemauan penuh supaya pemain tak cuma menambahkan ornamen, namun juga nada yang melewati, komponen skalar, dan malahan fragmen irama ke irama yang dinotasikan. Dalam Barok kemudian, ornamen cerah dan pesat dari ragam virtuoso diketahui sebagai “coloratura”. Dalam komposisi vokal dan instrumental, pemain diinginkan untuk memperluas ritme, lebih-lebih ritme klimaks di dekat akhir suatu gerakan atau karya, dengan improvisasi yang kompleks. Improvisasi seperti itu kemudian diketahui sebagai “cadenzas”, di mana pemain akan menampakkan keterampilan improvisasi dan teknik mereka. Metode penyeteman yang gampang diaplikasikan secara universal. Temperamen Meantone merupakan yang paling tetap diaplikasikan, namun pada akhir jangka waktu kecenderungan ke arah metode temperamen yang sama lebih disukai sebab praktik modulasi meningkat dari komposer.

Karakteristik Musik yang terlihat

“Tremolo” dan “pizzicato” untuk instrumen dawai; dinamika bertingkat meski dinamika seperti “p”, “f”, “cresc.” dan “redup.” disampaikan dan diaplikasikan dengan hemat; ritme biasanya simpel, namun sungguh-sungguh ketat; pertanda tempo seperti “allegro”, “andante” dan “kuburan” disampaikan ‘penekanan pada homofoni solo berdendang’ disampaikan dan ada bersama dengan polifoni; penunjukan ornamen dengan memakai singkatan dan pertanda-pertanda diaplikasikan banyak – komposer memakai pertanda-pertanda ini untuk menampakkan harapan pribadi mereka dalam ornamen, namun pelaku juga bebas untuk berimprovisasi ornamen mereka sendiri; virtuoso dan “bel canto” (lagu menawan) dengan teknik kemerahan; perubahan ke metode nada mayor / minor; harmoni yang sistematis; chromaticism dan disonance diaplikasikan untuk tekanan; gaya improvisasi, dengan komponen skalar yang pesat, dekorasi, pertunjukan teknik seperti fantasi cuma-cuma; prinsip ragam; frasa yang terang; suasana hati yang tetap di semua komponen musik.