Great Lakes Baroque, Ltd.

Musik Barok adalah salah satu periode penting dalam sejarah musik yang berkembang pada abad ke-17 hingga awal abad ke-18. Gaya ini dikenal dengan kekayaan harmoni, ekspresi dramatis, serta struktur musik yang kompleks. Banyak komposer besar seperti Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, dan George Frideric Handel muncul pada era ini dan menciptakan karya-karya yang masih dikenal hingga saat ini.

Musik Barok memiliki ciri khas yang membedakannya dari periode musik lainnya, seperti Renaisans dan Klasik. Karakteristik unik ini tidak hanya terlihat dalam struktur musiknya, tetapi juga dalam teknik permainan, orkestrasinya, dan pendekatan estetikanya.

Ornamen Musik yang Kompleks

Salah satu ciri utama musik Barok adalah penggunaan ornamen yang kaya dan rumit. Ornamen adalah hiasan tambahan dalam melodi yang digunakan untuk memperindah permainan musik. Beberapa ornamen yang sering digunakan dalam musik Barok antara lain:

• Trill: Getaran cepat antara dua nada yang berdekatan.
• Mordent: Perubahan cepat dari nada utama ke nada di bawahnya lalu kembali ke nada utama.
• Appoggiatura: Nada tambahan yang dimainkan sebelum nada utama untuk menciptakan ketegangan dan resolusi.

Penggunaan ornamen ini membuat musik Barok terdengar lebih ekspresif dan dinamis, serta memberikan kebebasan interpretasi bagi para musisi.

Penggunaan Kontras Dinamis dalam Ekspresi

Musik Barok cenderung menggunakan kontras dinamis yang jelas, di mana terdapat perubahan antara bagian yang keras (forte) dan lembut (piano) tanpa transisi yang bertahap. Teknik ini dikenal sebagai terraced dynamics, yang menciptakan efek dramatis dan memberikan karakter yang kuat pada komposisi.

Berbeda dengan periode musik Klasik yang lebih halus dalam transisi dinamisnya, musik Barok lebih menonjolkan kontras yang tajam untuk mempertegas emosi dalam karya musik.

Dominasi Harmoni dan Polifoni

Musik Barok dikenal dengan penggunaan harmoni yang kuat serta teknik polifoni, di mana beberapa melodi dimainkan secara bersamaan namun tetap harmonis. Polifoni dalam musik Barok sering kali memiliki karakter kontras, di mana satu suara meniru suara lainnya dalam bentuk fugue atau canon.

Salah satu contoh paling terkenal dari teknik polifoni adalah karya “The Well-Tempered Clavier” oleh Johann Sebastian Bach, yang menampilkan kontrapung yang kompleks dan harmonisasi yang kaya.

Selain itu, musik Barok juga mulai mengembangkan sistem harmoni tonal yang lebih jelas, menggunakan progresi akor yang kemudian menjadi dasar dalam musik klasik dan modern.

Penggunaan Basso Continuo

Basso continuo atau continuo adalah teknik khas dalam musik Barok di mana bagian bass dimainkan secara terus-menerus oleh instrumen seperti harpsichord, organ, atau cello, sementara tangan kanan pemain keyboard menambahkan harmoni yang sesuai.

Continuo menjadi tulang punggung dalam banyak komposisi Barok dan memberikan fondasi harmonik yang kuat bagi melodi utama. Teknik ini memberikan fleksibilitas dalam improvisasi, di mana musisi bisa menambahkan variasi dalam permainan harmoni sesuai dengan konteks musiknya.

Struktur dan Bentuk Musik yang Tertata

Musik Barok memiliki bentuk dan struktur yang sangat tertata dibandingkan dengan musik dari periode sebelumnya. Beberapa bentuk komposisi yang menjadi ciri khas musik Barok antara lain:

• Sonata: Komposisi instrumental yang terdiri dari beberapa bagian dengan tempo yang berbeda-beda.
• Concerto: Komposisi yang menampilkan permainan solo dari satu instrumen dengan iringan orkestra, seperti dalam “The Four Seasons” karya Vivaldi.
• Fugue: Komposisi polifonik yang dibangun dengan pola tema yang berulang dan berkembang, seperti yang banyak ditemukan dalam karya-karya Bach.
• Oratorio dan Opera: Karya vokal besar yang sering kali memiliki elemen dramatis dan religius, seperti “Messiah” karya Handel.

Struktur yang jelas dan sistematis ini membuat musik Barok sangat khas dan mudah dikenali dibandingkan dengan gaya musik lainnya.

Instrumen Khas dalam Musik Barok

Musik Barok menggunakan berbagai instrumen yang khas, beberapa di antaranya sudah jarang digunakan dalam musik modern. Beberapa instrumen utama dalam musik Barok antara lain:

• Harpsichord: Instrumen keyboard yang menjadi pusat dari basso continuo dan sering digunakan dalam orkestra Barok.
• Viola da gamba: Instrumen gesek yang mirip dengan cello tetapi memiliki karakter suara yang lebih lembut.
• Oboe Barok: Instrumen tiup kayu yang sering digunakan dalam orkestra Barok untuk menghasilkan suara yang ekspresif.
• Lute: Instrumen petik yang populer dalam musik kamar Barok dan sering digunakan untuk mengiringi vokal.

Meskipun banyak instrumen dari era Barok yang telah digantikan oleh instrumen modern, beberapa masih sering digunakan dalam pertunjukan musik klasik dengan gaya historis.

Pengaruh Musik Barok terhadap Periode Selanjutnya

Musik Barok memberikan dasar yang kuat bagi perkembangan musik di periode-periode berikutnya, terutama dalam hal harmoni, struktur komposisi, dan teknik permainan.

Beberapa pengaruh utama musik Barok terhadap musik Klasik dan Romantik antara lain:

• Penggunaan sistem tonal yang lebih terstruktur.
• Konsep concerto dan sonata yang dikembangkan lebih lanjut dalam musik Klasik.
• Pola harmoni dan kontrapung yang menjadi dasar dalam banyak komposisi modern.

Selain itu, banyak karya dari komposer Barok masih sering dimainkan dan dipelajari oleh musisi klasik di seluruh dunia.

Kesimpulan

Musik Barok memiliki ciri khas yang membedakannya dari periode musik lainnya, mulai dari ornamen yang kaya, penggunaan polifoni yang kompleks, hingga teknik basso continuo yang unik. Dengan ekspresi yang dramatis dan struktur komposisi yang tertata, musik Barok memberikan pengaruh besar terhadap perkembangan musik di era berikutnya.

Baca Juga : Konserto Grosso: Bentuk Musik Barok yang Menonjol

Musik Barok adalah periode dalam sejarah musik klasik yang berlangsung antara tahun 1600 hingga 1750. Periode ini menjadi salah satu tonggak penting dalam perkembangan musik klasik, karena membawa banyak inovasi dan perubahan dalam gaya dan teknik komposisi musik. Musik Barok tidak hanya memengaruhi perkembangan musik pada masanya, tetapi juga memberikan pengaruh besar terhadap musik klasik yang kita kenal hari ini. Artikel ini akan membahas peran musik Barok, ciri-cirinya, serta bagaimana musik ini membentuk sejarah musik klasik dan masih memengaruhi komposer hingga saat ini.

Apa Itu Musik Barok?

Musik Barok merujuk pada gaya musik yang berkembang di Eropa pada akhir abad ke-16 hingga pertengahan abad ke-18. Istilah “Barok” sendiri berasal dari kata “barocco” yang dalam bahasa Portugis berarti “mutiara yang tidak teratur”, yang menggambarkan gaya yang lebih berornamen dan rumit dibandingkan dengan periode sebelumnya, Renaisans.

Periode musik Barok ditandai dengan pengembangan teknik komposisi yang lebih ekspresif dan dramatis. Gaya ini mengutamakan kontras yang jelas, penggunaan ornamentasi yang kaya, dan harmoni yang lebih kompleks. Pada saat itu, instrumen seperti harpsichord, organ, dan cello mulai lebih populer, sementara opera dan oratorio menjadi bentuk musik yang sangat dihargai.

Ciri-Ciri Musik Barok

Musik Barok memiliki ciri khas yang membedakannya dari periode sebelumnya. Beberapa ciri utama dari musik Barok adalah:

1. Penggunaan Kontras yang Jelas

Salah satu ciri utama musik Barok adalah penggunaan kontras yang tajam antara bagian musik yang satu dengan yang lain. Kontras ini bisa berupa perubahan volume yang mendalam (dari lembut ke keras), tempo (cepat dan lambat), dan juga perubahan harmoni. Hal ini menciptakan efek dramatis yang menjadi ciri khas musik Barok.

2. Ornamentasi dan Teknik Imporvisi

Ornamen dalam musik Barok mengacu pada elemen musik tambahan yang disisipkan oleh pemain untuk memperindah komposisi. Misalnya, hiasan pada melodi atau akord, serta improvisasi pada bagian-bagian tertentu dalam musik. Ini adalah salah satu alasan mengapa musik Barok sering terdengar lebih rumit dan mengalir bebas dibandingkan dengan musik dari periode sebelumnya.

3. Penggunaan Basso Continuo

Basso continuo adalah teknik harmonisasi di mana bagian bawah (bass) diisi dengan harmoni yang dimainkan oleh instrumen seperti organ atau harpsichord, sementara bagian atas diisi dengan melodi utama. Teknik ini sangat penting dalam musik Barok, karena memberikan fondasi harmonis yang stabil dalam setiap komposisi.

4. Pengembangan Formasi Baru dalam Musik

Pada masa Barok, beberapa bentuk musik baru mulai berkembang, seperti opera, oratorio, dan concerto grosso. Opera, yang menggabungkan musik, teater, dan seni visual, menjadi sangat populer di Eropa pada masa itu. Oratorio, yang mirip dengan opera namun lebih berbentuk konser, juga menjadi bentuk yang sangat penting di gereja.

Komposer Terkenal dari Periode Barok

Beberapa komposer terkenal dari periode Barok yang karyanya masih dihargai hingga saat ini antara lain:

1. Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Bach adalah salah satu komposer paling terkenal dalam sejarah musik Barok. Karyanya mencakup berbagai jenis musik, mulai dari oratorio, cantata, hingga karya-karya untuk organ dan piano. Salah satu karya terkenalnya adalah Mass in B Minor, yang dianggap sebagai salah satu pencapaian terbesar dalam musik Barok. Bach dikenal karena kemampuannya menciptakan komposisi yang rumit namun harmonis, serta penggunaan teknik kontras dan polifoni yang luar biasa.

2. George Frideric Handel (1685-1759)

Handel, seorang komposer kelahiran Jerman yang menghabiskan banyak waktunya di Inggris, terkenal dengan karya-karyanya dalam bentuk oratorio dan opera. Karya paling terkenalnya adalah Messiah, sebuah oratorio yang sering dipentaskan di seluruh dunia. Handel juga dikenal dengan kemampuan dramatisnya dalam menyusun musik yang memadukan elemen musik vokal dan orkestra dengan sangat efisien.

3. Antonio Vivaldi (1678-1741)

Vivaldi adalah komposer asal Italia yang paling terkenal dengan karyanya yang berjudul The Four Seasons (Empat Musim), sebuah rangkaian concerto violin yang menggambarkan perubahan musim dalam bentuk musik. Vivaldi juga banyak menulis musik untuk gereja dan menciptakan banyak concerto grosso, yang menjadi bentuk musik populer pada masa Barok.

4. Claudio Monteverdi (1567-1643)

Monteverdi adalah salah satu tokoh awal dari periode Barok dan sering dianggap sebagai pelopor opera. Karya-karya seperti L’Orfeo dianggap sebagai salah satu opera pertama yang benar-benar menggabungkan drama teater dengan musik, sehingga menjadi bagian penting dari perkembangan opera di masa depan.

Dampak Musik Barok terhadap Musik Klasik

Musik Barok memberikan pengaruh besar terhadap perkembangan musik klasik di abad-abad berikutnya. Beberapa pengaruh utama yang dapat kita lihat hingga hari ini antara lain:

1. Pengembangan Formasi Orkestra

Pada periode Barok, komposer mulai mengembangkan orkestra yang lebih besar dan lebih terstruktur, yang melibatkan berbagai kelompok instrumen seperti string, brass, woodwind, dan perkusi. Ini menjadi dasar bagi pengembangan orkestra simfoni yang kita kenal di zaman Klasik dan Romantis.

2. Pengaruh pada Teknik Komposisi

Teknik komposisi Barok, seperti penggunaan kontras, polifoni, dan basso continuo, tetap mempengaruhi komposer-komposer setelahnya, meskipun teknik-teknik tersebut disesuaikan dengan perkembangan zaman. Banyak komposer zaman Klasik, seperti Mozart dan Beethoven, mengadopsi dan mengembangkan teknik-teknik tersebut untuk menciptakan karya-karya mereka.

3. Pengaruh pada Opera dan Musik Vokal

Opera Barok dan oratorio juga memberikan pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan opera di masa depan. Karya-karya opera dari komposer Barok seperti Handel dan Monteverdi memberikan dasar bagi komposer opera klasik seperti Mozart dan Verdi untuk menciptakan karya-karya yang lebih dramatis dan teknis.

Kesimpulan

Musik Barok adalah salah satu periode penting dalam sejarah musik yang memberikan kontribusi besar terhadap perkembangan musik klasik. Dengan teknik komposisi yang kompleks dan ekspresif, musik Barok mengubah cara kita mendengarkan dan memahami musik, serta memberikan dasar bagi karya-karya musik yang akan datang. Karya-karya dari komposer-komposer Barok seperti Bach, Handel, dan Vivaldi tetap menjadi sumber inspirasi bagi musisi dan pendengar musik hingga saat ini, dan warisan musik Barok terus hidup dalam berbagai bentuk, baik itu konser, opera, maupun rekaman modern.

Baca Juga : Eksplorasi Musik Barok: Keindahan & Kompleksitas Abad ke-17

Musik Barok adalah salah satu era penting dalam sejarah musik yang berlangsung dari sekitar tahun 1600 hingga 1750. Ditandai oleh perkembangan harmoni, melodi yang ekspresif, dan inovasi teknis dalam komposisi, era ini melahirkan banyak karya yang masih dihormati hingga hari ini. Artikel ini akan membahas ciri khas musik Barok, komponis terkenal, serta dampaknya pada perkembangan musik klasik.

Apa Itu Musik Barok?

Istilah “Barok” berasal dari kata Portugis barroco, yang berarti “mutiara tidak beraturan.” Pada awalnya, istilah ini digunakan untuk menggambarkan seni dan arsitektur dengan gaya yang kompleks dan ornamen yang berlebihan. Musik Barok mencerminkan estetika ini melalui elemen-elemen yang kaya, dinamis, dan penuh emosi.

Era Barok adalah periode transisi dari gaya musik Renaisans menuju musik Klasik. Inovasi penting dari era ini adalah pengembangan sistem tonalitas mayor dan minor yang menjadi dasar musik Barat hingga saat ini.

Ciri Khas Musik Barok

1. Kontras yang Dinamis
   Musik Barok sering menggunakan kontras yang tajam antara bagian yang lembut dan keras, cepat dan lambat, serta solo dan ensemble. Ini menciptakan dinamika yang dramatis dan menarik.

2. Penggunaan Ornamen
   Melodi Barok diperkaya dengan ornamen seperti trill, mordent, dan appoggiatura. Ornamen ini menambahkan dimensi ekspresif pada komposisi.

3. Pengembangan Tonalitas
   Salah satu kontribusi terbesar musik Barok adalah pengembangan sistem tonalitas mayor dan minor. Ini menggantikan sistem modal yang dominan pada era Renaisans.

4. Polifoni dan Homofoni
   Musik Barok sering menggabungkan tekstur polifoni (beberapa melodi yang dimainkan secara bersamaan) dan homofoni (melodi utama dengan pengiring).

5. Instrumen yang Dominan
   Era ini menonjolkan instrumen seperti harpsichord, organ, biola, cello, dan seruling. Orkestra Barok lebih kecil dibandingkan dengan orkestra modern.

6. Emosi dan Drama
   Musik Barok sering kali bertujuan untuk membangkitkan emosi mendalam pada pendengarnya. Operanya penuh drama, sementara musik instrumentalnya mencerminkan berbagai suasana hati.

Komponis Terkenal dari Era Barok

1. Johann Sebastian Bach (1685–1750)
   Bach dianggap sebagai salah satu komponis terbesar sepanjang masa. Karya-karyanya seperti Brandenburg Concertos, The Well-Tempered Clavier, dan Mass in B Minor adalah puncak musik Barok.

2. George Frideric Handel (1685–1759)
   Handel dikenal karena karya-karyanya yang megah, seperti oratorio Messiah dan opera Rinaldo. Musiknya sering menonjolkan keindahan melodi dan harmoni.

3. Antonio Vivaldi (1678–1741)
   Vivaldi, yang dikenal sebagai “Pendeta Merah,” adalah seorang virtuoso biola. Karya terkenalnya, The Four Seasons, adalah contoh sempurna dari musik programatik Barok.

4. Claudio Monteverdi (1567–1643)
   Monteverdi adalah pelopor opera Barok. Karya seperti L’Orfeo menunjukkan transisi dari gaya Renaisans ke Barok.

5. Domenico Scarlatti (1685–1757)
   Scarlatti terkenal dengan lebih dari 500 sonata untuk harpsichord yang menampilkan teknik dan harmoni inovatif.

Dampak Musik Barok pada Perkembangan Musik

Musik Barok memberikan landasan penting bagi perkembangan musik klasik dan modern. Beberapa kontribusi signifikan meliputi:

1. Tonalitas Modern
   Sistem tonal mayor dan minor yang diperkenalkan pada era Barok menjadi dasar harmoni musik Barat.

2. Genre Musik Baru
   Opera, oratorio, concerto, dan suite berkembang selama era ini. Genre-genre ini tetap menjadi bagian penting dari repertoar musik hingga saat ini.

3. Teknik Instrumental
   Komposisi Barok memperkenalkan teknik instrumental baru yang mendorong batasan kemampuan musisi dan instrumen.

4. Inovasi Harmoni
   Eksplorasi harmoni selama era Barok membuka jalan bagi kompleksitas musik pada era Klasik dan Romantik.

Bagaimana Menikmati Musik Barok Hari Ini?

Musik Barok tetap relevan dan dinikmati hingga saat ini. Berikut adalah beberapa cara untuk menikmati keindahan musik era ini:

1. Konser Musik Barok
   Banyak orkestra dan ansambel khusus yang fokus pada musik Barok. Mereka menggunakan instrumen asli atau replika untuk menghadirkan suara otentik.

2. Rekaman Musik Barok
   Teknologi modern memungkinkan kita mendengarkan interpretasi terbaik dari karya Barok. Rekaman oleh musisi terkenal seperti Glenn Gould, Trevor Pinnock, dan Cecilia Bartoli adalah pilihan yang bagus.

3. Festival Musik Barok
   Festival musik Barok diadakan di berbagai kota di dunia, seperti Festival Bach di Leipzig dan Festival Haendel di Halle, Jerman.

4. Belajar Bermain Musik Barok
   Jika Anda seorang musisi, mencoba memainkan karya Barok adalah cara yang bagus untuk memahami kompleksitas dan keindahan era ini.

Kesimpulan

Musik Barok adalah era yang penuh dengan inovasi, ekspresi, dan keindahan. Dari karya Johann Sebastian Bach hingga Antonio Vivaldi, era ini telah memberikan warisan yang tak ternilai dalam dunia musik. Melalui harmoni yang mendalam, melodi yang indah, dan teknik instrumental yang maju, musik Barok terus menginspirasi pendengar dan musisi di seluruh dunia. Bagi mereka yang ingin memperdalam apresiasi terhadap musik klasik, musik Barok adalah tempat yang sempurna untuk memulai perjalanan.

Baca Juga : Musik Barok & Musik Modern: Analisis Perbandingan

Musik telah menjadi landasan budaya manusia selama berabad-abad. Musik terus tumbuh dan menyesuaikan diri dengan perubahan zaman. Dua periode berbeda yang menyoroti keragaman dan kemajuan gaya musik adalah periode Barok (1600-1750) dan periode modern (abad ke-20 hingga saat ini). Artikel ini membahas perbedaan dan Persamaan Penting Antara Musik Barok dan Musik Modern Ini menawarkan wawasan tentang karakteristik unik dan signifikansi budayanya.

Musik Barok: Era Dekorasi Dan Emosi

Periode Barok, yang berlangsung sekitar tahun 1600 hingga 1750, dikenal karena bentuk musiknya yang rumit dan gaya ekspresifnya. Era ini mengikuti Renaisans dan mendahului era Klasik. Ini berfungsi sebagai jembatan yang menghubungkan beragam suara Renaisans dengan kejelasan dan struktur musik klasik.

Ciri-ciri Penting Musik Barok

1. Kecanggihan dan Dekorasi: Musik Barok terkenal dengan dekorasinya yang rumit dan alur musiknya yang rumit. Komposer seperti Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, dan Antonio Vivaldi sangat mahir dalam menghasilkan karya yang dekoratif dan ekspresif.
2. Basso Continuo: Ciri khas musik Barok adalah penggunaan Basso Continuo, garis bass kontinu yang biasanya dimainkan oleh instrumen keyboard (seperti harpsichord) dan instrumen bass (seperti cello). ke lagu tersebut.
3. Ekspresi Emosional: Komposer Barok mencoba membangkitkan emosi yang kuat melalui musiknya. menggunakan teknik seperti kontras dinamis ketidakkonsistenan dan melodi yang ekspresif Periode ini sering dikaitkan dengan intensitas emosional dan drama.
4. Bentuk dan Struktur: Bentuk umum musik Barok meliputi konserto, sonata, dan suite. Bentuk-bentuk ini memberikan kerangka bagi komposer untuk mengekspresikan kreativitas dan kemampuan teknis mereka.

Musik Modern: Inovasi Dan Keragaman

Musik modern, yang dimulai pada awal abad ke-20, dicirikan oleh keragaman dan eksperimen. Selama waktu ini kita akan menyaksikan gaya dan genre musik yang belum pernah terjadi sebelumnya. Hal ini mencerminkan lanskap sosial, politik dan teknologi yang berubah dengan cepat.

Ciri-ciri Penting Musik Modern

1. Keragaman gaya: Musik modern mencakup berbagai genre. Dari klasik dan jazz hingga rock. elektronik dan hip hop, komposer dan musisi mendorong batas-batas musik tradisional. Ini mengintegrasikan elemen-elemen dari beragam budaya dan tradisi.
2. Kemajuan teknologi : perkembangan teknologi pencatatan alat musik elektronik Dan perangkat lunak digital telah merevolusi produksi dan distribusi musik. Artis kini dapat membuat dan membagikan musik mereka kepada khalayak global. Hancurkan penghalang geografis
3. Inovasi dan Eksperimen: Musik modern mempunyai keinginan untuk bereksperimen dengan suara, struktur, dan teknik baru. Komposer seperti Igor Stravinsky, John Cage, dan Philip Glass menantang norma-norma konvensional.
4. Komentar Sosial dan Politik: Banyak musisi modern menggunakan platform mereka untuk mengatasi masalah sosial dan politik. Hal ini mencerminkan keprihatinan dan aspirasi masyarakat kontemporer. Hal ini menyebabkan munculnya genre musik seperti musik protes, punk rock, dan hip-hop, yang seringkali menyampaikan pesan kuat melalui lirik dan temanya.

Baca Juga : Fakta Menarik Tentang Piano Di Era Barok

Bandingkan Musik Barok Dan Modern

Meskipun musik Barok dan modern sangat berbeda dalam gaya dan konteks, Namun ada beberapa kesamaan juga. Kedua era tersebut menghasilkan musik yang sangat ekspresif dan inovatif. Dengan mendorong batas-batas dari apa yang mungkin dilakukan dalam kerangka mereka.

1. Ekspresi emosional: Musik Barok dan modern berusaha untuk merangsang emosi. Sekalipun dilakukan dengan cara yang berbeda. Musik Barok seringkali menggunakan ornamen dan ketegangan harmonis untuk menciptakan kedalaman emosional. Sementara itu, musik modern menggunakan berbagai teknik dan gaya untuk terhubung dengan pendengarnya secara emosional.
2. Inovasi: Kedua era tersebut memiliki semangat inovasi yang khas. Komposer Barok bereksperimen dengan gaya baru dan perkembangan harmonis. Sementara itu, musisi modern telah memanfaatkan kemajuan teknologi dan beragam pengaruh untuk menciptakan suara unik mereka sendiri.
3. Refleksi Budaya: Musik dari kedua era mencerminkan konteks budaya dan sosial di mana musik itu diciptakan. Musik Barok sering kali mencerminkan keagungan dan kecanggihan istana bangsawan. sedangkan musik modern mencerminkan sifat kehidupan kontemporer yang dinamis dan beragam.

Kesimpulan

Musik Barok dan musik modern mewakili dua periode yang berbeda namun sama-sama menarik dalam sejarah musik. Dengan mengeksplorasi perbedaan dan persamaan. Oleh karena itu, kami memiliki apresiasi yang lebih besar terhadap kekayaan dan keragaman ekspresi musik. apakah itu kompleksitas komposisi Barok yang elegan atau eksperimen musik modern yang inovatif. Kedua era tersebut menghadirkan kekayaan seni dan kreativitas yang terus menginspirasi dan memikat penonton di seluruh dunia.

Periode Barok berlangsung dari tahun 1600 hingga 1750. Ini adalah periode pertumbuhan besar dalam penggunaan musik dan instrumen. Mustahil untuk memahami pentingnya zaman ini tanpa mengetahui apa yang mendahuluinya. Dengan kata lain, untuk benar-benar menghargai sejarah piano selama Renaisans, Anda harus terlebih dahulu menghargai musik Renaisans. Renaisans berlangsung dari tahun 1400-an hingga 1600-an. Itu mengambil alih Abad Pertengahan. Selama Renaissance, musik sebagian besar musik vokal. Namun, penggunaan instrumen tertentu, seperti keyboard, biola, dan gitar, sudah menjadi hal biasa. Instrumen ini telah memberi komposer dan musisi ide-ide baru untuk eksplorasi. Pengaruh dari periode ini termasuk warisan seni Yunani kuno, Reformasi Protestan, dan bahan sastra yang selamat dari kejatuhan Roma.

Perintis Piano

Pada akhir Abad Pertengahan, Renaisans, Barok, dan Klasik, instrumen senar berbentuk keyboard yang disebut clavichord digunakan. Meskipun ditemukan pada abad ke-14, ia mendapatkan popularitas di Eropa pada abad ke-16 dan ke-18. Itu sangat populer di wilayah berbahasa Jerman di Semenanjung Iberia dan Skandinavia. Penggunaan clavichords menurun tajam pada tahun 1850-an, tetapi pada tahun 1890-an Arnold Dolmetsch menghidupkan kembali konstruksi dan Violet Gordon Woodhouse membantu mempopulerkan penggunaannya. Saat ini, penggunaan clavichords terbatas pada pecinta musik Renaisans, Barok, dan klasik.

Piano Kuno

Harpsichord adalah instrumen yang paling umum digunakan selama periode Barok. Musisi telah menggunakannya sebagai pengiring paduan suara dan kelanjutan basso. Instrumen ini terutama digunakan dalam ansambel kamar kecil, orkestra opera, dan orkestra barok. Selain itu, harpsichord digunakan sebagai instrumen solo untuk memainkan concerto virtuoso pada periode yang sama. Harpsichord adalah alat musik gesek. Beberapa dari mereka menggunakan satu senar per nada, sementara yang lebih canggih dapat menggunakan lebih dari satu senar untuk setiap nada. Harpsichord dengan banyak senar lebih baik daripada harpa dengan satu senar per nada karena nada dan volume dapat diubah dengan mudah. Manfaat ini ditingkatkan dengan memasukkan berbagai paduan suara string dengan timbre yang berbeda.

Penggunaan Fortepiano Barok

Versi piano Cristofori dimaksudkan untuk memecahkan masalah harpsichord dan clavichord. Alih-alih memukul atau menarik senar dengan tangen dan burung puyuh, pianonya menggunakan palu untuk memukul senar, dan langsung jatuh ke belakang saat dipukul. Ide ini jenius karena memungkinkan pemain memainkan banyak nada berulang kali dan menciptakan nada yang berbeda.

Pembuat Piano Terkenal Pada Periode Barok

Pembuat instrumen Italia Bartolommeo Cristofori dikenal sebagai penemu piano. Pada usia 33, Ferdinand de’ Medici menandatangani Cristofori. Dia menjadi penemu dan pekerjaan restorasi harpsichord yang berharga. Bahkan setelah kematian sang pangeran, Cristofori terus bekerja untuk Medici. Tidak diketahui berapa banyak piano yang dia buat selama hidupnya, tetapi tiga pianonya bertahan hingga hari ini begitu juga dengan penemu slot situs http://139.99.23.76/ yang masih tetap bertahan di era ini.

Pianis Musik Barok Terkenal

Francois Couperin

Ia lahir di Perancis dalam keluarga musik berbakat Couperin, dan hidup antara November 1668 dan September 1773. Dia umumnya dikenal sebagai ‘Couperin Great’ untuk membedakannya dari anggota keluarga lainnya. Di antara banyak karyanya, ia memperkenalkan karya-karya komposer Italia Corelli dalam format Prancis. Dalam karya ini, ia menggabungkan gaya musik Italia dan Prancis dan menyebutnya ‘The Reunited Style’. Couperin juga menulis empat volume musik harpsichord yang berisi 230 bagian individu. Penerbitan buku ini terjadi pada tahun 1713, 1717, 1722 dan 1730. Berbeda dengan karya-karya lain yang terbagi dalam koleksi, karya Couperin dikelompokkan berdasarkan urutan, yaitu berupa koleksi pribadinya dan berisi karya deskriptif dan tradisional.

Baca Juga : Bach Collegium Japan membawa telinga baru ke musik Barok

Kesimpulan

Cristofori Bartolommeo memberi piano tujuan baru dengan memodifikasi harpsichord. Dengan desain baru, banyak penemu lain mempelajari modelnya, dan sementara model mereka masih diterima, tidak ada yang melampaui model Cristofori. Piano forte juga penting dalam sejarah piano karena memberi musisi kebebasan ekstra yang mereka butuhkan untuk mengeksplorasi nada dan harmoni yang berbeda. Kesimpulannya, dapat dikatakan bahwa piano era Barok mengubah sejarah komposisi.

Di Jepang, tanah Harta Karun Nasional Hidup, seniman dan pengrajin dapat menerima pengakuan formal—dan tunjangan negara—untuk karya mereka dalam berbagai disiplin ilmu seperti gagaku , kabuki, pembuatan boneka, pengerjaan logam, dan tenun. Idenya adalah untuk melestarikan apa yang disebut Properti Budaya Takbenda: tradisi estetika yang membantu mendefinisikan identitas Jepang dan yang terus memberikan pengaruh terhadap budaya Jepang kontemporer.

Jadi tidak mengherankan bahwa negara kepulauan akan ramah terhadap arah saat ini dalam musik awal: kinerja berdasarkan sejarah, di mana perangkat yang pernah diabaikan tetapi secara historis akurat seperti improvisasi digunakan untuk menghidupkan skor kuno, dan penggunaan instrumen atau reproduksi periode daripadanya, yang berbeda dalam suara dan penampilan dari model-model selanjutnya. Bach Collegium Japan, yang menggelar konser Early Music Vancouver akhir pekan ini, menganut keduanya, dan diterima dengan antusias di rumah. Namun menurut pendiri, kibordis, dan konduktornya, Masaaki Suzuki, itu bukan karena rasa hormatnya yang dalam terhadap masa lalu.

Sebaliknya, ia menjelaskan dalam sebuah wawancara telepon dari Los Angeles, itu karena, di telinga orang Jepang, musik Johann Sebastian Bach dan orang-orang sezamannya terdengar menarik dan baru.

“Komposisi Bach, terutama karya vokal, cukup jauh dari jenis bahasa Jepang dan juga budayanya,” kata Suzuki dengan hati-hati tetapi dengan aksen Inggris yang kental kepada blog http://69.16.224.147/. “Jadi segala sesuatu yang saya sukai selama masa sekolah saya dan juga nanti sangat segar.…Dari segi bahasa, misalnya, kami tidak memiliki kesamaan. Tetapi begitu Anda mempelajari teks bahasa Jerman, Anda dapat memahami betapa pentingnya memiliki pelafalan yang baik dan aksen serta intonasi yang benar dan seterusnya.

“Tentu saja kami semua orang Jepang, jadi kami sangat dipengaruhi oleh latar belakang dan budaya Jepang kami,” lanjutnya. “Tapi tetap saja, Anda tahu, ada begitu banyak perbedaan antara budaya Jepang dan Eropa—terutama budaya Jerman. Itu membuatnya lebih segar.”

Suzuki diperkenalkan dengan musik Barok sebagai mahasiswa di Universitas Tokyo; dia mengutip rekaman tahun 1950-an yang inovatif dari Nikolaus Harnoncourt dan Concentus Musicus Wien sebagai yang sangat berpengaruh. Kemudian, ia pindah ke Amsterdam, di mana ia belajar dengan royalti musik awal dalam bentuk konduktor dan pemain keyboard Ton Koopman. Selama 28 tahun terakhir, dia dan Bach Collegium Japan telah membalas budi para mentornya dengan serangkaian rekaman Bach yang diterima dengan baik, termasuk edisi definitif multidisc dari kantata lengkap.

Orang Jerman yang hebat akan berperan dalam pertunjukan EMV Bach Collegium Jepang yang akan datang; Suzuki dan perusahaan akan membukanya dengan Orchestral Suite No. 2 di B Minor . Tetapi prinsip pengorganisasian di balik program ini adalah untuk melihat secara dekat lingkungan yang menghasilkan Bach, menggunakan skor oleh komposer lain yang dia miliki, pelajari, tampilkan, dan dalam beberapa kasus dikerjakan ulang untuk musisi yang dia miliki.

Sezaman terkenal Bach Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, dan George Frederick Handel akan diwakili, tetapi begitu juga dua komposer Italia dengan keterampilan yang sebanding tetapi kurang terkenal, Francesco Conti dan Alessandro Marcello.

“Bach tertarik pada komposer karya vokal, dan dia telah membuat salinan [ Languet anima mea karya Conti ],” kata Suzuki tentang lagu yang akan dinyanyikan di sini oleh soprano tamu Joanne Lunn. “Juga, dia telah menambahkan dua obo dan bassoon ke karya vokalnya. Bagian ini juga memiliki semacam teks setengah suci, dan itu adalah hal yang sangat menarik. Kami sebenarnya sudah merekam ini, tapi rekaman itu belum dirilis—tapi saya sangat senang bisa menampilkannya.”

Oboe Concerto in D Minor karya Marcello , lanjutnya, cukup populer pada awal abad ke-18—dan baru-baru ini menikmati kelahiran kembali yang tak terduga di Jepang. “Bach telah mengaransemen karya ini untuk para musisi istana Habsburg; ada 17 aransemen Bach untuk solois Habsburg—banyak dari mereka adalah concerti komposer Italia—dan ini salah satunya. Sebenarnya, gerakan pertama dari oboe concerto Marcello pernah digunakan untuk iklan TV Jepang cukup lama, jadi musik ini sudah cukup populer di Jepang.”

Apakah kita dapat menyimpulkan sesuatu tentang soul Jepang atau musik Barok dari sini, Suzuki tidak mengatakannya. Tapi itu adalah hal yang pasti bahwa program yang dia buat untuk tur Bach Collegium Jepang di Amerika Utara akan menawarkan wawasan baru tentang musik yang, ya, masih terdengar segar 300 tahun setelah dibuat.

“Bach tidak pernah bepergian, hanya melalui musik,” Suzuki menunjukkan. “Jadi sangat menarik untuk mengetahui sumbernya, dan melihat perpustakaannya. Saya selalu sangat, sangat tertarik dengan apa yang dia dengarkan dan apa yang dia alami—dan memahami musiknya juga sangat membantu.”

Selama beberapa bulan terakhir Anda telah mendengar tentang bagaimana musik klasik dapat membantu Anda rileks, belajar, dan berkembang.

Dan ternyata ada satu periode musik klasik yang layak dipilih karena sangat ampuh untuk membantu Anda fokus. Bahkan, di tangan beberapa ahli kesehatan, musik Barok mungkin bisa menyelamatkan nyawa.

Beberapa tahun yang lalu, seorang ahli radiologi bernama Dr Mohiuddin menjadi tertarik untuk mengeksplorasi bagaimana dia dan rekan-rekan ahli radiologi dapat membuat perubahan kecil pada lingkungan kerja mereka untuk membantu mereka menangani beban kerja mereka yang sangat besar.

Menurut Ahli

Ahli radiologi menghabiskan banyak waktu mereka di ‘ruang baca’ di mana mereka menganalisis pemindaian dan gambar pasien, mencari kelainan terkecil sekalipun. Ini adalah pekerjaan yang melelahkan dan taruhannya tinggi. Setelah berbicara dengan salah satu rekannya, Dr Mohiuddin menyadari bahwa mereka berdua melaporkan manfaat dari mendengarkan musik Barok (musik dari sekitar tahun 1600-1750) di headphone saat mereka bekerja! Dia memutuskan untuk menguji apakah musik meningkatkan konsentrasi.

Dia meminta semua ahli radiologi di rumah sakitnya ambil bagian. Selama beberapa minggu mereka mendengarkan musik Vivaldi dan Handel melalui headphone saat mereka bekerja.

Produktivitas ahli radiologi meningkat. Jumlah slide radiologi yang mereka dapatkan di ruang baca meningkat. Mereka melaporkan akurasi yang lebih besar dalam pekerjaan mereka dan kepuasan kerja mereka juga meningkat. Tapi tidak hanya itu. Dr Mohiuddin meminta mereka melakukan beberapa tes sebelum dan sesudah percobaan dan menemukan bahwa mendengarkan musik Barok dikaitkan dengan peningkatan penalaran spasial, perhatian, dan konsentrasi mereka.

Selain itu, penelitian pencitraan otak di luar China yang dipimpin oleh Dr R. Gu menemukan bahwa mendengarkan musik Barok (mereka menggunakan musik oleh Vivaldi) memiliki pengaruh positif terhadap efisiensi belajar, yaitu pada kemampuan Anda untuk memperhatikan dan mengingat sesuatu. Musik barok dengan karakteristik tertentu (termasuk tempo antara 50 dan 80 ketukan per menit dan frekuensi menengah ke bawah tertentu) sangat efektif.

Dr. Gu percaya bahwa keefektifan ini disebabkan oleh musik Barok yang merangsang gelombang alfa dengan sangat baik. Gelombang alfa dominan ketika Anda benar-benar berada di saat ini, Anda merasa di sini dan sekarang, mampu membawa perhatian Anda ke tugas yang ada.

Mengutip para peneliti, “penelitian pencitraan otak menggunakan electroencephalography menemukan bahwa musik Barok dapat membawa keadaan pikiran yang seimbang, stabil, tenang dan meningkatkan efisiensi belajar.”

Jadi begitulah, dapatkan beberapa Baroque ke dalam hidup Anda untuk membantu fokus dan produktivitas serta suasana hati Anda!

Baca juga artikel berikut ini : Karakteristik Musik Barok-Semua yang perlu Anda ketahui.

Periode musik barok kira-kira antara 1600 dan 1750. Dalam panduan lengkap ini, saya akan membahas karakteristik musik Barok, contoh musik barok, dan beberapa komposer dari masa itu.
Musik periode barok sangat rumit, seperti furnitur dan arsitekturnya. Desain megah dan hiasan daun emas adalah ciri khas arsitektur barok.
Komposer periode menggunakan ornamen dan tekstur polifonik untuk menghias musik.

Definisi Musik Barok

Kata Barok adalah bahasa Prancis dan berasal dari kata Portugis ‘barrock’ yang diterjemahkan menjadi ‘Mutiara yang cacat’.
Gayanya yang penuh semangat dan musik berornamen tinggi sangat cocok dengan judul ini. Periode sejarah musik Barok menghasilkan beberapa contoh musik paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita saat ini.
Karya-karya ini termasuk Canon Pachelbel dan The Four Seasons karya Antonio Vivaldi.

Apa yang terjadi di dunia selama musik era barok?

Beberapa peristiwa penting terjadi selama periode ini, dan dunia terlihat berubah dengan cepat.
Orang-orang memperoleh pengetahuan yang jauh lebih baik tentang Semesta, melalui karya Galileo dan penerimaan teori abad ke-16 Copernicus bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi.
Teknologi semakin maju, dan penemuan teleskop sangat penting.

Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menjawab pertanyaan besar tentang keberadaan dan seniman seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menggambarkan ini dalam karya mereka.
Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan dan penjajahan luar negeri, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal.

Karakteristik Musik Barok

Ornamen dan penggunaan tulisan polifonik sering kali dapat membuat musik terdengar sangat rumit dan terkadang disonan.
Namun, tidak semua musik periode barok memiliki trills dan part writing. Ketika ciri-ciri barok ini hilang, para siswa seringkali kesulitan membedakan karya barok dari periode lain.
Ada banyak ciri dari periode ini yang sering diabaikan oleh siswa. Ini adalah kunci untuk memastikan bahwa gaya musik diidentifikasi dengan benar.

Ciri-ciri Musik Barok Lebih Detail

Ketika melihat periode musik barok, ada elemen kunci tertentu yang sering digunakan oleh komposer musik barok.
Itu tidak berarti bahwa perangkat komposisi ini tidak digunakan dalam periode sejarah lainnya. Namun, selalu baik untuk melihat beberapa karakteristik dalam musik sebelum menentukan periode mana yang mungkin akan ditulis.

Mengenali karakteristik musik sering diperlukan dalam ujian musik, itulah sebabnya orang mempelajari aspek-aspek kunci dari era musik barok.
Namun, memahami latar belakang sejarah, bentuk musik barok, dan fitur musik barok lainnya akan meningkatkan permainan Anda.

Musik Barok – Melodi

Musik berasal dari ide melodi tunggal seperti yang ditunjukkan di bawah tanda kurung pada contoh di bawah ini.

Irama Musik Barok

Musik memiliki dorongan ritmis terus menerus dengan sedikit atau sedikit istirahat.

Dinamika Musik Barok

Dinamika bertingkat sering digunakan oleh pemain ketika frase diulang.
Istilah dinamika bertingkat diadopsi pada akhir abad kesembilan belas dan merupakan sesuatu yang dipilih sebagian besar pemain saat memainkan musik barok.
Penggunaan imitasi sangat produktif dalam musik barok, dan dinamika bertingkat adalah salah satu cara untuk menciptakan minat pada frasa. Kemunculan pertama sebuah motif seringkali ‘keahlian’ dan ketika diulangi, motif tersebut dimainkan ‘piano’. Ini menciptakan efek gema.

Tanda dinamis pada contoh di bawah ini adalah editorial.

Concerto Grosso fafafa mungkin adalah salah satu alasan populernya dinamika bertingkat. Bagian ripieno yang bergantian dengan concertante secara alami akan memberikan hasil bagian yang keras dan hening.

Harpsichord tidak memiliki jangkauan dinamis, dan penemuan piano pada tahun 1709 merupakan upaya untuk mengatasi hal ini. Bach sendiri tercatat berbagi kegembiraannya bahwa volume secara bertahap dapat diubah pada keyboard baru.

Tekstur Musik Barok

Tekstur musik barok biasanya homophonic (melodi dengan harmoni akord) atau polifonik dalam tekstur.

Genre Musik Barok

Sebelum periode Barok, musik hampir secara eksklusif ditulis untuk layanan keagamaan dan diizinkan untuk variasi minimal.
Sebagai periode Baroque berkembang, musik sekuler ditulis untuk royalti dan pengadilan menjadi populer. Itu digunakan sebagai sumber hiburan.

Suite Tari Musik Barok

Sebuah suite barok adalah gaya penting dari periode Barok. Ini terdiri dari kumpulan tarian, biasanya Allemande, Courante, Sarabande dan Gigue.
Meskipun karya-karya ini terinspirasi oleh tarian, mereka ditulis untuk didengarkan, bukan untuk ditarikan.

Musik Barok-Fugue

Misalkan Anda meminta ide musik barok untuk dipelajari oleh pianis mana pun. Dalam hal ini, 48 Prelude and fugues oleh Bach tidak diragukan lagi akan menjadi salah satu jawabannya. Bentuk fugal adalah favorit periode ini.
Ini memiliki tekstur kontrapuntal di mana bagian-bagiannya saling meniru. Biasanya ada tiga empat bagian yang dikenal sebagai suara, dan seluruh bagian berkembang dari satu ide musik.
The Fugue dimulai dengan pernyataan ide musik dalam kunci tonik. Ini disebut pernyataan fugal. Suara-suara lain kemudian masuk dengan pernyataan, dalam struktur yang bergantian mulai dari nada tonik dan dominan.

Gerakan musik dari awal telah mengubah tidak hanya cara musisi bermain—tuning, timbre, teknik, gaya—tetapi juga apa yang mereka mainkan. Beberapa generasi yang lalu, program musik Barok didominasi oleh nama-nama berbintang seperti Monteverdi, Vivaldi, Handel, dan Bach. Namun, menjadi jelas bahwa teori auteur Baroque, yang membatasi perbendaharaan hanya beberapa master, menekan sejumlah besar musik yang bagus. Salah satu tanda dari pandangan yang muncul ini adalah saran, dari ahli musik, bahwa “Pur ti miro,” salah satu arias paling dicintai di Monteverdi, mungkin sebenarnya ditulis oleh Francesco Sacrati atau oleh Benedetto Ferrari. Pertanyaan berikutnya yang jelas adalah karya mereka yang mana yang layak untuk didengar. Dalam beberapa tahun terakhir, perbendaharaan Barok telah mengalami demokratisasi yang memusingkan, karena dua konser tengah musim dingin di New York dibuat sederhana. Di Weill Hall, countertenor Polandia Jakub Józef Orliński menyanyikan musik Nicola Fago, Domènec Terradellas, Gaetano Maria Schiassi, dan Johann Adolf Hasse, bersama sedikit Vivaldi. Di Kapel Fuentidueña, di Biara, ansambel Sonnambula mendasarkan program di sekitar komposer Flemish Leonora Duarte. Ketiadaan selebriti sejarah hampir tidak mengganggu kehadiran; kedua acara dimainkan hingga full house.

Duarte, yang hidup dari tahun 1610 hingga sekitar tahun 1678, termasuk dalam komunitas converso Antwerpen—Yahudi yang melarikan diri dari Portugal dan Spanyol dan masuk Katolik. Diego Duarte I, kakek Duarte, mendirikan bisnis perhiasan yang berkembang pesat yang kemudian memiliki berbagai klien terkenal, termasuk Raja Charles I dari Inggris. Keluarga Duarte, yang kaya akan budaya, terkenal dengan malam musiknya; Leonora dan kelima saudaranya semua bernyanyi atau memainkan alat musik. Polimath Inggris Margaret Cavendish, pengunjung tetap, menulis bahwa suara Duarte “Mengundang dan Menarik Jiwa dari semua Bagian Tubuh lainnya, dengan semua Gairah Cinta dan Cinta, untuk duduk di Gua Berongga Telinga, seperti dalam Kubah Kamar, di mana ia Mendengarkan dengan Kegembiraan, dan Disibukkan dengan Kekaguman.” Pengunjung lain mengatakan bahwa dia pernah mendengar pembuatan musik yang sebanding hanya di bawah Monteverdi di Venesia—sebuah pujian yang luar biasa.

Seniman Flemish Gonzales Coques, yang belajar di studio Brueghel, melukis potret indah Duartes dalam mode musik. Karya-karya tertentu oleh Vermeer juga dapat memberikan gambaran sekilas tentang dunia mereka. Diego Duarte II, saudara sang komposer, memiliki sebuah Vermeer—mungkin “A Young Woman Seated at a Virginal,” yang sekarang digantung di Galeri Nasional di London—dan pelukis itu mungkin telah menjualnya langsung ke keluarga. Mungkinkah Duarte menjadi salah satu wanita musikal Vermeer yang termenung? Buktinya kurang, tapi tidak ada salahnya membayangkan. Saat Sonnambula bermain di Kapel Fuentidueña, gambar dua Vermeer diproyeksikan di dinding.

Informasi Lebih Lanjut Seputar Demokrasi Musik Barok

Tujuh Sinfonias oleh Duarte bertahan, hanya kurang dari dua puluh menit musik. Sonnambula mengisi program tersebut dengan karya-karya lain pada zamannya, termasuk karya-karya komposer Inggris: John Blow, William Brade, Alfonso Ferrabosco II, dan John Bull, yang tinggal di Antwerpen untuk sementara waktu. Seperti yang diamati oleh Elizabeth Weinfield, seorang pemain biola dan pemimpin Sonnambula dalam sebuah catatan program, musik Duarte mengacu pada tradisi permaisuri viol Inggris, yang berpusat pada nada viola da gamba yang introvert dan menyakitkan. Pada saat homofoni muncul ke depan — melodi di atas iringan — interaksi garis kontrapuntal Duarte akan memiliki suara yang agak kuno. Namun teksturnya cocok untuk keluarga yang berpikiran mandiri. Sangat menggoda untuk menggambarkan Sinfonia sebagai konstruksi seperti permata. Anda juga bisa membandingkannya dengan lukisan Vermeer, dalam skala kecil dan kedalaman tak terbatas.

Anggota Sonnambula—termasuk, selain Weinfield, pemain biola Jude Ziliak dan Toma Iliev, pemain gambus Amy Domingues dan Shirley Hunt, serta pemain keyboard dan tenor James Kennerley—berada di Cloisters musim ini, di bawah naungan dari program LiveArts Museum Met. Dalam kesempatan ini, Sonnambula berkolaborasi dengan penulis Teju Cole yang karyanya kaya akan referensi musik. Cole membacakan teks prosa pendek yang merenungkan kehidupan dan waktu Duarte. Dia mencatat bahwa tidak ada saudara Duarte yang memiliki anak, yang berarti bahwa keluarga tersebut telah menghilang dari Antwerpen pada akhir abad ketujuh belas. Duartes meninggal satu per satu, kata Cole, “seperti instrumen dalam permaisuri yang secara berurutan menjadi sunyi.” Selama satu jam yang luar biasa pada malam Februari yang dingin, dunia mereka menjadi hidup kembali.

Orliński, yang tampil di Weill dengan anggota New York Baroque Incorporated, adalah bagian dari gelombang hebat countertenor muda berbakat yang juga termasuk Philippe Jaroussky, Anthony Roth Costanzo, Iestyn Davies, Franco Fagioli, John Holiday, dan Aryeh Nussbaum Cohen. Popularitas opera Barok telah mendorong jenis suara ini keluar dari kategori khusus dan, dalam beberapa kasus, menjadi selebriti crossover. Jaroussky telah lama menjadi bintang media di Prancis. Costanzo telah memenangkan perhatian untuk penampilannya dalam “Akhnaten” karya Philip Glass—dia akan menyanyikan peran tersebut di Met musim depan—dan untuk tontonan multimedia yang kacau namun berkesan yang disebut “Glass Handel,” di mana dia menampilkan arias Glass dan Handel dengan kostum berornamen sementara penari berputar dan video diputar. Orliński, yang berusia dua puluh delapan tahun, adalah countertenor yang langka—mungkin satu-satunya countertenor—yang bisa break-dance. Dia dilaporkan memasukkan langkah yang disebut kincir angin ke dalam produksi “Erismena” karya Francesco Cavalli di Festival Aix-en-Provence, pada tahun 2017.

Tur Inggris Musim Gugur 2013 Opera merayakan Venesia selama periode barok, saat opera seperti yang kita kenal lahir.

Itu adalah waktu yang menyenangkan dan kreatif, yang dilambangkan dalam perayaan hedonistik musim Karnaval dari situs spadegaming.

Kami akan menampilkan Agrippina karya Handel, Jason Cavalli dan The Coronation of Poppea karya Monteverdi, di samping konser musik sakral oleh Handel dan Vivaldi.

Berikut adalah sepuluh hal menarik dan tidak biasa tentang periode tersebut

1 Keberanian untuk senar

Di era barok, biola, cello, dan alat musik petik lainnya memiliki senar yang terbuat dari usus hewan. Domba dan kambing adalah hewan yang paling umum digunakan, tetapi ketika persediaannya terbatas, segala sesuatu mulai dari babi hingga keledai dapat digunakan. Pemain barok di Old Street Band ETO masih menggunakan senar ‘catgut’ ini sampai sekarang.

2. Moral yang meragukan

Komposer Venesia abad ke-17 tidak terlalu peduli dengan moralitas. Tidak seperti opera selanjutnya, ada banyak contoh orang jahat yang tidak hanya menang, tetapi juga lolos begitu saja. Di Jason Cavalli, pahlawan randy tidur dan melalaikan tugasnya, tetapi semuanya ternyata baik-baik saja pada akhirnya.

Ini adalah duet terakhir, di mana Jason dan istrinya bersatu kembali.

3 Bisnis yang tidak terlalu serius

Pada abad ke-18 dan 19, opera menjadi terobsesi dengan pemisahan antara opera serius dan opera komik. Orang Venesia abad ke-17 tidak peduli dengan klasifikasi yang begitu mudah. Oleh karena itu, The Coronation of Poppea karya Monteverdi mengandung banyak elemen komik, meskipun Kaisar Nero melakukan hal-hal yang benar-benar jahat pada banyak karakter.

4 Pendidikan musik

Antonio Vivaldi menghabiskan 29 dari 63 tahun bekerja di lingkungan Ospedale della Pietà yang tampaknya tidak menarik, sebuah panti asuhan di Venesia. Namun, tidak seperti panti asuhan konvensional, ini adalah tempat utama untuk mendapatkan pendidikan musik. Vivaldi mengajar biola dan menulis musik paduan suara yang agung untuk penampilan siswa perempuan. Musik ini diaransemen ulang untuk counter-tenor (high male voice) di konser Music for A Venetian Orphanage ETO Musim Gugur ini.

Video tersebut menunjukkan pertunjukan Stabat Mater karya Vivaldi (yang juga ditampilkan dalam konser kami) di Milan pada tahun 2010.

5 Untuk orang-orang

Venesia memiliki gedung opera pertama di dunia. Sebelumnya, pertunjukan opera hanya berlangsung di istana dan istana bangsawan. Venesia membuat opera populer, dan komersial. Itu juga dinikmati oleh orang-orang dari semua lapisan masyarakat, memabukkan pada perayaan Karnaval.

6 Napoleon

Karnaval dimulai pada Abad Pertengahan dan bertahan selama beberapa dekade setelah akhir era barok yang diakui pada awal abad ke-18. Napoleon, bagaimanapun, mengakhiri kesenangan ketika dia menaklukkan Venesia pada tahun 1797. Tradisi itu sebagian besar terbengkalai selama beberapa abad, sebelum dihidupkan kembali sebagai daya tarik wisata di era modern.

7 Peran celana

Monteverdi menulis peran Nero dalam The Coronation of Poppea untuk penyanyi pria yang dikebiri, yang dikebiri sebelum pubertas untuk menjaga suaranya tetap tinggi secara artifisial. Untungnya praktik ini sudah lama ditinggalkan, yang berarti bahwa produksi opera barok modern membutuhkan penyanyi wanita untuk memainkan bagian castrati (atau contralto) tinggi. Helen Sherman, yang juga memainkan ‘peran celana panjang’ dalam produksi terbaru ETO dari The Siege of Calais karya Donizetti, menangani Nero dalam produksi baru ETO.

8 Casanova

Wanita legendaris Casanova memiliki asal-usulnya dalam adegan opera Venesia. Lahir di Venesia pada tahun 1725, ibunya Zenetta Farussi adalah seorang aktor dan penyanyi opera, yang bahkan pernah tampil di King’s Theatre (sekarang His Majesty’s Theatre) di London pada tahun 1720-an.

Baca juga : Cara Memulai Memainkan Musik Barok

Heath Ledger memerankan Casanova dalam film 2005, yang menampilkan beberapa aksi topeng Venesia yang serius.

Dibawa hingga saat ini oleh para pemain hebat dan ahli musik yang bersemangat, periode Barok sering direduksi menjadi kesombongan dan kemewahan dalam fantasi kolektif. Berikut sepuluh hal kecil yang mungkin tidak Anda ketahui tentang persaingan artistik yang berlangsung selama lebih dari satu abad.

Periode yang dikenal sebagai “Baroque” penuh dengan kontradiksi. Kami menyimpannya di satu sisi dengan ornamen yang melimpah, kemewahan, pola norak dan ketidakteraturan (itulah mengapa gaya itu kadang-kadang disebut dengan kata Portugis barroco). Di sisi lain, ketegasan yang ditunjukkan oleh beberapa master Jerman. Selain itu, kata sifat “baroque” telah digunakan terutama sejak tahun 1950 untuk mendefinisikan suatu periode, karena ekspresi artistiknya bersifat pluralis di Eropa antara tahun 1600 dan 1750.

Karya pertama diterbitkan di Venesia pada 1501

Penemuan yang sangat bernilai melihat hari di awal abad ke-16: pencetakan musik. Kota Doges akan mempertahankan kepemimpinan dalam hal ini untuk waktu yang lama. Partisi cetak pertama dirilis pada 1501 dari pers Ottaviano Petrucci. Seperti teks sastra, mereka menggunakan huruf bergerak sehingga ukirannya lebih memuaskan secara visual.

Gagasan tentang hak cipta tidak ada

Kecuali untuk hak istimewa kerajaan , siapa pun dapat mencetak apa saja kapan saja dan mengambil manfaat darinya. Juga diperbolehkan bahwa setiap orang dapat mengatur atau menyalin partisi dalam semua impunitas. Misalnya Handel banyak mengambil untuk dirinya sendiri potongan Stradella, Muffat atau Keizer tanpa berarti membahayakan.

Tidur terus, cerita lama…

Selama periode barok, norma pengajaran musik tetap dalam hubungan tradisional antara master dan murid mereka, mengikuti organisasi korporatis yang diberikan oleh Abad Pertengahan – seperti di serikat Jerman di mana seseorang akan mulai dengan menjadi magang, kemudian menjadi pendamping dan akhirnya seorang ahli. Tetapi ada cara yang lebih cepat untuk menaiki tangga pada saat itu: menikahi putri majikan memberikan akses yang lebih cepat ke posisi master dan kemungkinan hak untuk menjadi penerus ayah tiri yang bersangkutan. Itulah kasus Buxtehude yang menikahi putri pendahulunya, Tunder.

Conservatoires belum ada, tetapi beberapa sekolah musik umum telah dibuka di Italia sejak abad ke-16

Sekolah-sekolah itu menerima anak yatim piatu atau anak-anak terlantar (Ospedale). Anak-anak yang paling berbakat akan belajar musik dan memberikan pertunjukan dengan kualitas yang hebat. Di Venesia pada abad ke-17, pendirian untuk anak perempuan Ospedale della Pietà membual tentang menjadikan Antonio Vivaldi sebagai guru biola dan master paduan suara dan konser.

Tidak, bukan Monteverdi yang menulis opera pertama

Opera pertama adalah Euridice oleh Peri dan diberikan untuk merayakan pernikahan Marie de ‘Medici dan Henry IV dari Prancis pada Oktober 1600. Monteverdi termasuk di antara para tamu. Hanya tujuh tahun kemudian, dia akan mempersembahkan L’Orfeo. Namun demikian, itu dianggap sebagai opera pertama dalam definisi istilah yang ketat.

Untuk menghadapi kesuksesan biola yang semakin besar hingga merugikan biola, kampanye pencemaran nama baik yang besar dipimpin

Kami belajar pada tahun 1743 di Dictionnaire de Trévoux bahwa “biola juga merupakan kata untuk menghina atau mengungkapkan penghinaan dan berarti bodoh, kurang ajar” seperti “para pemain biola yang pergi dari desa ke desa untuk bermain biola dan meningkatkan kegembiraan para pemabuk”. Itulah sebabnya kata “biola” juga bisa berarti “penjara” karena para fiddler sering mengakhiri malam mereka dengan “au violon”.

Voltaire membenci pianoforte

Dia mengatakan pada tahun 1774 bahwa pianoforte adalah “alat untuk tukang tembaga dibandingkan dengan harpsichord” (surat kepada Madame du Deffand, 8 Desember 1774). Jika Anda silahkan!

Oboe melihat hari di awal pemerintahan Louis XIV dari Prancis

Instrumen berubah mengikuti gaya barok baru dan mencoba menyesuaikan dengan keharusan estetika. Itu sebabnya, saat Lully mencari sonoritas baru, dia menyadari bahwa dia tidak memiliki instrumen dengan buluh yang cukup kuat untuk mengiringi biola. Perekam benar-benar membawa kontras yang menarik tetapi kekuatan suaranya terlalu lemah.

Keluarga Hotteterre dan Philidor karena itu ditugaskan untuk memikirkan kembali buluh dan membiarkan instrumen baru menyebar ke seluruh Eropa. Dengan Lully, obo memulai karirnya yang cemerlang.

Memainkan musik klasik adalah tujuan berharga yang diusahakan oleh banyak pianis. Namun, jika Anda tidak diperkenalkan dengan musik klasik sejak awal belajar piano, mungkin sulit untuk menemukan titik masuk yang jelas. Dapatkan biaya siswa untuk belajar musik barok.

Banyak dari karya klasik yang merupakan potongan “daftar keinginan” sebenarnya cukup sulit untuk dipelajari dan dikuasai. Tidaklah masuk akal untuk mencoba memainkan beberapa musik klasik yang paling menantang jika Anda belum pernah memainkan musik klasik sebelumnya. Banyak sekali nuansa gaya dan tantangan teknis dalam musik klasik. Jalan yang lebih logis adalah mempelajari lebih banyak dasar klasik entry-level dan untuk bekerja sampai ke bagian yang lebih besar.

Misalnya, Beethoven’s Moonlight Sonata atau “Für Elise”, Debussy’s “Clair de Lune,” Mozart’s “Rondo Alla Turca,” dan banyak lagu klasik “populer” lainnya adalah permintaan umum. Semua karya ini membutuhkan keterampilan membaca dan teknis tingkat lanjut yang membutuhkan waktu bertahun-tahun untuk berkembang.

Apa itu Musik “Klasik”?

Penting untuk dipahami bahwa ketika orang membicarakan musik klasik secara keseluruhan, itu mencakup empat era musik yang berbeda.

• Barok
• Klasik
• Romantis
• Kontemporer

Masing-masing genre musik ini memiliki perbedaan gaya dan sejarah yang berbeda yang membuatnya unik satu sama lain. Setelah pianis menjelajahi keempat genre musik, mereka biasanya tertarik pada satu atau dua genre. Mari kita lihat setiap era musik Klasik dan temukan musik yang merupakan tempat awal yang baik untuk pianis menengah.

Musik yang kita lihat hari ini tidak selalu sulit, tetapi memang membutuhkan keterampilan membaca yang kuat dan dasar teknis yang baik dari tangga nada dan akord. Saat Anda mempelajari nada klasik, Anda pasti ingin lebih fokus pada cara memainkan not, daripada pada not apa yang harus dimainkan.

Barok

Era Barok sekitar 1600-1750. Komposer terkenal dari waktu ini termasuk Johann Sebastian Bach, George Frederic Handel, dan Domenico Scarlatti.

Penting untuk diketahui bahwa instrumen keyboard utama selama ini bukanlah piano, tetapi harpsichord. Ini berarti bahwa musik Barok apa pun yang Anda pelajari dengan piano, pada awalnya dimaksudkan untuk dimainkan dengan harpsichord. Jika Anda belum pernah mendengar suara harpsichord, lihat video “Minuet in G BWV Anh114” karya Bach ini yang dimainkan dengan harpsichord.

1. Sebagian besar musik ditulis dalam tandingan. Counterpoint adalah seni menggabungkan dua atau lebih melodi yang akan dibawakan secara bersamaan. Sebaliknya, melodi didukung oleh melodi lain, bukan akor.

Pada piano, tangan kanan sering kali memiliki garis yang bergerak lebih cepat dari not kedelapan atau ke-16 sedangkan tangan kiri akan memiliki garis bass yang lebih lambat dari not seperempat atau kedelapan. Dalam gaya barok, diasumsikan bahwa nada yang lebih cepat akan berbunyi legato sedangkan tangan kiri yang lebih lambat memainkan staccato. Ini juga bisa muncul secara terbalik, di mana tangan kanan memainkan nada staccato yang lebih lambat dan tangan kiri memainkan nada legato yang lebih cepat.

2. Harpsichord tidak mampu memiliki rentang dinamis yang sama dengan piano. Tanda paling dinamis yang Anda temukan dalam musik Barok ditambahkan kemudian oleh editor lembaran musik.

3. Harpsichord tidak memiliki pedal yang menopang, jadi kebanyakan tanda pedal juga bersifat editorial. Namun, ada banyak aliran pemikiran tentang menggunakan pedal saat memainkan musik barok. Beberapa pianis menentang penggunaan pedal apa pun dalam musik Barok, sementara yang lain merasa bahwa jumlah pedal yang tepat pada waktu yang tepat meningkatkan elemen gaya musik. Misalnya, dengarkan “Prelude in C Major” Bach dari The Well-Tempered Clavier Book I dan dengarkan bagaimana pedal mendukung gaya gubahan tersebut.

Namun, perlu diketahui bahwa harpsichord memang cenderung memiliki suara yang “kering” dan tidak dapat dipertahankan, jadi jika Anda memilih untuk menambahkan pedal, lakukan dengan hemat.

4. Banyak musik Barok memiliki fungsi. Entah sebuah karya ditulis sebagai musik dansa atau sebagai bagian dari kebaktian gereja, memahami maksud komposer untuk musik tersebut akan membuat mempelajari karya tersebut jauh lebih menyenangkan dan menarik. Misal Minuets adalah tarian dalam 3/4 waktu yang sangat anggun dan mulia. Jika Anda membayangkan penari menari mengikuti musik Anda, gerakannya akan berbeda dari musik yang mungkin dimaksudkan sebagai pendahuluan reflektif untuk kebaktian gereja.

5. Ornamen adalah elemen kunci dalam musik Barok. Penggubah sering menulis harmoni sederhana yang ditandai dengan simbol ornamen yang menyiratkan sosok musik yang lebih kompleks. Simbol-simbol ini sangat terstandardisasi dan dipahami secara luas pada saat itu. Saat pianis modern menemukan ornamen dalam musik Barok, mudah untuk mempelajari apa yang ingin dimainkan oleh sang komposer. (Editor sering memasukkan notasi untuk menunjukkan cara memainkan ornamen.)

Jika Anda mencari tempat awal sambil menjelajahi musik Barok, pertimbangkan karya-karya dari Notebook For Anna Magdalena, yang dikaitkan dengan Bach. Anda mungkin akan mengenali beberapa bagian. Mereka tidak sulit untuk dibaca, namun, Anda perlu mengalihkan fokus Anda ke penggunaan keseimbangan yang tepat antara staccato dan legato dan menciptakan baris musik yang panjang, indah, dan terus menerus. Coba potongan ini dulu:

“Minuet di G Major BWV Anh 114”
“Minuet di G Minor BWV Anh 115”
“Minuet di G Major BWV Anh 116”
“Musette di D Major BWV Anh 126”

Klasik

Era klasik kira-kira dari tahun 1750 hingga 1820. Komposer klasik paling terkenal adalah Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn, dan Ludwig van Beethoven. Namun, Beethoven dianggap sebagai jembatan antara era Klasik dan Romantis, jadi musik awalnya lebih mewakili gaya klasik daripada musiknya di kemudian hari. Pada saat ini, piano adalah instrumen keyboard utama dan musik telah berkembang untuk mencerminkan kemampuan baru instrumen tersebut.

Perubahan terbesar di era ini adalah para komposer dapat menggunakan variasi dinamika yang sangat besar. Artinya, setiap frase musik bisa mengalami pasang surut. Garis-garis melodi sekarang sangat ekspresif dan memiliki dinamika yang luas. Sekalipun sebuah frasa tidak memiliki crescendo atau diminuendo yang tertulis dalam musik, diasumsikan bahwa akan ada variasi dari lantang ke lembut. Ini mirip dengan cara kita berbicara. Secara alami, suara kita memulai dan mengakhiri kalimat sedikit lebih lembut daripada di tengah kalimat.

Rentang dinamis yang lebih besar berarti setiap jarum dapat berfungsi secara independen. Seringkali, tangan kanan memiliki baris melodi yang dinyanyikan di atas bagian pengiring tangan kiri. Tangan kiri mungkin terdiri dari akord atau akord arpeggio yang perlu dimainkan lebih lembut daripada melodi. Dengarkan “Rondo Alla Turca” Mozart dan perhatikan perbedaan besar dalam gaya Barok. Tangan kiri sekarang berfungsi sebagai pengiring daripada melodi lainnya.

Komposer klasik menghargai simetri dan keteraturan. Sebagian besar musik mereka dalam dua atau empat frase bar dengan progresi akor dan harmoni yang sangat logis. Mereka menulis dalam kerangka bentuk musik, yang berarti bahwa musik mereka mengikuti urutan materi dan ide tematik yang dapat diprediksi. Dalam bentuk ini, Anda sering mengharapkan banyak materi yang kontras seperti bagian musik yang keras dan lembut, bagian mayor dan minor atau perubahan total dari suasana musik. Sonata, sonatinas, dan rondo adalah contoh bentuk Klasik.

Titik awal yang sangat baik dalam era Klasik adalah Muzio Clementi Sonatinas Op. 36. Koleksi ini memiliki enam sonatinas yang dengan indah mewujudkan gaya klasik.

Romantis

Era Romantis berlangsung dari sekitar 1820 hingga 1900. Komposer Romantis terkenal termasuk Frederic Chopin, Franz Schubert, dan Franz Liszt.

Musik di era Romantis sangat emosional dan ekspresif. Penggubah kurang fokus pada mengikuti bentuk tertentu dan lebih tertarik untuk bercerita atau membuat gambar melalui musik mereka. Misalnya, komposer yang menulis musik yang mungkin kita asosiasikan dengan menari, seperti waltz, lebih cenderung menulis stilisasi musik waltz, daripada musik yang membuat orang benar-benar menari. Misalnya, dengarkan lagu Chopin “Waltz in D-Flat, Op. 64, No. 1. ” Meskipun memang bergaya waltz, mungkin akan sedikit sulit untuk mengimbanginya di lantai dansa!

Musik di era ini menyimpang dari prediktabilitas era klasik. Musik terdengar lebih bebas karena komposer menjadi lebih eksperimental dengan standar harmonis, bentuk musik diikuti dengan lebih longgar, dan banyak batasan logis dalam musik didorong.

Kontemporer

Musik kontemporer mencakup tahun 1900 hingga hari ini. Komposer kontemporer terkenal adalah Claude Debussy, George Gershwin, dan Aaron Copland.

Pada saat ini, komposer sangat nyaman berpikir di luar kotak musik “klasik”. Mereka sangat eksperimental dan terbuka untuk mencoba hal-hal baru. Harmoni jazz menjadi lazim dan komposer tidak lagi merasa dibatasi pada harmonisasi di sepertiga. Tentu saja salah satu karya paling terkenal yang muncul dari era ini adalah “Clair de Lune” dari Debussy. Dengarkan perubahan harmoni yang luar biasa dibandingkan tampilan awal kita di era Baroque.

Kreativitas tumbuh subur di era Kontemporer. Bentuk musik bahkan kurang signifikan dibandingkan di era Romantis. Mendasarkan musik pada pusat nada belum tentu menjadi prioritas karena musik menjadi lebih berwarna. Akibatnya, banyak karya indah dan cemerlang datang dari era ini. Namun, banyak orang dengan telinga untuk musik sebelumnya berjuang untuk menikmati disonansi dan elemen tidak konvensional yang menentukan era ini.

Seorang komposer yang mudah didekati untuk berkenalan dengan gaya Kontemporer adalah Dmitri Kabalevsky. Dua karyanya Pieces For Children Op. 27 dan Children’s Pieces Op. 39. terdiri dari banyak potongan pendek yang mewakili elemen ritmis, harmonis, dan teknis yang menarik yang merupakan ciri khas gaya kontemporer. Coba mulai dengan:

Sekarang setelah Anda memiliki pemahaman penuh tentang gaya berbeda yang mencakup “musik klasik”, kami harap Anda terinspirasi untuk memulai! Jika lagu-lagu yang disebutkan dalam artikel ini kurang cocok dengan akor yang tepat, pastikan untuk memeriksa katalog luas musik lembaran piano klasik di Musicnotes.com di sini! Tidak perlu mengkhawatirkan tingkat keahlian Anda saat ini, karena kami juga memiliki lembaran musik piano klasik untuk Piano Mudah dan Catatan Pemula.

Viol (atau viola da gamba) pertama kali muncul di Spanyol pada akhir abad ke-15. Permaisuri biola sangat populer di Inggris dengan komposer seperti Henry Purcell, William Byrd dan Tobias Hume. Selain itu, biola digunakan dalam orkestra dan kelompok musik kamar hingga abad ke-18, di mana ia dibudidayakan di kalangan masyarakat keraton sebagai instrumen tunggal. Komposer seperti Marin Marais, Bach, Telemann, Forqueray, Händel dan CAbel menulis banyak musik virtuoso untuk itu. Karya ini adalah ‘La Leclair’ oleh Antoine Forqueray, seorang komposer dan virtuoso yang dikatakan bermain seperti iblis. Dia mendedikasikan karya ini untuk pemain biola barok terkenal Jean-Marie Leclair.

Suara Barok

Dalam arti praktis, ada beberapa karakteristik yang benar-benar menentukan dalam periode Barok yang menandai dari apa yang datang sebelum atau sesudah. Anda dapat berharap untuk mendengar banyak harpsichord, untuk satu, tetapi secara umum, perkembangan utama yang datang ketika periode Renaissance berubah menjadi Barok adalah munculnya harmoni yang lebih modern.

Yang kami maksud dengan harmoni adalah kombinasi dari lebih dari satu nada pada saat yang sama, dan komposer barok seperti Bach, Handel, dan Vivaldi membuatnya sedikit lebih mudah diakses. Mari kita sedikit ledakan Vesper Monteverdi untuk menunjukkan dengan tepat harmoni seperti apa yang tiba-tiba menjadi populer:

Instrumen Barok

Meskipun banyak perkembangan instrumental dibuat pada periode barok, ada satu bayangan berbentuk keyboard yang agak besar yang dibuat di atas semuanya – oleh harpsichord. Anda akan mendengar suara petikannya yang khas di seluruh bagian dari periode tersebut, tetapi berikut adalah contoh yang bagus dari J.S. Bach:

Selain harpsichord yang ada di mana-mana, periode Barok juga mengandung beberapa mabuk dari periode Renaisans, termasuk perekam, biola, kecapi, seruling, dan berbagai macam alat musik dawai yang lambat laun tidak lagi digunakan.

Potongan Barok

Musik religius adalah bagian besar dari periode Barok, tetapi komposer seperti Handel dan Bach perlu membuat mereka menjadi pengalaman emosional dan manusiawi. Karya-karya besar dan menjulang tinggi dalam kanon Barok sakral termasuk karya Bach St Matthew Passion dan Handel’s Messiah. Tapi mari kita coba Handel’s Zadok the Priest (persiapkan diri Anda):

Ada begitu banyak bagian penting dalam repertoar Baroque sehingga sulit untuk memilih satu saja, tetapi jika didorong, kami akan memilih The Four Seasons karya Vivaldi yang juga merupakan keturunan dari pemilik situs . Tidak hanya itu musik yang indah dan menggugah, tetapi juga representasi sempurna dari kekuatan puitis yang meningkat yang dituju oleh musik Baroque. Salah satu karya musik yang universal, sangat bermanfaat bagi pemula seperti bagi para ahli berpengalaman. Biarkan Nigel Kennedy yang hebat menunjukkan alasannya:

Benarkah mendengarkan musik baroque itu baik buat kamu? Melihat beberapa studi ilmiah yang dilakukan baru-baru ini, musik baroque memang memiliki manfaat. Temuan menunjukkan bahwa ada banyak manfaat bagi kesehatan mental dan fisik kita.

Berikut adalah 8 alasan mengapa Anda harus mendengarkan musik baroque lebih sering daripada yang mungkin Anda lakukan sekarang.

1. Itu membuat otak Anda bekerja lebih baik

Di Universitas Northumbria (Inggris Raya), tim peneliti melakukan beberapa eksperimen pada fungsi otak siswa saat melakukan tes sambil mendengarkan konser Musim Semi Vivaldi. Mereka menjawab lebih cepat dan lebih baik daripada saat mereka mendengarkan konser musim gugur yang menyedihkan. Kesimpulannya adalah aktivitas otak meningkat saat mendengarkan rangsangan yang menyenangkan dan membangkitkan.

2. Membantu penderita demensia

Jika orang yang dicintai menderita demensia atau Alzheimer, perlu diperhatikan penelitian yang menunjukkan bagaimana musik dapat membantu mereka mendapatkan kembali ingatan dan sangat meningkatkan kualitas hidup mereka. Tonton video di sini tentang seorang pria yang dihidupkan kembali dengan mendengarkan musik yang dia sukai di masa lalu. Jika orang yang Anda cintai sangat menyukai musik apa pun, baroque atau non, mereka dapat sangat terbantu dengan mendengarkan musik yang sama. Penjelasannya adalah karena musik memengaruhi banyak bagian otak, musik dapat membangunkan kembali bagian-bagian otak yang tidak terpengaruh oleh demensia. Ini terutama benar ketika musik dikaitkan dengan peristiwa atau memori tertentu. Sangat menarik untuk membaca buku oleh almarhum ahli saraf Oliver Sacks berjudul Musicophilia: Tales of Music and the Brain yang menjelaskan fenomena tersebut dan menceritakan banyak kisah yang mengharukan.

3. Dapat membantu Anda tidur lebih nyenyak

Ada banyak penelitian tentang efek menguntungkan dari musik baroque terhadap kualitas tidur. Sebuah penelitian menunjukkan bahwa sekelompok siswa yang mendengarkan musik baroque yang menenangkan mendapatkan kualitas tidur yang jauh lebih baik daripada ketika mereka dihadapkan pada buku audio, misalnya. Peneliti yakin bahwa musik lebih baik daripada rangsangan verbal untuk tujuan merilekskan tubuh dan pikiran sebelum tidur.

4. Dapat menenangkan Anda saat mengemudi

Apakah Anda terkadang mudah marah di jalan? Pemerintah Jerman mengkhawatirkan tingginya angka kecelakaan di jalan raya negara itu (2,4 juta setiap tahun). Banyak dari kecelakaan ini disebabkan oleh mengemudi yang agresif dan kemarahan di jalan raya. Untuk mengatasi hal ini, Kementerian Transportasi Jerman telah merilis CD untuk driver yang menampilkan Piano Concerto No.21 Mozart. dimainkan oleh Menteri sendiri! Ia berharap efek musik yang menenangkan akan menenangkan pengemudi.

5. Dapat membantu mengurangi nyeri

Berbagai penelitian menunjukkan bahwa mendengarkan musik dapat mengurangi nyeri pasca operasi dan kronis terutama pasca operasi. Ini tidak akan pernah menggantikan obat penghilang rasa sakit tentu saja tetapi akan sangat membantu dalam mengurangi depresi, kecacatan dan rasa sakit. Alasannya tampaknya itu dapat membantu menghilangkan rasa sakit dengan meningkatkan pusat penghargaan otak, sehingga mengurangi sensasi nyeri.

6. Ini dapat membantu Anda mengekspresikan emosi Anda.

Musik dapat mengungkapkan apa yang kita mungkin tidak pernah mampu secara lisan dan syukurlah untuk itu. Kita mungkin harus bergumul dengan kemarahan, cinta, depresi, dan banyak emosi serta perasaan lainnya. Saat kita terhubung dengan musik, kita bisa mulai mengatasinya. Itu membantu kita untuk lebih jujur ​​pada diri kita sendiri. Penelitian di The Southern Methodist University menunjukkan bahwa ketika mendengarkan musik baroque, mahasiswa sarjana lebih komunikatif dan terbuka tentang emosi mereka. Setiap orang memiliki playlist favorit mereka untuk membantu mereka saat mereka merasa romantis, malas, atau kelelahan. Mendengarkan musik baroque membantu Anda mengekspresikan emosi dengan cara yang unik.

7. Dapat membantu tekanan darah

Sangat menarik untuk mengetahui bahwa ahli jantung telah menemukan hubungan antara Simfoni Kesembilan Beethoven dan tingkat tekanan darah kita. Mereka menemukan bahwa karya ini dan banyak karya musik baroque lainnya selaras secara alami dengan ritme alami tubuh kita sendiri dan membantu menjaga tekanan darah pada tingkat optimal. Profesor Bernardi dari Universitas Pavia di Italia telah melakukan beberapa penelitian menarik tentang ini.

8. Dapat membantu orang dalam diet

Anda sekarang betapa sulitnya untuk makan perlahan, mengunyah makanan dengan benar, dan benar-benar menikmatinya. Memutar musik lembut dan meredupkan lampu di ruang makan terbukti membantu orang menikmati makanan lebih banyak dan makan lebih sedikit! Ini adalah hasil utama dari studi yang dilakukan di Cornell University. Di sisi lain, tempat-tempat seperti kedai makanan cepat saji menggunakan lampu yang lebih terang untuk mendorong makan cepat dan lebih banyak keuntungan bagi bisnis. Anda dapat meningkatkan cara Anda menikmati makanan dengan lebih memperhatikan cara Anda makan, termasuk memainkan musik lembut saat makan.

Dari sekitar 1600 hingga 1750, periode Barok menyaksikan penciptaan beberapa mahakarya terbesar yang pernah dibuat, kami mengutip 10 komposer baroque terbaik di tahun 2020 ini berdasarkan voting di situs mereka.

Berikut 10 Komposer Baroque Terbaik:

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Bach telah disebut sebagai ‘wasit tertinggi dan pemberi hukum musik’. Ia menyukai musik sebagaimana Leonardo da Vinci bagi seni dan Shakespeare bagi sastra, salah satu jenius kreatif tertinggi dalam sejarah.

• Rekaman penting St Matthew Passion
• Solois; Trinity Boys Choir, Monteverdi Choir, English Baroque Soloists / Sir John Eliot Gardiner (Recording of the Month, April 2017; Terpilih untuk Penghargaan Baroque Vocal 2017)

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Dengan Antonio Vivaldi, musik Barok Italia mencapai puncaknya. Dunia Venesia kontemporer yang makmur dan terpelihara bersinar melalui semua karyanya, yang disusun dengan keahlian bawaan.

• Rekaman penting The Four Seasons
• Rachel Podger vn Brecon Baroque (Pilihan Editor, Mei 2018; terpilih untuk Gramophone Concerto Award 2018 )

George Frideric Handel (1685-1759)

Handel adalah salah satu raksasa sejarah musik. Musiknya yang ceria, percaya diri, dan melodius dijiwai dengan keanggunan sekolah vokal Italia, kelancaran dalam menulis bahasa Jerman yang kontrapuntal dan tradisi paduan suara bahasa Inggris yang diwarisi dari Purcell.

• Rekaman penting Mesias
• Solois; Selir Dunedin dan Pemain / John Butt (pemenang Penghargaan Vokal Barok 2007 Gramophone )

Henry Purcell (1659-95)

Banyak yang menganggap Purcell sebagai komposer Inggris terhebat sepanjang masa. Di antara karyanya yang paling berpengaruh adalah opera Dido dan Aeneas dan semi-opera The Fairy Queen dan King Arthur .

• Rekaman penting The Fairy Queen
• Lucy Crowe, Claire Debono, Anna Devin; Paduan Suara Glyndebourne dan Orkestra Zaman Pencerahan / William Christie (DVD Bulan Ini, Oktober 2010; Penghargaan Gramophone 2010 untuk Pertunjukan DVD)

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Monteverdi, seorang komposer yang menjembatani periode Renaissance dan Baroque, dapat dianggap sebagai salah satu tokoh paling kuat dalam sejarah musik. Di antara karyanya yang paling terkenal adalah opera Orfeo dan L’incoronazione di Poppea.

• Rekaman penting Vespers
• Taverner Consort / Andrew Parrott (The Top Choice in our Gramophone Collection Article in June 2010)

Heinrich Schütz (1585-1672)

Schütz adalah komposer Jerman terbesar abad ke-17 dan yang pertama bertubuh internasional.

• Rekaman penting Musicalische Exequien
• Vox Luminis / Lionel Meunier ( Rekaman Gramophone Terbaik Tahun 2012)

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Scarlatti menghasilkan banyak sekali musik instrumental yang paling dikenalnya, dan khususnya sonata keyboard. Karya-karya ini memperluas genre secara tak terukur, memperkenalkan keahlian dan kecemerlangan yang membuat terobosan baru.

• Merekam penting Sonata
• Yevgeny Sudbin pf (Recording of the Month, April 2016; terpilih untuk Gramophone Instrumental Award 2016 )

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Meskipun dia bukan penilai libretto, dia mengangkat sisi musik opera ke tingkat yang baru dan dalam baletnya memperkenalkan banyak efek deskriptif baru – orang Prancis menyukainya – seperti gempa bumi di Les Indes galantes .

• Rekaman penting Overtures
• Les Talens Lyriques / Christophe Rousset (pemenang Penghargaan Non-Vokal Gramophone Baroque 1998 )

Arcangelo Corelli (1653-1713)

Corelli adalah pendiri utama permainan orkestra modern dan komposer yang membentuk dua bentuk musik baru, trio Barok dan sonata solo, dan grosso konser .

• Rekaman penting Complete Concerti Grossi
• Amandine Beyer vn Gli Incogniti (Pilihan Editor, Februari 2014; terpilih untuk Penghargaan Instrumental Barok 2014 Gramophone )

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Telemann mungkin adalah komposer paling produktif dalam sejarah musik. Dia menulis hampir sebanyak Bach dan Handel mengumpulkan (dan masing-masing menulis jumlah yang membingungkan) termasuk 600 tawaran Perancis atau ruang orkestra, 200 konser, 40 opera dan lebih dari 1000 karya musik gereja.

• Rekaman penting Concertos & Cantata Ihr Völker Hört
• Clare Wilkinson mez Florilegium (Pilihan Editor, September 2016; terpilih untuk Penghargaan Instrumental Barok Gramophone 2017)

Lihat juga 5 Tips Mempelajari Musik Barok Prancis.

Semua informasi tentang musik orkestra barok ini di ambil dan diterjemahkan dari web , apabila Anda ingin membaca versi Aslinya dan yang lebih lengkap maka Anda bisa langsung mengklik tautan diatas.

Musik Barok memiliki ciri:

• garis melodi yang panjang mengalir sering menggunakan ornamen (nada dekoratif seperti getar dan belokan )
• kontras antara keras dan lembut, solo dan ensembel
• sebuah kontrapungtal tekstur mana dua atau lebih baris melodi digabungkan
• dinamika bertingkat – perubahan mendadak pada level volume, terkadang menciptakan efek gema
• penggunaan kontinu harpsichord

Contoh musik Barok adalah gerakan kedua dari Bach Brandenburg Concerto No. 4. Ini mendemonstrasikan kelompok solo biola dan dua seruling dan string ripieno (pengiring).

Instrumen dalam orkestra Barok

Sebuah orkestra adalah ensemble berperan besar dengan bagian string, kuningan, woodwind dan kadang-kadang perkusi. Biasanya disutradarai oleh seorang konduktor. Orkestra Barok terkadang diarahkan dari harpsichord.

Bagian kontinu (atau basso continuo ) biasanya dimainkan di harpsichord atau organ . Instrumen digunakan dalam harmoni dan untuk menyatukan ansambel. Bassline sering dimainkan oleh cello atau bassoon. The piano adalah instrumen keyboard di mana senar dipetik daripada dipalu.

Orkestra Barok relatif kecil (orkestra kecil dikenal sebagai orkestra suite ). Orkestra masih berkembang selama periode Baroque. Pada awalnya tidak ada instrumen yang disetel, tetapi seiring kemajuan abad ke-17, orkestra mulai terbentuk.

Instrumen orkestra Barok biasanya termasuk:

• string – biola, biola, cello, dan bas ganda
• woodwind – perekam atau seruling kayu, obo dan bassoon
• kuningan – terkadang terompet dan / atau tanduk (tanpa katup)
• timpani (kettledrum)
• kontinu – harpsichord atau organ

Contoh orkestra Barok yang sedang beraksi adalah The Four Seasons karya Vivaldi. Perhatikan kontras antara bagian biola solo dan tutti (bagian utama orkestra).

Bentuk musik orkestra Barok

Karya orkestra yang biasa ditemukan selama periode Barok termasuk konser dan suite.

Konser

Sebuah concerto adalah komposisi skala besar untuk sebuah orkestra ditambah solo atau sekelompok solois.

Komposer Barok yang menulis concerto termasuk Vivaldi, Bach dan Handel. Vivaldi menulis lebih dari 500, sekitar setengahnya untuk biola.

Ada dua jenis konser Baroque – konser grosso dan konser solo.

Kedua jenis konser tersebut umumnya memiliki tiga gerakan – cepat, lambat, cepat.

The Baroque concerto grosso:

ditulis untuk sekelompok alat musik tunggal ( konserino ) dan ansambel yang lebih besar ( ripieno )
memiliki contoh terkenal seperti enam Konser Brandenburg karya Bach

Brandenburg Concerto No. 4 karya Bach adalah contoh dari grosso konser. Saat bidak terbuka ada satu kelompok biola dan dua seruling menonjol. Mereka kemudian bergabung dengan string ripieno . Harpsichord dimainkan dalam kontinu.

Konserto solo Barok:

ditulis untuk satu instrumen solo plus orkestra
sering kali memiliki bagian-bagian yang brilian dan menuntut secara teknis untuk dimainkan oleh seorang solois

The Four Seasons karya Vivaldi adalah contoh terkenal dari konser biola solo Barok. Dalam karya ini ada kontras yang mencolok antara bagian biola tunggal dan ripieno . Perhatikan kontras antara bagian biola tunggal dan ripieno dalam kutipan ini.

Orkestra Suite

The orkestra Suite adalah kumpulan tarian. Musik Air Handel dan Musik untuk Kembang Api Kerajaan adalah suite. Bach menulis empat suite orkestra.

Gerakan pertama dari masing-masing adalah an tawaran dan ini diikuti oleh sejumlah tarian sering kali termasuk:

• courante – tiga ketukan dalam satu bar, kecepatan sedang
• gavotte – 2/2 atau 4/4 kali, seringkali dengan setiap frase dimulai di tengah bar
• minuet – 3/4 waktu, kecepatan sedang
• gigue – hidup dan dalam waktu gabungan (6/8, 9/8 atau 12/8)

Sebagian besar tariannya berbentuk biner . Bentuk biner memiliki dua bagian (A dan B). Musik berpindah ke kunci baru di akhir bagian A dan kembali ke kunci home ( tonik ) di bagian B.

Pada gigue dari Bach’s Orchestral Suite No.3 ada 6/8 time signature dan penilaiannya meliputi obo, terompet dan basso continuo.

Baca juga Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok.

Ketika Anda memikirkan komposer Barok, yang bekerja dari 1600–1750, Vivaldi dan Bach paling sering muncul di benak Anda. Namun, ada banyak repertoar untuk string yang dapat ditemukan dalam musik fantastis — dan idiosinkratik — musik era Barok Prancis. seperangkat aturan khusus, tetapi, jangan khawatir, dengan tips ini, Anda akan bermain dengan gaya dalam waktu singkat.

Anehnya, komposer Barok Prancis paling terkenal dan berpengaruh berasal dari Italia. Jean-Baptiste Lully (1632–1687), lahir sebagai Giovanni Battista Lulli, tinggal di Florence hingga usia 11 tahun, mempelajari tari dan berbagai instrumen, termasuk biola. Dibawa ke Paris. sebagai guru Italia untuk seorang wanita bangsawan Prancis, Lully yang berbakat mendapatkan perhatian dari Raja Louis XIV muda ketika mereka menari bersama dalam balet. Lully segera menjadi sangat diperlukan bagi Louis, mendapatkan ketenaran karena ketepatan orkestra senar, dan melanjutkan ke menggubah banyak balet dan opera yang diisi dengan tarian, dan mempengaruhi gaya musik selama beberapa dekade yang akan datang.

1. Bicaralah Dulu

Karena sebagian besar musik Lully adalah untuk opera, ada baiknya mendengarkan bagaimana musik dipengaruhi oleh bunyi syairnya. Musik Barque pada umumnya didasarkan pada retorika, dan musik Prancis tidak terkecuali.

Elizabeth Field, pemain biola Modern dan Barok, yang mengajar di Universitas George Washington, sering kali memperkenalkan gaya tersebut dengan cara ini: “Saya memiliki aria Lully di mana saya memutihkan semua teks dan artikulasi apa pun, jadi tidak ada petunjuk tentang musik apa Saya meminta pemain biola modern untuk ‘memainkannya sehingga terdengar seperti musik,’ dan selalu terdengar seperti Schumann.

“Itu mengejutkan mereka ketika saya mengembalikan teksnya dan mereka harus menemukan suku kata dalam musik. Hal yang hebat adalah menyadari bahwa tidak peduli seberapa mirip notasi yang mungkin muncul secara dangkal (yaitu, tiga not seperempat terpisah) setiap saat Hal ini menghasilkan garis panjang retoris yang tidak hanya vokal (yang saya anggap sebagai definisi sebenarnya dari ‘garis panjang’ abad ke-19). Itu mengarah pada gagasan menemukan gerakan yang lebih kecil alih-alih melodi berkelanjutan yang kami hasilkan di musik selanjutnya. “

2. Downbeat? Down bow

Salah satu konsekuensi paling luas dari masa jabatan Lully sebagai konduktor “24 biola Raja” adalah tuntutannya agar semua pemain menggunakan busur yang sama – sesuatu yang dilakukan semua orkestra hari ini. Bentuk busur Baroque membuatnya lebih kuat. busur bawah daripada busur ke atas, dan, menurut kontemporernya Georg Muffat, “Lullists” memainkan nada pertama dari setiap ukuran pada busur bawah, dengan sedikit penekanan pada busur ke atas. Latihan ini paling banyak digunakan di Prancis, tetapi mencapai ke Jerman dan Inggris juga.

“Sangat membantu untuk mencoba mengikuti aturan ketat membungkuk Prancis saat bermain dansa,” kata profesor Yale dan pemain biola Baroque Robert Mealy yang sibuk, “tidak hanya dalam musik Prancis, tetapi dalam musik yang dipengaruhi Prancis seperti Purcell. turun busur, Anda bisa menjatuhkan yang lain di garis bar atau mengambil dua di dalam bar. “

Dalam hitungan tiga kali lambat, coba turun-naik-turun dalam hitungan, ulangi turun pada hitungan berikutnya, yang disukai Prancis untuk dikecilkan ke atas.

“Mereka tidak pernah menggunakan busur bawah secara berurutan di dalam bar,” kata Mealy, “tetapi mereka sering melakukan haluan ke bawah melintasi garis bar – ini menghasilkan gaya angkat dan artikulasi yang luar biasa di garis bar.”

Anda dapat mencoba membungkuk ke bawah pada minuet apa pun di Bach Partita atau Suite.

3. Dapatkan Pegangan

Busur French Baroque lebih pendek daripada busur Italianya dan memiliki artikulasi yang sangat jelas — sempurna untuk gerakan tarian cepat. “Pegang busur modern Anda jauh dari katak” untuk merasakan busur yang lebih kecil dan ringan, “pemain cello Handel dan Haydn Society Reinmar Seidler menyarankan, “Juga, pegangan busur Prancis sangat tidak biasa – ibu jari ditempatkan di bawah busur pendek itu, menekan rambut pada katak, dengan jari-jari di atas. Jika Anda mencoba ini, mungkin sulit tetapi sangat instruktif —Anda akan menemukan satu-satunya tempat untuk mengangkat busur dari senar adalah di katak. Ini cocok dengan artikulasi — akan ada sedikit ejekan. Hindari ejekan hampir sepanjang waktu — karakter tarian membutuhkan artikulasi dan ritme yang tajam. ”

Mealy menambahkan bahwa dalam musik Prancis “aturan umum musik Barok pasti berlaku: semakin kecil intervalnya, semakin halus guratannya — untuk bagian skalar (bahkan salah satu dari sedikit nada) Anda bisa sangat legato, dan kemudian lebih pandai berbicara ketika interval lebih besar. Ikuti lanskap frasa, naik saat naik, turun saat turun. “

4. Ketukan Kuat & Lemah

Dalam musik Baroque Prancis, prinsip ketukan kuat dan lemah dijalankan secara ekstrem: jika Anda memiliki serangkaian nada konjungsi dengan nilai yang sama, mainkan nada busur bawah yang kuat sedikit lebih panjang daripada busur atas yang mengikutinya – ini diketahui sebagai nada di égales — yang memberikan bagian, seperti yang dikatakan Mealy sebagai “infleksi ritme yang halus, berayun, dan fleksibel.”

Cobalah pegangan gaya Prancis itu dan berikan sedikit tekanan pada rambut busur dengan ibu jari Anda pada busur ke bawah, lepaskan pada busur atas. Tiru perasaan itu dengan memegang busur biasa dengan tenggelam dalam gerakan busur ke bawah sedikit lebih dari Anda lakukan untuk haluan atas.

“Pikirkan inégale bukan sebagai long-short (yang biasanya berakhir dengan sesuatu yang tersentak atau putus-putus) tetapi sebagai kuat-lemah,” kata Mealy. “Ini dapat membantu masalah kehabisan busur pada rangkaian ayunan yang panjang nada kedelapan. Ingatlah untuk membuat koreografi busur: seperti halnya pemain biola sering menjadi ahli menari, Anda harus memikirkan menari dengan busur di biola. ”

5. Ornamen & Trills

Musik Prancis sering kali dipenuhi dengan rangkaian getar dan ornamen lainnya, tetapi jangan biarkan hal itu membuat Anda melupakan musiknya! Pahami garis musik tersebut tanpa ornamen terlebih dahulu sebelum memasukkannya. Dan Stepner, pemain biola pertama di Lydian String Quartet dan concertmaster dari Handel and Haydn Society Orchestra, menekankan “pernyataan komposer Jean-Philippe Rameau tentang bagaimana ornamen harus dirasakan (yaitu bermuatan emosional) dan bukan hanya ‘fundamental’.” Dia juga menunjukkan hal itu dalam Piéces de clavecin en concerts, Rameau “memiliki ornamen yang serentak, tetapi berbeda pada garis yang serempak (misalnya, harpsichord kanan dan biola), yang membuat saya percaya bahwa Rameau menginginkan efek corengan, dan bukan yang tepat, super-jelas. Gestur adalah yang penting di sini, bukan presisi. “

Mealy sependapat: “Trills harus ekspresif. Semakin panjang getar, semakin lambat awal dari getar — seharusnya tidak terdengar seperti bel pintu.”

PELAJARI REPERTOIRE PERANCIS DARI ERA BAROK

Pemain biola dan profesor Yale Robert Mealy menyarankan untuk menjelajahi karya-karya Barok Prancis yang hebat ini untuk mengenalkan Anda dengan gayanya.

Cari DVD opera Jean-Philippe Rameau dengan Les Arts Florissants — Une symphonie imaginair (Marc Minkowski dan Les Musiciens du Louvre) dan Suites from Naïs and Le temple de la gloire (Philharmonia Baroque Orchestra). Semuanya hebat, dengan luar biasa pertunjukan luar biasa — mulai dari neo-Baroque hingga hip-hop.

François Couperin’s Les Nations yang direkam oleh Hesperion XXI adalah set trio sonata dan tarian dengan kedalaman dan kefasihan Bach, dimainkan oleh pemain instrumentalis all-star. Juga lihat rekaman mereka tentang trio sonata Les Apotheoses Couperin, yang membayangkan keduanya Lully dan Corelli naik ke surga.

Lihat juga rekaman Boston Early Music Festival dari opera Lully, Psyché and Thésé.
Untuk musik vokal lainnya, coba rekaman Les Arts Florissants tentang Charpentier: David et Jonathas, Medé, atau Actéon.

Mealy berkata bahwa pemain biola harus mencoba sonata biola Leclair, “yang semakin lama semakin sulit: buku keempatnya memiliki beberapa efek biola yang spektakuler. Juga buku duet keduanya untuk dua biola patut ditemukan: jauh lebih sulit dan lebih menarik daripada buku pertama.”

• Para pemain cello dapat mempertimbangkan untuk memainkan sonata Joseph Bodin de Boismortier atau Jean-Baptiste Barrière.
• Konser Couperin’s Les royaux dan Les goûts-réunis, konser ou nouveaux memberikan pelajaran dalam bahasa Baroque Prancis tingkat tinggi yang dihias dengan indah dan fasih.
• Mealy mendesak agar musik ini dalam faksimili “karena ukiran Prancis adalah seni yang tinggi: musiknya dapat dibaca dengan indah, dan Anda tidak perlu mengabaikan penambahan editorial.”
• Sebagian besar musik ini dapat dipesan dari sheetmusicplus.com (cari Edisi Fuzeau — faks yang bagus dari aslinya).

Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok tidak diragukan lagi di antara yang paling penting dalam sejarah. Kemampuannya yang tak tertandingi untuk memadukan teknik, gaya, dan tradisi eklektik mungkin merupakan aspek terpenting dari keahlian komposisinya. Memiliki komposisi musik tujuan sakral dan sekuler, serta dalam banyak genre musik Barok (tidak termasuk opera), J.S. Peran Bach sebagai seorang komposer secara ironis dapat digambarkan sebagai peran “manusia Renaisans.” Sementara keinovatifannya tidak meluas jauh dari teknik dan gaya para pendahulunya dan orang-orang sezamannya (penguasaan gaya-gaya ini yang mengungkap efek inovatif sejatinya pada musik), kemampuannya untuk mengekspresikan dirinya secara emosional tanpa menempelkan musik ke biografinya sendiri. perspektif, keterampilan luar biasa dalam hal menerapkan teknik komposisi, dan afinitasnya untuk infus dan penjajaran karakteristik musik yang tampaknya berbeda adalah penanda paling menonjol dari tempatnya sebagai bisa dikatakan komposer terbesar di era Barok.

Sebuah studi tentang pengaruh Bach pada era yang secara historis mendalam ini dalam komposisi dan ekspresi musik dapat dengan tepat dimulai pada analisis musiknya untuk instrumen keyboard (mis. Organ, harpsichord). Dipengaruhi oleh gaya Dieterich Buxtehude yang monumental dan sangat ornamen, musik Bach untuk keyboard dicontohkan oleh Preludes dan Fugues-nya. Dalam komposisi gaya toccata-nya, Bach mengeksplorasi penjajaran bagian yang sangat kontras ke titik bahwa bagian-bagian ini menjadi gerakan yang berbeda dalam sebuah karya. Sifat semu-improvisasi dari pendahuluan menarik pada komposisi komposer sebelumnya dari Sekolah Clavecin Prancis – yaitu ‘prelude non mesure’ Louis Couperin – dalam adopsi gaya non-imitatif. Namun, gaya ini diperbaiki dengan menjaga musik dalam skema metrik terstruktur. Dengan melakukan itu, Bach memastikan bahwa pendahuluannya kurang esoteris daripada orang-orang sezamannya dalam hal kinerja dan ekspresi emosional; siapa pun dapat bermain dan menafsirkan karyanya, karena makna dan ekspresinya tidak spesifik untuk komposer. Struktur metrik dari gerakan-gerakan ini juga berarti bahwa mereka dapat dengan mudah direproduksi melalui cetak. Sebagai contoh, gerakan pertama “Pendahuluan dan Fugue di C Minor,” berjudul “Das Wohltempiert Klavier” (bahasa Inggris: “Keyboard Tempered”), menggambarkan pengulangan sosok melodi tunggal (dalam bentuk arpeggio) diterapkan pada ritme yang berulang. Teknik ini dikenal sebagai ‘irama motorik,’ dan berfungsi sebagai kontras tekstur di mana tempi juga bervariasi.

Selain dari banyak suite tariannya, Bach biasanya mengkomposisikan pembukaannya sebagai pengantar non-imitatif untuk seorang Fugue. Ungkapan imitatif subjek-dan-eksposisi ini sering bertentangan, dengan cara monumental yang tidak mengejutkan, sifat pendahuluan sebelumnya, dan dalam lebih dari satu kasus diperluas pada struktur imitatif kanon. Contoh dari ekspansi ini terlihat di bagian organnya, “‘Little Fugue’ di G Minor.” Dalam tulisan ini, konsep imitasi eksposisi gaya kanon diubah sehingga subjek dan eksposisi mengambil makna baru ketika konteks musik terlihat jelas secara retrospektif. Seolah-olah aplikasi teknik komposisi yang sangat canggih ini tidak cukup untuk mencerminkan J.S. Keutamaan Bach, “Seni Fugue” -nya (Jerman: “Die Kunst der Fuge”) secara aktif mengarsipkan semua teknik meniru yang mungkin dari musik gaya fugue. Setelah membuat melodi subjek pengantar yang sangat sederhana, ia kemudian menerapkan berbagai perangkat imitatif, seperti inversi, retrograde, retrograde-inversion, dan bahkan teknik yang jauh lebih spesifik seperti ‘stretto.’ Sementara tak lama setelah kematiannya (ia tidak menyelesaikan volume ini) “Seni Fugue” Bach dianggap usang di hadapan ‘stile galant,’ koleksi potongan fugue ini dianggap hari ini sebagai karya komposisi terbesar dari teknik imitasi, dan berfungsi sebagai bukti JS Pentingnya Bach dalam sejarah musik Barat.

French Clavecin School, termasuk komposer berpengaruh seperti Chambonnieres, Couperin, Lully, dan D’Anglebert, bertanggung jawab atas standardisasi Dance Suite selama era Baroque. Bach menggubah karya instrumental dan orkestra solo berdasarkan standardisasi ini. Namun, bakatnya untuk menyempurnakan dan menanamkan teknik komposisi dari banyak sumber dan gaya sekali lagi terlihat jelas dalam karya-karya ini. Untuk suite dansa instrumental solo – yang disiapkan Bach untuk berbagai instrumen mulai dari harpsichord hingga seruling melintang – teknik Prancis dan Italia diadopsi. Sementara Bach berusaha untuk tetap dalam konstruksi Sekolah Clavecin Prancis dalam karya-karya instrumental ini, ia sering mengabstraksi model ini. Pertama, prelude-nya bukan sepenuhnya ‘non mesure,’ tetapi mencerminkan sifat semi-improvisasi dan kadang-kadang menyerupai ekspresi ‘recitativo’. Lebih jauh, Bach mengikuti perintah (secara tidak sengaja) dari pergerakan suite yang ditetapkan oleh penerbit Froeberger dengan mengakhiri setiap suite dengan gerakan ‘gigue’. Jika tidak, gaya suite relatif konservatif karena mereka mengikuti struktur komponis Prancis akhir dan berfokus pada gerakan nuklir dari suite tari, daripada mencerminkan tren kemudian seperti pembubaran gerakan seperti yang dicirikan oleh Couperin’s (‘le grand ‘)’ penahbisan. ‘ Bukti lebih lanjut tentang kepatuhannya pada gaya Prancis terlihat dalam kelalaiannya tentang ‘sarabande’ yang cepat dalam mendukung ‘kuburan sarabande.’ Suite-suite ini tidak semata-mata mencerminkan pengaruh Prancis. Dimasukkannya ‘ganda’ – gerakan berulang dengan penambahan ‘passaggi’ genap – sengaja dirancang untuk meniru teknik komposisi komponis Italia. Secara kumulatif, suite instrumental solo Bach mewakili transisi musik dansa dari yang murni berfokus pada hiburan ke bidang pendengaran dan interpretasi yang serius; bahkan gaya dan teknik paling sederhana dari tarian Sekolah Prancis diuraikan menjadi tantangan intelektual bagi pendengar.

J.S. Bach memang mengarang musik dansa yang sangat kontras dengan sifat konservatif model Prancis di suite orkestranya. Sementara ia hanya menyusun empat dari potongan-potongan ini, semuanya dimulai dengan ‘ouvertures’ (bukti pengaruh Lully berbeda dengan gaya pendahuluan berbasis toccata). Juga, tidak seperti kepatuhannya pada model Prancis tradisional seperti yang terlihat dalam suite instrumental solo, suite orkestra sering menghilangkan, mengganti nama, atau menata ulang banyak gerakan ‘nuklir’ (dicontohkan oleh fakta bahwa potongan-potongan ini tidak pernah termasuk ‘allemande’ sebagai gerakan kedua mereka); keputusan ini menunjukkan bagaimana Bach sebenarnya dipengaruhi oleh ‘le grand’) Couperin. Dengan membandingkan gaya dan judul gerakan mereka, perbedaan ini dapat ditunjukkan melalui karyanya untuk instrumen solo, “Lute Suite No. 1 di E Minor,” dan karya orkestra, “Orchestral Suite No. 3 di D Major.”

Ritornello concerti juga karya yang diadopsi, dikuasai, dan diubah oleh Bach dengan menggabungkan banyak teknik dan gaya. Dalam karya-karya ini, Bach hanya secara longgar mengikuti model umum komposisi konserto: banyak konsertnya cocok dengan tiga model gerakan ritornello, sementara yang lain hanya menerapkan tempi ritornello pada gerakan pertama potongan, dan beberapa gerakan bahkan disusun dalam gaya musik dansa. Sebagai contohnya, mari kita perhatikan tiga gerakan pertama karya itu, “Brandenburg Concerto No. 2.” Gerakan pertama mencerminkan gaya konser ritornello Italia, tetapi bervariasi karena tidak meniru. Alih-alih, melodinya terfragmentasi dan tersebar sedemikian rupa sehingga potongan tidak diputar terlalu lama tanpa merujuk elemen tematik. Gerakan-gerakan berikut sangat bervariasi dari model Italia: gerakan kedua terdiri dari komposisi, dan meniru tempo lambat dan efek tiga meter dari ‘kuburan sarabande’. Tekstur gerakan ini mencakup pintu masuk tema melodi pendek di banyak nada instrumen, dan bahkan menyandingkan tema-tema ini dengan kontra-melodi. Gerakan ketiga mengingatkan kita pada ‘gigue’, yang terdengar riang dan imitatif, tetapi perbandingan berakhir di sana karena penggunaan meteran ganda dan persamaannya dengan struktur subjek-eksposisi fugue. Namun, itu juga bukan fugue, karena fakta bahwa pada satu titik subjek berdiri sendiri dan dilawan oleh melodi polifonik lain. Karya ini sekali lagi menunjukkan kecenderungan Bach untuk meminjam teknik komposisi dari sumber yang berbeda; Penguasaan Bach atas teknik-teknik ini menghasilkan perawatan gaya tradisional yang benar-benar inovatif, meskipun faktanya tidak ada bahan novel yang diperkenalkan.

Akhirnya, perlakuan Bach terhadap musik kantata menunjukkan bukti lebih lanjut tentang pengaruhnya terhadap musik Barok. Sementara mereka biasanya didasarkan pada melodi chorale Lutheran, Bach sering memasukkan karakteristik ‘chorale prelude’ dalam perawatannya terhadap melodi chorale. Bach akan menggunakan melodi dengan gaya cantus firmus; penampilan pertamanya sangat sederhana (untuk membantu mengajar siapa pun yang tidak terbiasa), sementara presentasi berikutnya membuat melodi di latar depan melalui konteks tekstur (dalam bentuk perhentian organ). Selain itu, tekstur polifonik yang dibangun di sekitar melodi chorale sangat kompleks dan ekspresif secara artistik (mis. Gerakan keempat kantata, “Sleepers Awake Calls the Voice”). Mengenai teks chorale, Bach akan menggunakan ‘madrigalisme’ sebagai cara untuk meningkatkan ekspresi libretto suci, bahkan jika tidak ada teks yang dinyanyikan pada saat itu dalam karya tersebut. Ini tampak jelas dalam pendahuluan nyanyiannya, “Kita Seharusnya Sekarang Memuji Kristus.” Untuk iringan vokal dari karya-karya ini, Bach masih mengandalkan teknik komposisi instrumental, seperti ‘urutan’ dan ‘passaggi.’

Karya-karya kolektif Johann Sebastian Bach yang merupakan seniman sangat luar biasa dalam penguasaan teknik dan gaya masa lalu mereka dikombinasikan dengan kemampuan Bach untuk secara impersonal menghubungkan kombinasi inovatif dari teknik-teknik ini di seluruh genre musik yang berbeda. Pengakuannya sebagai komposer terhebat di zaman ini diperoleh dengan baik dan dibuktikan dengan jelas, begitu juga pengaruhnya terhadap komposer-komposer baru dan gaya komposisi novel.

Baca juga : Apa itu Musik Barok Dan Penjelasan Singkatnya

Brian Sullivan menerima gelar sarjana dari Rutgers University, Universitas Negeri New Jersey, di bidang komunikasi, dengan minat khusus dalam komunikasi massa dan studi media. Sebagai bagian dari program ini, Brian juga mempelajari teori musik, sejarah, kinerja, dan dampak musik pada budaya populer kontemporer.

Dalam kasus seni Barat, diikuti oleh Renaissance dan periode Barok diterima secara luas untuk menutupi tahun 1600 hingga 1750, ketika periode klasik dimulai. Apa yang kita temukan ketika kita mencermati karakteristik periode sejarah ini adalah bahwa musik saat ini sebagai perkembangan alami dari yang datang sebelumnya. Banyak bentuk, struktur dan konvensi Renaissance memberikan dasar bagi gaya dan suara barok baru. Pada artikel ini, saya akan menjelaskan secara singkat beberapa fitur utama dari musik Baroque untuk memberi Anda ide tentang apa yang harus didengarkan.

Karakteristik Musik Barok

Bagi banyak orang, kemegahan Barok melambangkan keagungan dan keanggunan. Musik barok adalah favorit untuk acara pernikahan dan perayaan, untuk alasan yang baik. Banyak bagian yang telah menderita sebagai favorit dari cermin Baroque musik kami benar-benar indah dan kemewahan periode ini dan arsitektur seni rupa. Ini berlaku untuk karya-karya sakral dan sekuler dari periode kebesaran dan ornamen bermata bersalah yang selalu menarik.

kami mengenali hari ini dalam musik klasik Barat pada periode Baroque seperti sekarang. The Concerto adalah bentuk musik yang sangat populer dan Concerto Grosso. Faktanya, perbedaan utama antara kedua jenis ini adalah bahwa musik menggubah Concerto Grosso untuk sekelompok solois (Concertino) dan orkestra atau ensemble (ripieno) yang menyertainya, sedangkan konser biasanya satu solois dan orkestra. Jumlah gerakan dapat bervariasi, tetapi secara teratur mengikuti model cepat, lambat, cepat dan sering berdasarkan bentuk tarian Renaissance sebelumnya.

Vivaldi dan Corelli sering dianggap sebagai dua barok yang memberikan kontribusi terbesar pada bentuk musik. Vivaldi mungkin terkenal hari ini untuk penampilan dramatis musim ini di “Quattro Stagioni” atau empat musim. 12 Corelli Concerto Grossi Op. 6 adalah yang terbaik dari periode ini. Corelli juga seorang master dari trio sonata yang lahir dari Renaissance Canzona dengan dua biola dan bersambung.

Tarian sopan yang ditampilkan dalam musik sebelumnya sekarang mulai meletakkan dasar untuk peran penting dalam karya-karya barok. Itu datang dari seluruh Eropa dan dipengaruhi oleh Jerman, Prancis dan Italia dalam ukuran yang sama. Komposer Barok mengambil tarian ini dan mengembangkannya menjadi potongan-potongan di kanan mereka sendiri, tanpa harus menari penari jelas tetap teduh. Tarian Barok Jenderal Renaissance diubah menjadi instrumen “Suites” akan termasuk Jerman, he Usual, Gigue dan Sarabande. Setiap tarian memiliki meteran kontras dan nuansa. Empat Jerman akan moderat sementara Sarabande tiga lambat. J.S Bach English, French and German Suites menggambarkan hal ini secara ringkas.

Seperti setiap periode sejarah, musik instrumental membutuhkan pengembangan panggung utama. Flute, (pendahulu biola modern), cenderung mendukung biola baru yang lebih ekspresif dan dinamis. Ini sebagian besar adalah Catherine Medici, yang mendanai pengembangan instrumen dengan para master seperti instrumen Stradivari yang masih menciptakan semacam karya seniman masa kini. Kuncinya menjadi tulang punggung dari sebagian besar majelis dan dalam hubungannya dengan Celli rendah atau kadang-kadang dua, membentuk apa yang dikenal sebagai kontinu. (Bagian iringan yang mendukung garis melodi memberi harmoni dan ritme). Seruling, obo, sangkakala (tanpa valentine), timbale dan semua anggota dibentuk dari apa yang pada akhirnya akan dikenal sebagai orkestra simfoni hari ini. Seiring kualitas instrumen yang dikembangkan komposer semakin mengeksploitasi rentang dinamis yang lebih besar. musik antiphonal di mana ada perbedaan yang sangat mencolok antara musik duduk dengan lembut melawan kuat, keahlian. Variasi dinamis ini merupakan fitur penting di sebagian besar musik Barok.

Musik paduan suara tidak diabaikan pada periode Barok. musik suci adalah bagian penting dari beban kerja komposer Baroque. Massa, Cantata dan sampai batas tertentu Oratorio sepenuhnya didirikan sebagai pilar komposer besar seperti Bach (Matius Gairah dan massa dalam B minor), Handel (Mesias), Vivaldi (Gloria: RV589). Henry Purcell tidak boleh diabaikan dalam hal musik suci Barok dengan koleksi penting nyanyian pujian dan lagu-lagu pujian. Di sisi lain dari musik vokal Baroque, Purcell juga mulai mengeksplorasi konsep opera. “Dido dan Aeneas” oleh Purcell dianggap oleh banyak orang sebagai contoh pertama dari opera lengkap yang ditulis pada periode tersebut.

Musik keyboard menjadi bagian rutin dari diet untuk musik Barok. Meskipun kuncinya sendiri adalah instrumen yang sangat andal, cepat menyelinap keluar dari nada, banyak potongan yang disusun olehnya dan organ saingannya. Scarlatti, komposer Italia dan menulis secara luas pada keyboard dan menghasilkan serangkaian sonata (kebanyakan satu gerakan) yang mempesona. Karya-karya keyboard Bach yang paling terkenal dapat dianggap sebagai 48 pembuka dan fugues-nya. Banyak dari karya keyboard ini menunjukkan kualitas yang sama pada periode tersebut. Bach fugues adalah bentuk musik yang sangat kompleks dengan garis melodi yang menjalin yang menciptakan tekstur padat dan indah. Dalam istilah musik, ini dikenal sebagai polifonik (banyak suara). Fitur lain dari karya-karya ini adalah tandingannya. Jenis penulisan musik berasal dari kebangkitan di mana jika garis jatuh yang lain naik ke musik pada saat yang sama.

Fitur tambahan yang penting untuk mendengarkan musik Barok adalah urutan dan peniruannya. Urutan kata mengacu pada musik akor tertentu selama bagian umumnya mengikuti pola yang diakui. Ini digunakan untuk mewarnai musik dan kadang-kadang mengubah tombol dengan lancar. Vivaldi mempertimbangkan master ini dan menggunakannya untuk memberikan efek besar pada banyak karyanya. Imitasi dalam musik adalah seperti kata yang disarankan; tiruan, di mana Anda dapat mendengar bagian melodi melalui instrumen atau suara kadang-kadang lainnya sebagai salinan sempurna.

Demikianlah artikel seputar karakteristik musik barok yang bisa kami sampaikan kepada anda.

Baca juga : Sejarah Baroque Music 

Istilah, “Baroque” mungkin berasal dari bahasa Portugis yang berarti “mutiara yang formatnya tak beraturan”. Seni Barok dianggap terlalu dekoratif, dramatis, flamboyan, dan emosionil. Arsitektur, lukisan, patung, dan musik semuanya memperlihatkan sifat-sifat ini juga.

Bangkitnya monarki memainkan peran penting dalam penciptaan gaya nasional, sebab para raja dan pangeran merupakan di antara yang paling patron dalam kehidupan bermusik yang mewah.

Ada banyak penelusuran ilmiah pada ketika ini: fisiologi, astronomi, matematika dan fisika segala memengaruhi musisi untuk memakai sistem sains untuk persoalan musik, yang mengarah ke pengembangan sistematis teknik-teknik seni musik.

Fungsi Musik

Kian banyak musik religius juga diaplikasikan untuk tujuan non-liturgis; pembuka, penutup, dan sebagainya. Banyak musik yang ditulis memasuki akhir jangka waktu Baroque ditulis untuk pemain amatir di rumah tangga kelas aristokrasi dan kaya. Beberapa besar musik ini berperan, namun musik vokal acap kali dimasukkan. Di rumah tangga aristokrasi, sekelompok kecil musisi memberikan komposisi dan pertunjukan musik makan malam, tarian dan konser ensemble.Tak ada organisasi institusional untuk mendidik seni musik, sehingga siswa (kebanyakan laki-laki) diajari oleh ayah atau kerabat musik mereka sendiri yang terikat pada rumah tangga komposer / pemain.

Praktek dan Performa

Jangka Baroque merupakan jangka waktu di mana seni improvisasi merupakan keperluan tiap pemain. Bagus komposer vokal dan instrumental seringkali cuma “menguraikan” garis melodik dengan kemauan penuh supaya pemain tak cuma menambahkan ornamen, namun juga nada yang melewati, komponen skalar, dan malahan fragmen irama ke irama yang dinotasikan. Dalam Barok kemudian, ornamen cerah dan pesat dari ragam virtuoso diketahui sebagai “coloratura”. Dalam komposisi vokal dan instrumental, pemain diinginkan untuk memperluas ritme, lebih-lebih ritme klimaks di dekat akhir suatu gerakan atau karya, dengan improvisasi yang kompleks. Improvisasi seperti itu kemudian diketahui sebagai “cadenzas”, di mana pemain akan menampakkan keterampilan improvisasi dan teknik mereka. Metode penyeteman yang gampang diaplikasikan secara universal. Temperamen Meantone merupakan yang paling tetap diaplikasikan, namun pada akhir jangka waktu kecenderungan ke arah metode temperamen yang sama lebih disukai sebab praktik modulasi meningkat dari komposer.

Karakteristik Musik yang terlihat

“Tremolo” dan “pizzicato” untuk instrumen dawai; dinamika bertingkat meski dinamika seperti “p”, “f”, “cresc.” dan “redup.” disampaikan dan diaplikasikan dengan hemat; ritme biasanya simpel, namun sungguh-sungguh ketat; pertanda tempo seperti “allegro”, “andante” dan “kuburan” disampaikan ‘penekanan pada homofoni solo berdendang’ disampaikan dan ada bersama dengan polifoni; penunjukan ornamen dengan memakai singkatan dan pertanda-pertanda diaplikasikan banyak – komposer memakai pertanda-pertanda ini untuk menampakkan harapan pribadi mereka dalam ornamen, namun pelaku juga bebas untuk berimprovisasi ornamen mereka sendiri; virtuoso dan “bel canto” (lagu menawan) dengan teknik kemerahan; perubahan ke metode nada mayor / minor; harmoni yang sistematis; chromaticism dan disonance diaplikasikan untuk tekanan; gaya improvisasi, dengan komponen skalar yang pesat, dekorasi, pertunjukan teknik seperti fantasi cuma-cuma; prinsip ragam; frasa yang terang; suasana hati yang tetap di semua komponen musik.

Berasal dari barroco Portugis, atau “mutiara berbentuk aneh,” istilah “baroque” telah banyak digunakan sejak abad kesembilan belas untuk menggambarkan periode musik seni Eropa Barat dari sekitar 1600 hingga 1750. Membandingkan beberapa karya agung terbesar sejarah musik menjadi sebuah mutiara yang cacat mungkin tampak aneh bagi kita hari ini, tetapi bagi kritikus abad kesembilan belas yang menerapkan istilah itu, musik era Bach dan Handel terdengar terlalu dihiasi dan dilebih-lebihkan. Setelah lama melepaskan konotasi yang merendahkan, “barok” sekarang hanyalah tangkapan yang nyaman – semua untuk salah satu periode terkaya dan paling beragam dalam sejarah musik.

Selain memproduksi musik Eropa paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita, termasuk Canon Pachelbel dan The Four Seasons dari Vivaldi, era Barok juga sangat memperluas cakrawala kita. Penerimaan teori Copernicus abad ke-16 bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi membuat alam semesta menjadi tempat yang jauh lebih besar, sementara karya Galileo membantu kita untuk lebih mengenal kosmos. Kemajuan teknologi, seperti penemuan teleskop, membuat apa yang diyakini terbatas tampak tak terbatas. Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menangani pertanyaan besar tentang keberadaan. Jenius seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menawarkan perspektif unik melalui karya seni mereka. Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan luar negeri dan kolonisasi, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal. Dan pertumbuhan kelas menengah baru menghembuskan kehidupan ke dalam budaya artistik yang lama tergantung pada keinginan gereja dan pengadilan.

Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?

Banyak kepribadian terkenal dari bagian pertama periode Barok berasal dari Italia, termasuk Monteverdi, Corelli dan Vivaldi. (Pada pertengahan abad kedelapan belas, fokus kami beralih ke komposer Jerman Bach dan Handel.) Banyak bentuk yang diidentifikasi dengan musik Barok berasal dari Italia, termasuk kantata, konser, sonata, oratorio, dan opera. Meskipun Italia memainkan peran penting dalam pengembangan genre-genre ini, konsep-konsep baru tentang apa artinya menjadi sebuah negara meningkatkan imperatif “gaya nasional.” Perbedaan antara negara-negara sering terdengar dalam musik dari periode itu, tidak hanya dalam cara musik dikomposisi, tetapi juga dalam konvensi kinerja; yang sangat jelas adalah perbedaan antara Italia dan Prancis. Meskipun negara-negara tertentu tampaknya mengklaim bagian yang lebih besar dari pengalaman kami tentang musik Barok hari ini, bagaimanapun, setiap negara memainkan peran. Ketika musisi dan komposer melakukan perjalanan ke seluruh Eropa dan mendengar musik satu sama lain, kebaktian baru yang mereka temui membuat kesan yang halus pada mereka. Beberapa komposer paling terkenal dari periode tersebut meliputi yang berikut:

Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico dan Alessandro Scarlatti

Prancis: Couperin, Lully, Charpentier, dan Rameau

Jerman: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel dan Bach

Inggris: Purcell

Apa filosofi musik Barok?

Meskipun satu filosofi tidak dapat menggambarkan 150 tahun musik dari seluruh Eropa, beberapa konsep penting dalam periode Baroque.

Keyakinan pada musik sebagai alat komunikasi yang kuat
Salah satu aliran filosofis utama dalam musik Barok berasal dari minat Renaisans pada ide-ide dari Yunani kuno dan Roma. Orang Yunani dan Romawi percaya bahwa musik adalah alat komunikasi yang kuat dan dapat membangkitkan emosi apa pun pada pendengarnya. Sebagai hasil dari kebangkitan kembali ide-ide ini, komposer menjadi semakin sadar akan kekuatan potensial musik, dan menumbuhkan kepercayaan bahwa komposisi mereka sendiri dapat memiliki efek yang sama jika mereka dengan benar meniru musik kuno. Sebagai sarjana humanis Prancis Artus Thomas menggambarkan pertunjukan di akhir abad keenam belas,

Saya sering mendengar tentang Sieur Claudin Le Jeune (yang, tanpa berharap untuk meremehkan siapa pun, jauh melampaui para musisi di masa lalu dalam pemahamannya tentang hal-hal ini) bahwa ia menyanyikan sebuah lagu (yang ia buat dalam beberapa bagian) … dan ketika udara ini dilatih di sebuah konser pribadi, hal itu menyebabkan seorang pria di sana untuk bergandengan tangan dan mulai bersumpah dengan keras, sehingga tampaknya mustahil untuk mencegahnya menyerang seseorang: ketika itu Claudin mulai menyanyikan lagu lain … yang membuat pria itu setenang sebelumnya. Ini telah dikonfirmasi kepada saya karena oleh beberapa yang ada di sana. Itulah kekuatan dan kekuatan melodi, ritme, dan harmoni dalam pikiran.

Pada 1605, komposer Italia Claudio Monteverdi sebenarnya mendefinisikan praktik “pertama” dan “kedua”: dalam yang pertama, harmoni dan tandingan didahulukan dari teks; dalam hal yang kedua, kebutuhan untuk mengungkapkan makna kata-kata melampaui keprihatinan lain. Dalam barok, semangat latihan kedua — menggunakan kekuatan musik untuk berkomunikasi — yang mendominasi era.

Realitas perlindungan

Setiap diskusi tentang filosofi artistik komposer Baroque harus dibujuk, setidaknya sedikit, oleh kenyataan hidup mereka. Di zaman modern, seniman sering mencari nafkah dengan memproduksi jenis seni yang mereka inginkan. Oleh karena itu, kita sering menganggap seniman — dan tingkat inspirasi artistiknya — sebagai titik awal untuk sebuah karya seni. Namun, sepanjang sebagian besar era Baroque, komposer hanya mendapat penghasilan dari menulis musik jika mereka cukup beruntung untuk menjadi penggajian lembaga politik atau agama. Karena itu, kebutuhan musikal lembaga itu mendikte musik yang dihasilkan komposer. Bach menulis jumlah kantata yang dia lakukan, misalnya, tidak harus karena dia menemukan bentuk inspirasional, tetapi karena tuntutan liturgi gereja Leipzig yang mempekerjakannya. Jika dilihat dalam cahaya ini, musik Barok dapat memberikan jendela yang menarik ke dalam sejarah.

Apa karakteristik musik Barok?

Minat baru pada kemungkinan dramatis dan retoris musik memunculkan banyak cita-cita suara baru di periode Baroque.

Kontras sebagai elemen dramatis Kontras adalah unsur penting dalam drama komposisi Barok. Perbedaan antara keras dan lunak, solo dan ansambel (seperti dalam konser), instrumen dan nada yang berbeda semuanya memainkan peran penting dalam banyak komposisi Barok. Komposer juga mulai lebih tepatnya tentang instrumentasi, sering menentukan instrumen yang harus dimainkan daripada membiarkan pemain memilih. Instrumen brilian seperti trompet dan biola juga semakin populer.

Monodis dan munculnya basso continuo Dalam era musik sebelumnya, sepotong musik cenderung terdiri dari melodi tunggal, mungkin dengan iringan improvisasi, atau beberapa melodi dimainkan secara bersamaan. Tidak sampai periode Baroque konsep “melodi” dan “harmoni” benar-benar mulai diartikulasikan. Sebagai bagian dari upaya untuk meniru musik kuno, komposer mulai kurang fokus pada polifoni rumit yang mendominasi abad kelima belas dan keenam belas dan lebih pada suara tunggal dengan iringan sederhana, atau monodik. Jika musik adalah bentuk retorika, seperti yang ditulis oleh orang-orang Yunani dan Romawi, diperlukan orator yang kuat — dan siapa yang lebih baik untuk pekerjaan itu daripada penyanyi solo vokal? Penggabungan baru antara ekspresi perasaan dan penyanyi solo datang dengan keras dan jelas dalam kata pengantar Monteverdi untuk Combattimento di Tancredi e Clorinda dari Buku Kedelapan Madrigals (1638), di mana ia menulis: “Tampaknya bagi saya bahwa Gairah atau kasih sayang utama pikiran kita ada tiga, yaitu kemarahan, keseimbangan batin, dan kerendahan hati. Para filsuf terbaik setuju, dan sifat dasar suara kita, dengan rentang tinggi, rendah dan menengahnya, akan menunjukkan hal yang sama. ”Opera-opera paling awal adalah ilustrasi yang sangat bagus tentang estetika baru ini.

Seiring dengan penekanan pada melodi tunggal dan garis bass muncul praktik basso continuo, metode notasi musik di mana melodi dan garis bass dituliskan dan pengisi harmonik ditunjukkan dalam jenis steno. Seperti yang dijelaskan oleh musisi Italia Agostino Agazzari pada 1607:

Karena gaya pengungkapan kata-kata yang sebenarnya akhirnya ditemukan, yaitu, dengan mereproduksi indra mereka dengan cara terbaik, yang berhasil dengan suara tunggal (atau tidak lebih dari beberapa), seperti di udara modern oleh berbagai kalangan. laki-laki, dan seperti latihan konstan di Roma dalam musik bersama, saya katakan bahwa tidak perlu membuat skor … Bass, dengan tanda-tanda harmoni, sudah cukup. Tetapi jika seseorang mengatakan kepada saya bahwa, untuk memainkan karya-karya lama, penuh dengan fugue dan tandingan, Bass tidak cukup, jawaban saya adalah bahwa karya-karya vokal semacam ini tidak lagi digunakan.

Karena basso continuo, atau bass menyeluruh, tetap menjadi latihan standar hingga akhir periode Baroque, era ini kadang-kadang dikenal sebagai “zaman bass menyeluruh”.

Suara instrumental yang berbeda

Setelah diabaikan selama beberapa dekade, musik Barok telah menjadi semakin populer selama lima puluh tahun terakhir. Sebagai bagian dari ketertarikan baru ini, para cendekiawan dan musisi telah menghabiskan waktu berjam-jam untuk mencari tahu bagaimana musik itu terdengar bagi audiens abad ke 17 dan 18. Meskipun kami tidak akan pernah dapat menciptakan kembali kinerja dengan tepat, pekerjaan mereka telah menggali beberapa perbedaan utama antara Barok dan ansambel modern:

Pitch: Pada tahun 1939, orkestra modern setuju untuk menyetel ke a ‘= 440 hz (nada A bernada pada 440 siklus per detik), yang menggantikan nada yang sebelumnya lebih rendah (a’ = 435 hz) diadopsi pada tahun 1859. Namun sebelum tahun 1859, ada tidak ada standar nada. Oleh karena itu, nada yang disetel oleh ansambel Barok sangat bervariasi pada waktu dan tempat yang berbeda. Akibatnya, musik yang dinotasikan pada skor mungkin terdengar sebanyak setengah nada lebih rendah daripada bagaimana biasanya dilakukan hari ini. Dalam upaya untuk memungkinkan perbedaan ini, banyak ansambel barok menyesuaikan penyetelan mereka dengan repertoar yang dilakukan: a ‘= 415 hz untuk musik barok akhir, a’ = 392 hz untuk musik Prancis, a ‘= 440 hz untuk musik Italia awal dan a’ = 430Hz untuk repertoar klasik.

timbre: Meskipun sebagian besar instrumen dalam ansambel barok sudah dikenal, ada beberapa anggota terkemuka yang tidak lagi ditampilkan dalam ansambel modern. Harpsichord adalah instrumen keyboard utama (dan anggota penting dari grup contino), dan instrumen penting di abad ke-16 dan ke-17 seperti kecapi dan kekerasan, masih terus digunakan. Variasi dalam instrumen yang masih populer saat ini juga memberi ansambel barok suara yang berbeda. Instrumen dawai seperti biola, viola, dan cello menggunakan dawai daripada dawai yang dibalut dengan logam yang dirangkai hari ini, misalnya, memberi mereka nada yang lebih lembut dan lebih manis.

teknik kinerja: Skor barok mengandung sedikit (jika ada) informasi tentang elemen-elemen seperti artikulasi, ornamen atau dinamika, dan karenanya ansambel modern perlu membuat pilihan berdasarkan informasi mereka sendiri sebelum setiap pertunjukan. Perbedaan mekanis antara instrumen barok dan modern juga menunjukkan bahwa instrumen yang lebih tua akan terdengar berbeda, sehingga ansambel seperti Music of the Baroque sering menyesuaikan teknik mereka untuk memungkinkan ini. Karena barok dan busur modern secara struktural berbeda, misalnya, pemain string yang menggunakan busur modern sering menggunakan serangan yang lebih lembut pada string dan crescendos dan diminuendo pada not yang lebih panjang. Risalah kinerja abad ke-17 dan ke-18 juga menyiratkan bahwa jari vibrato (teknik di mana pemain string menggetarkan ujung jari pada string untuk memperkaya nada) digunakan dengan hemat untuk momen-momen ekspresif, sementara bow vibrato (gerakan busur yang bergelombang) umumnya lebih disukai.

Bentuk musik apa yang datang untuk mendefinisikan era barok?

Sementara bentuk-bentuk dari era sebelumnya terus digunakan, seperti motet atau tarian tertentu, minat terhadap musik sebagai bentuk retorika memicu perkembangan genre baru, khususnya di bidang musik vokal. Banyak bentuk yang terkait dengan era Barok datang langsung dari dorongan dramatis baru ini, terutama opera, oratorio, dan kantata. Dalam dunia musik instrumental, gagasan kontras dan keinginan untuk menciptakan bentuk-bentuk skala besar memunculkan konser, sonata, dan rangkaian.

Musik vokal

Opera: Drama yang dinyanyikan terutama, disertai dengan instrumen, dan disajikan di atas panggung. Opera biasanya bergantian antara lagu resitatif, seperti bicara yang memajukan plot, dan arias, lagu di mana karakter mengekspresikan perasaan pada titik-titik tertentu dalam aksi. Chorus dan tarian juga sering dimasukkan. Munculnya genre pada pergantian abad ketujuh belas sering dikaitkan dengan kegiatan sekelompok penyair, musisi dan cendekiawan di Florence sekarang dikenal sebagai Florentine Camerata. Opera pertama yang masih hidup adalah Jacopo Peri’s Dafne, berdasarkan libretto oleh Ottavio Rinuccini dan dilakukan di Florence pada 1598; opera paling awal yang masih dilakukan hingga hari ini adalah Orfeo karya Claudio Monteverdi (1607). Subjek dari opera pertama diambil dari mitos Yunani, yang mencerminkan aliansi dekat genre dengan upaya untuk menciptakan kembali musik dan drama budaya kuno, dan dilakukan semata-mata dalam lingkaran aristokrat untuk tamu undangan.

Ketika rumah opera publik pertama dibuka di Venesia pada tahun 1637, genre ini diubah agar sesuai dengan preferensi penonton. Penyanyi solo mengambil semacam status selebritis, dan sebagai hasilnya, penekanan yang lebih besar diberikan pada aria. Resitatif tumbuh kurang penting, dan paduan suara dan tarian hampir menghilang dari opera Italia. Realita finansial dari pementasan produksi opera yang sering juga berpengaruh. Efek panggung spektakuler yang terkait dengan opera di pengadilan sangat diremehkan, dan libretto dibangun untuk mengambil keuntungan dari perangkat stock scenic. Pada awal abad ke-18 (khususnya di Naples), dua subgenre opera menjadi jelas: opera seria, di mana fokusnya adalah pada subjek yang serius dan da capo aria, dan opera buffa, yang memiliki nada lebih ringan, bahkan komik dan kadang-kadang duet bekas, trio, dan ansambel yang lebih besar. Tradisi opera Italia secara bertahap mendominasi sebagian besar negara Eropa. Namun, pada akhir abad ke-17 Prancis, Jean-Baptiste Lully kelahiran Italia dan pustakawan Philippe Quinault menciptakan opera versi Prancis yang dikenal sebagai tragédie-lyrique.

Oratorio: drama musikal yang diperluas dengan teks berdasarkan materi pelajaran agama, dimaksudkan untuk pertunjukan tanpa pemandangan, kostum atau aksi. Oratorio awalnya berarti aula doa, sebuah bangunan yang terletak berdekatan dengan sebuah gereja yang dirancang sebagai tempat untuk pengalaman keagamaan yang berbeda dari liturgi. Meskipun ada preseden akhir abad keenam belas untuk oratorio dalam motet dan repertoar madrigal, oratorio sebagai genre musik yang berbeda muncul di tengah-tengah akustik luar biasa dari ruang-ruang ini pada awal 1600-an. Pada pertengahan abad ke-17, oratorio dilakukan di istana dan teater publik dan tumbuh semakin mirip dengan opera, meskipun subjek, pembagian menjadi dua bagian (bukan tiga tindakan) dan tidak adanya aksi bertahap masih membedakannya. Beberapa komposer yang terkait dengan genre di Italia termasuk Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti dan Antonio Vivaldi. Oratorio semakin populer di bagian lain Eropa. Di Jerman Protestan, musik dramatis yang digubah untuk digunakan di gereja Lutheran lambat laun menyatu dengan unsur-unsur oratorio, terutama dalam penyertaan teks-teks non-Alkitab. Gairah oratorio, demikian sebutannya, memuncak dalam karya-karya besar J. S. Bach. Contoh terkenal lainnya di luar Italia termasuk oratorios Inggris dari George Frideric Handel, yang mempopulerkan genre ini di London sebagai akibat dari ketidaksukaan Inggris terhadap opera Italia. Karya-karya seperti Mesias, Israel di Mesir, dan Yudas Maccabeus tetap menjadi favorit penonton hingga hari ini.

Cantata: sepotong diperpanjang yang terdiri dari suksesi resitasi dan mengatur potongan-potongan seperti arias, duet dan paduan suara. Berasal di Italia awal abad ke-17, kantata dimulai sebagai karya sekuler yang disusun untuk suara solo dan basso continuo, kemungkinan besar dimaksudkan untuk pertunjukan di pertemuan sosial pribadi. Banyak dari karya-karya ini diterbitkan, menunjukkan bahwa mereka dilakukan oleh musisi profesional dan amatir. Pada pertengahan abad kantata diterbitkan lebih jarang, menunjukkan bahwa pertunjukan semakin banyak dilakukan oleh para profesional. Pada akhir abad ke-17, kantata mulai menggabungkan da capo aria dan sering disertai iringan orkestra. Komponis besar dalam genre cantata Italia termasuk Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, dan pada paruh pertama abad ke-18 Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello dan Johann Adolf Hasse. Di luar Italia, genre yang berkembang dari motet Lutheran mulai menggabungkan banyak unsur cantata Italia, terutama teknik ekspresi dramatis seperti resitatif dan aria. Banyak cantata Bach menunjukkan pengaruh luas dari rekan-rekan Italia mereka.

Musik instrumental

Sonata: Digunakan untuk menggambarkan beberapa jenis karya di era barok, istilah sonata paling sering digunakan untuk beberapa gerakan untuk satu atau lebih instrumen (paling sering biola) dan bassocontinuo; sonata untuk dua biola atau instrumen treble lainnya plus bass biasanya disebut trio sonata. Pada 1650-an, sonata sering diklasifikasikan baik sebagai sonata da chiesa (“gereja sonata”), biasanya terdiri dari empat gerakan bergantian antara tempo lambat dan cepat dan dilakukan di gereja, atau kamera sonatas da (“kamar sonata”), yang terdiri dari serangkaian tarian yang mirip dengan suite. Contoh kedua jenis ini dapat ditemukan pada karya-karya Corelli di akhir abad ke-17. Pada abad ke-18, Telemann, Bach, dan Handel menulis banyak sonata yang meniru Sonata da chiesa Corelli. Naiknya keunggulan sonata solo untuk instrumen keyboard dimulai pada akhir periode barok, termasuk untuk organ (Bach) dan harpsichord (Handel, Domenico Scarlatti). Contoh terkenal lainnya dari sonata solo termasuk karya Bach untuk biola dan cello tanpa pendamping.

Concerto: Berasal dari concertare Italia (untuk bergabung bersama, bersatu), concerto mengambil beberapa bentuk selama era barok. Sampai awal abad ke-18, sebuah konser hanyalah sebuah komposisi yang menyatukan ansambel beragam yang terdiri dari suara, instrumen, atau keduanya. Karya sakral untuk suara dan instrumen sering disebut concerto, sementara karya sekuler serupa umumnya disebut arie (udara), cantatas, atau musiche. Sementara concerto suci berskala besar dapat ditemukan dalam karya-karya Claudio Monteverdi, komposisi yang lebih intim untuk satu hingga empat suara, kontinu dan instrumen solo tambahan jauh lebih umum. Di Jerman, contoh-contoh indah dari konser suci dapat ditemukan dalam karya-karya Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt dan Heinrich Schütz (khususnya Kleine geistliche Concerte, atau “Small Sacred Concertos”, tahun 1636-39).

Kemudian pada abad ketujuh belas, konser mulai mengasumsikan definisi modernnya: karya multimovement untuk solois instrumental (atau kelompok solois) dan orkestra. Mengambil isyarat dari canzonas dan sonata dari akhir abad keenam belas dan ketujuh belas, yang menggunakan kelompok-kelompok instrumen yang kontras untuk efek yang besar, concerto grosso mengganti kelompok kecil solois dengan ansambel yang lebih besar. Karya-karya Corelli, khususnya Op. 6 koleksi, mungkin memberikan contoh-contoh paling terkenal dari akhir abad ke-17 concerto grosso. Sementara karya-karya Corelli ditiru di abad ke-18, terutama di Handel’s Op. Dalam 6 koleksi, banyak contoh abad ke-18 dari concerto grosso menunjukkan semakin meningkatnya pengaruh solo concerto (misalnya, Brandenburg Concertos dari J. S. Bach).

Jenis konser yang paling dominan di abad ke-18 adalah konser solo, yang menampilkan instrumen tunggal yang kontras dengan ansambel. Komposer solo konser paling produktif adalah Antonio Vivaldi, yang menulis sekitar 350 dan membentuk bentuk tiga-gerakan standar konser (dua gerakan luar cepat, satu gerakan tengah dalam tempo lebih lambat). Sementara sebagian besar concerto solo ditulis untuk biola, concerto terompet juga populer, dan concerto juga dikomposisikan untuk cello, oboe, seruling dan bassoon. Pada 1730-an, Handel menulis 16 organ concerto, dan Bach juga menggubah beberapa concerto untuk harpsichord sekitar waktu yang sama (sebagian besar adalah pengaturan karya yang sudah ada sebelumnya).

Suite: Berdasarkan pada pasangan tradisional tarian di Renaissance, suite adalah karya multi-gerakan pertama untuk instrumen. Suite ini pada dasarnya adalah serangkaian tarian dalam kunci yang sama, sebagian besar atau semua dari mereka dalam bentuk dua bagian. Sekitar pertengahan abad ke-17 di Jerman urutan allemande, courante, sarabande dan gigue menjadi relatif standar, meskipun gerakan tarian lainnya, seperti allemandes tambahan atau courantes, bourreés, gavottes dan minuets, sering dimasukkan. Sebagian besar suite juga dimulai dengan gerakan pengantar seperti pendahuluan, ouverture, atau fantasia. Bagi banyak komponis barok, tarian-tarian yang berbeda mewujudkan karakter-karakter tertentu. Dalam bukunya Der volkommene Capellmeister (Direktur Musik Lengkap), 1739, ahli teori Jerman Johann Mattheson memberikan daftar karakter masing-masing tarian: minuet adalah “keriangan sedang,” gavotte “kegembiraan gembira,” bourreé “puas,” sang courante “ harapan, “sarabande” ambisi “dan pertunjukan itu bisa menandakan sejumlah emosi mulai dari kemarahan hingga kegembiraan. Suite Baroque dinilai untuk instrumen solo maupun orkestra; yang ditulis untuk satu atau dua instrumen melodi dan kadang-kadang disebut sonata da camera. Suite Perancis untuk keyboard kadang-kadang disebut ordres (seperti dalam karya François Couperin, yang memasukkan banyak gerakan non-tarian termasuk sketsa karakter evokatif personel pengadilan.

Bagaimana rasanya menghadiri konser di era barok?

Di zaman modern, pergi ke konser adalah acara. Kami mendengar iklan di radio atau melihat daftar di surat kabar; kami membeli tiket; kami pergi ke gedung konser dan duduk dengan tenang sampai tiba saatnya untuk bertepuk tangan. Di era barok, konser publik semacam ini jarang terjadi. Banyak komposisi barok paling terkenal dilakukan di gereja-gereja untuk suatu kebaktian, atau sebagai bagian dari konser pribadi atau perayaan di rumah pelindung kaya. Namun, selama barok itu, pertunjukan publik menjadi lebih umum, terutama dalam genre opera dan oratorio, dan tradisi konser modern kami mulai menyatu di banyak kota di Eropa. Seperti Roger North menggambarkan pertunjukan di salah satu seri konser paling awal, yang diselenggarakan di London pada 1670-an:

Upaya pertama rendah: proyek Banister [John] lama, yang merupakan biola yang baik, dan komposer teater. Dia membuka ruang tak dikenal di rumah publik di biara Putih; mengisinya dengan meja dan kursi, dan membuat kotak samping dengan tirai untuk musik. Kadang-kadang permaisuri, kadang-kadang solo, dari biola, flageolet, bass viol, kecapi dan lagu all’Italiana, dan varietas semacam itu mengalihkan perusahaan, yang membayar saat masuk. Satu shilling sepotong, panggilan untuk apa yang Anda suka, bayar perhitungannya, dan selamat datang Tuan-tuan.

Munculnya konser publik membuat kelas menengah yang berkembang menjadi sumber pendapatan penting bagi musisi. Pada akhir barok, subset sosial ini telah menjadi pelindung musik hampir sama kuatnya dengan gereja atau pengadilan.

Apa yang terjadi setelah periode barok?

Pada pertengahan abad kedelapan belas, gagasan barok tentang musik sebagai bentuk retorika sedang diserang. Musik memiliki kekuatan yang luar biasa kuat untuk mengekspresikan konsep yang paling sulit sekalipun — tetapi hanya dalam bentuknya yang paling “alami”, di mana era barok seolah-olah kacau. Seperti yang dikatakan Johann Adolph Scheibe tentang J. S. Bach pada 1737,

Pria hebat ini akan menjadi kekaguman seluruh bangsa jika dia membuat lebih banyak kemudahan, jika dia tidak menghilangkan unsur alami dalam karya-karyanya dengan memberi mereka gaya yang turgid dan bingung, dan jika dia tidak menggelapkan kecantikan mereka dengan kelebihan seni . Karena dia menilai berdasarkan jari-jarinya sendiri, potongan-potongannya sangat sulit dimainkan; karena ia menuntut agar penyanyi dan instrumentalis harus mampu melakukan dengan tenggorokan dan instrumen mereka apa pun yang dapat ia mainkan pada clavier, tetapi ini tidak mungkin … Turgiditas telah membawanya [dari] ke alam, buatan, dan dari tinggi ke suram ; dan … seseorang mengagumi kerja keras dan usaha yang tidak biasa – yang, bagaimanapun, sia-sia digunakan, karena mereka bertentangan dengan Alam.

Desakan Scheibe pada kejelasan dan kemudahan kinerja mengisyaratkan perubahan besar dalam estetika musik: sepanjang caciannya, wasit terakhir dari rasa bukanlah Plato atau Aristoteles, tetapi pada akhirnya pendengar dan pemain itu sendiri. Penekanan baru pada ekspresi melodi langsung dan arsitektur musik yang jernih ini menunjukkan jalan menuju periode klasik, zaman Mozart dan Haydn.

Era barok di zaman modern

Meskipun periode barok berakhir lebih dari 250 tahun yang lalu, sisa-sisa era dapat didengar di mana-mana. Beberapa komposisi yang paling berpengaruh dan dicintai secara teratur dilakukan di ruang konser, dan banyak rekaman membuat barok tersedia sesuai permintaan. Banyak genre musik yang masih digunakan sampai sekarang, seperti oratorio, concerto, dan opera, berasal dari masa itu. Komposer abad kedua puluh seperti Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky dan Benjamin Britten memberi penghormatan kepada baroque dalam karya-karya mereka. Pengaruhnya bahkan dapat didengar di luar bidang musik seni: gerakan bebas antara solo dan grup dalam jazz kadang-kadang dibandingkan dengan musik barok, dan cuplikan Bach dan Vivaldi sering muncul dalam solo gitaris heavy metal. Dan semangat barok – keyakinan teguh pada kekuatan musik untuk menyentuh kehidupan orang-orang – mengubah sejarah musik selamanya.

Apa itu “barok,” dan kapan periode Barok?

Berasal dari barroco Portugis , atau “mutiara berbentuk aneh,” istilah “baroque” telah banyak digunakan sejak abad kesembilan belas untuk menggambarkan periode dalam musik seni Eropa Barat dari sekitar 1600 hingga 1750 .

Membandingkan beberapa karya terbesar sejarah musik dengan mutiara yang cacat mungkin tampak aneh bagi kita hari ini, tetapi bagi para kritikus abad kesembilan belas yang menerapkan istilah itu, musik era Bach dan Handel terdengar terlalu dihiasi dan dibesar-besarkan. Setelah lama melepaskan konotasi yang merendahkan, “barok” sekarang hanyalah tangkapan yang nyaman – semua untuk salah satu periode terkaya dan paling beragam dalam sejarah musik.

Selain memproduksi musik Eropa paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita, termasuk Pachelbel’s Canon dan The Four Seasons dari Vivaldi ., era Barok juga sangat memperluas cakrawala kita. Penerimaan teori Copernicus abad ke-16 bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi menjadikan alam semesta tempat yang jauh lebih besar, sementara karya Galileo membantu kita untuk lebih mengenal kosmos.

Kemajuan teknologi, seperti penemuan teleskop, membuat apa yang diyakini terbatas tampak tak terbatas. Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menangani pertanyaan besar tentang keberadaan. Genius seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menawarkan perspektif unik melalui karya seni mereka. Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan luar negeri dan kolonisasi, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal.

Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?

Banyak kepribadian terkenal dari bagian pertama periode Barok berasal dari Italia, termasuk Monteverdi , Corelli dan Vivaldi . (Pada pertengahan abad kedelapan belas, fokus kami beralih ke komposer Jerman Bach dan Handel.) Banyak bentuk yang diidentifikasi dengan musik Barok berasal dari Italia, termasuk kantata, konser, sonata, oratorio, dan opera. Meskipun Italia memainkan peran penting dalam pengembangan genre-genre ini, konsep-konsep baru tentang apa artinya menjadi sebuah negara meningkatkan imperatif “gaya nasional.”

Perbedaan antara negara-negara sering terdengar dalam musik dari periode itu, tidak hanya dalam cara musik dikomposisi, tetapi juga dalam konvensi kinerja; yang sangat jelas adalah perbedaan antara Italia dan Prancis. Meskipun negara-negara tertentu tampaknya mengklaim bagian yang lebih besar dari pengalaman kami tentang musik Barok hari ini, bagaimanapun, setiap negara memainkan peran. Ketika para musisi dan komposer melakukan perjalanan ke seluruh Eropa dan mendengar musik satu sama lain, kebaktian baru yang mereka temui membuat kesan yang halus pada mereka.

• Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico dan Alessandro Scarlatti
• Prancis: Couperin, Lully, Charpentier, dan Rameau
• Jerman: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel dan Bach
• Inggris: Purcell

Apa filosofi musik Barok?

Meskipun satu filosofi tidak dapat menggambarkan 150 tahun musik dari seluruh Eropa, beberapa konsep penting dalam periode Baroque.

Kepercayaan pada musik sebagai alat komunikasi yang kuat.

Sumber Foto : www.depoxito.com

Salah satu aliran filosofis utama dalam musik Barok berasal dari minat Renaisans terhadap ide-ide dari Yunani dan Roma kuno. Orang Yunani dan Romawi percaya bahwa musik adalah alat komunikasi yang kuat dan dapat membangkitkan emosi apa pun pada pendengarnya.

Sebagai hasil dari kebangkitan kembali ide-ide ini, komposer menjadi semakin sadar akan kekuatan potensial musik, dan menumbuhkan kepercayaan bahwa komposisi mereka sendiri dapat memiliki efek yang sama jika mereka dengan benar meniru musik kuno. Sebagai sarjana humanis Perancis Artus Thomas menggambarkan pertunjukan di akhir abad keenam belas,

Pada 1605, komposer Italia Claudio Monteverdi sebenarnya mendefinisikan praktik “pertama” dan “kedua”: dalam yang pertama, harmoni dan tandingan didahulukan dari teks; dalam hal yang kedua, kebutuhan untuk mengungkapkan makna kata-kata melampaui keprihatinan lain. Dalam barok, semangat latihan kedua — menggunakan kekuatan musik untuk berkomunikasi — yang mendominasi era.

Realitas perlindungan

Setiap diskusi tentang filosofi artistik komposer Baroque harus diatasi, setidaknya sedikit, oleh kenyataan hidup mereka. Di zaman modern, seniman sering mencari nafkah dengan memproduksi jenis seni yang mereka inginkan. Karena itu, kita sering menganggap seniman — dan tingkat inspirasi artistiknya — sebagai titik awal untuk sebuah karya seni.

Namun, sepanjang sebagian besar era Baroque, komposer hanya mendapat penghasilan dari menulis musik jika mereka cukup beruntung untuk menjadi penggajian lembaga politik atau agama. Oleh karena itu, kebutuhan musikal lembaga itu menentukan musik yang dihasilkan komposer. Bach menulis jumlah kantata yang dia lakukan, misalnya, tidak harus karena dia menemukan bentuk inspirasional, tetapi karena tuntutan liturgi gereja Leipzig yang mempekerjakannya.

Lihat Juga : Biografi Musik Chopin & Pengontrolan Format Baroque Skala Besar

Jika Anda ingin berolahraga kekuatan fisik, olahraga. Tetapi jika Anda ingin meningkatkan kekuatan otak Anda, dengarkan musik barok. Mengapa? Karena manfaat mendengarkan musik barok untuk otak dan kesehatan tubuh secara keseluruhan, sangat besar.

Musik barok, dianggap mampu membantu menghilangkan stres, mereka membuat kita merasa lebih energik, dan bahkan dapat membantu menghilangkan rasa sakit. Siapa sangka, pemeliharaan kesehatan bisa dilakukan dengan cara yang menyenangkan.

Mental untuk kesehatan fisik, ini dia penjelasan lebih lengkap tentang manfaat mendengarkan musik barok untuk tubuh kita.

1. Membantu mengurangi stres

Anda mungkin sering mengalami, ketika Anda stres dan kemudian mendengarkan lagu favorit, pikiran dan kemudian secara bertahap menjadi lebih tenang. Ini bukan kebetulan dan ada penjelasan ilmiah di baliknya.

Mendengarkan musik barok, ternyata bisa mengurangi kadar kortisol dalam tubuh. Kortisol adalah hormon yang bertanggung jawab dalam merespons stres.

Musik barok juga dapat memengaruhi aktivitas fisiologis dalam tubuh, seperti detak jantung, suhu tubuh, dan tekanan darah.

Musik barok dengan irama lambat, dianggap mengurangi jumlah detak jantung, laju pernapasan, dan tekanan darah. Sementara itu, musik yang bergerak cepat memiliki efek sebaliknya.

2. Meringankan Gangguan Kecemasan

Bagi orang-orang yang memiliki riwayat mengalami gangguan kecemasan ringan hingga parah, mendengarkan musik dapat membuatnya lebih santai. Karena musik bisa menjadi pengalih perhatian yang baik.

Manfaat mendengarkan musik pasien kanker ini yang sedang menjalani perawatan juga dirasakan. Dengan musik, pasien merasa lebih tenang, sehingga komunikasi dengan orang-orang terdekat mereka selama perawatan bisa lebih lancar.

Musik juga dapat meningkatkan kenyamanan selama perawatan kanker, membuat suasana pengobatan lebih baik.

3. Meningkatkan kemampuan kognitif

Mendengarkan musik dan memainkan alat musik berkaitan erat dengan peningkatan fungsi kognitif dan intelektual.

Karena itu, ketika kita mengerjakan sesuatu yang kognitif seperti menulis atau membaca, tidak ada yang hilang untuk dilakukan saat mendengarkan musik.

4. Baik untuk diet

Manfaat mendengarkan musik dalam hal ini tidak diharapkan. Diet dan musik dapat dihubungkan, karena melalui aktivitas mendengarkan musik dengan ritme yang lambat dan pencahayaan yang ringan, kita akan merasa lebih rileks. Karena itu, kita akan makan lebih lambat dan dengan cepat memperhatikan rasa kenyang.

5. Dapat menghilangkan rasa sakit

Meskipun hubungan antara musik dan hilangnya rasa sakit tidak jelas, para ahli percaya ini ada hubungannya dengan produksi opiat di otak.

Opioid adalah komponen di otak yang dapat bertindak sebagai penghilang rasa sakit alami.

6. Meningkatkan daya ingat

Bagi sebagian orang, belajar sambil mendengarkan musik dapat membuatnya lebih mudah untuk mengingat topik pelajaran. Tentu saja, ini tergantung pada jenis musik dan selera masing-masing orang.

Shutterstock memainkan ilustrasi musik ilustrasi musik

7. tidur lebih nyenyak

Menggunakan terapi musik dianggap efektif dalam mengurangi gangguan tidur seperti insomnia. Mendengarkan musik klasik yang rileks, Anda bisa membuat tidur lebih nyenyak.

8. Meningkatkan mood

Baik itu musik klasik, dangdut, atau pop, mendengarkan lagu-lagu favorit, itu telah terbukti meningkatkan mood.

Sebab, mendengarkan musik favorit akan memicu pelepasan dopamin dalam tubuh. Dopamin adalah bahan kimia yang menyebabkan kesenangan dan kebahagiaan.

9. Membantu mengurangi gejala depresi

Bagi penderita depresi, mendengarkan musik klasik dan musik yang digunakan untuk meditasi dapat memiliki efek yang baik pada suasana hati. Sementara itu, jenis musik, seperti metal dan techno, tidak efektif dalam menghilangkan gejala depresi.

10. Tingkatkan resistensi

Berolahraga sambil mendengarkan musik akan membuat kita lebih antusias dan menentang. Ketika dieksekusi, misalnya, pilih musik, di mana langkahnya dapat dilanjutkan.

Itu selain berjalan, akan menjadi lebih bersemangat, perlawanan mereka juga bagus. Karena itu, kita bisa berolahraga lebih lama. Jenis musik apa yang efektif untuk memberikan manfaat kesehatan?

Tren saat ini adalah bahwa musik dengan kecepatan cepat digunakan untuk olahraga dan musik dengan kecepatan lambat digunakan untuk relaksasi.

Jika Anda cocok dengan pola ini, silakan ikuti. Tetapi jika tidak, Anda bebas memilih yang lain.

Penggunaan musik sebagai terapi adalah masalah selera dan tidak selalu sama. Mungkin Anda termasuk di antara mereka yang merasa lebih santai ketika mendengarkan musik rock, dibandingkan dengan ketika mendengarkan musik klasik.Atau lebih tepatnya, mendengarkan musik rock hanya membuat suasana hatinya lebih buruk.

Baca juga : Keindahan Musik Barok 

Musik Rococo dalam sepersekian detik mencolok. Ini adalah musik ekspresif yang menyenangkan dengan sejumlah film terkenal. Musik instrumental yang menginspirasi yang sering digunakan dalam publikasi, dan dalam pertempuran terbuka. Untuk alasan apa itu digunakan secara teratur? Karena ia memiliki kapasitas luar biasa untuk mengangkat jiwa manusia, dan menetapkan pola pikir kegembiraan yang besar.

Ornate adalah gaya musik gaya lama yang dibuat antara kira-kira 1600 – 1750. Ini sering dipartisi ke dalam Barok (Baroque) Awal, yang berlangsung hingga pertengahan abad ketujuh belas, dan melihat kemajuan mendasar dari gaya. Barok Tengah, sampai akhir abad ketujuh belas, terakhir Barok Akhir, yang berakhir dengan berlalunya J.S.Bach dan G.F. Handel tahun 1759.

Nama ‘boros’, berasal dari kata Portugis ‘barocco’, yang berarti mutiara yang dibentuk secara tidak biasa. Itu adalah lepas landas yang luas dari musik yang diatur pada waktu itu, dan lebih mungkin daripada tidak tampak sangat aneh bagi audiens kontemporer. Dari awalnya itu adalah musik jiwa, dan perasaan. Diusulkan untuk mengungkapkan mungkin kondisi paling penting dari pengalaman manusia.

Musik mewah memiliki berbagai atribut khusus yang mendukung penyajiannya. Proyeksi perasaan yang solid, dan perasaan dunia lain yang tersembunyi. Ini adalah gaya yang menggunakan diferensiasi yang solid untuk mengangkat dampak emosional, misalnya membedakan berbagai bidang bagian satu sama lain. Dengan bidang-bidang yang moderat dan cepat, barangkali. Sebuah topik dasar yang bertentangan dengan penjabaran dan kemajuan yang membingungkan. Semua untuk mencapai dampak sensasional paling ekstrem. Kenyataannya, seluruh pemikiran untuk menghubungkan lagu dan bass berasal dari periode ini, dengan bagian bass yang kokoh memberikan kemapanan dan struktur yang kuat untuk membuat dan menguraikan berbagai topik dan komponen yang berbeda.

Untuk musik gaya amatir hingga gaya lama, ada banyak penulis luar biasa dari kerangka waktu Baroque yang layak disingkirkan dari upaya untuk mendengarkan. Salah satu kesenangan dari musik ini terletak pada secara khusus menemukan banyak kekayaan yang akan dialami, ketika Anda menyelidiki musik ini dari empat ratus tahun yang lalu. Namun yang masih begitu tersedia bagi kita hari ini.

Secara umum diakui dalam hal apa pun, bahwa tiga penulis secara khusus melambangkan pencapaian mendasar dari kemerahan tersebut. Johann Sebastian Bach (1685-1750), Handel George Frideric (1685-1759) dan Antonio Vivaldi (1678-1741). Sementara banyak yang lain, misalnya, Corelli, Purcell dan Scarlatti juga signifikan dalam peningkatan musik baru ini.

Dengan begitu banyak harta karun untuk melihat-lihat, sulit untuk menentukan dari mana harus memulai. Meskipun begitu, audiens yang ingin mengambil pemahaman yang lebih menonjol dari gaya bisa berpikir tentang bagian-bagian yang menyertainya dalam penyelidikan yang mendasarinya. Dari dibuat oleh J.S. Bach, keputusan besar adalah Konser Brandenburg yang diakui. Bach menyusun pengaturan enam konser ini pada tahun 1721, dan mengabdikannya untuk Christian Ludwig, Margrave dari Brandenburg. Mereka menyusun mungkin aplikasi kerja melodi utama, seperti yang Bach cari setelah bekerja dengan Margrave. Tragisnya bagi Bach, tawaran pekerjaan tidak pernah muncul, namun Konser Brandenburg tetap menjadi showstopper yang diakui dari si kemerahan.

Yang abadi paling dicintai untuk pengagum semacam ini, telah secara konsisten menjadi G.F.Handel’s Water Music Suite. Dibuat pada tahun 1717 untuk pesta saluran air terperinci di Sungai Thames, dikunjungi oleh Raja George 1. Tepatnya, lima puluh seniman telah menyiapkan kapal pengangkut barang, yang mengejar ledakan Raja sendiri dalam kemajuan megah di sungai. begitu terkenal dengan keagungannya, sehingga dia mengatakan telah menyebutkan para artis untuk melakukan itu untuk dua kali pembalasan lebih lanjut. Sementara oratorio Handel The Messiah, dibuat tahun 1741, mungkin merupakan salah satu bagian paduan suara paling terkenal yang pernah ada.

Dampak Italia solid sepanjang periode hiasan, dan sedang berlangsung Antonio Vivaldi kita mungkin memiliki contoh terbaik. Vivaldi populer karena banyaknya karya yang ia ciptakan di masa hidupnya. Namun pilihan utama yang menderita, dan satu yang dapat diresepkan kepada siapa pun yang baru mengenal musik kemerahan, adalah pengaturan empat concerto biola yang disebut The Four Seasons. Bagian mengejutkan ini dibuat pada tahun 1723, adalah gambar melodi yang mengingatkan pada setiap periode tahun, Musim Semi, Musim Panas, Musim Gugur dan Musim Dingin. Setiap segmen berupaya untuk menunjukkan karakter musim tertentu, dari vitalitas musim semi, melalui kehalusan jatuh, ke ketajaman dingin musim dingin.

Musik Rococo adalah musik Pencerahan, kemajuan baru dalam sains, penalaran, dan penulisan. Tentang harapan dan harapan, keyakinan pada manusia dan potensi luar biasa untuk kemajuan. Sebuah festival kecenderungan yang signifikan dan visi yang didorong yang masih memiliki kemampuan untuk memasuki kita dalam pesona hari ini.