Bach Collegium Japan membawa telinga baru ke musik Barok

Bach Collegium Japan membawa telinga baru ke musik Barok

Di Jepang, tanah Harta Karun Nasional Hidup, seniman dan pengrajin dapat menerima pengakuan formal—dan tunjangan negara—untuk karya mereka dalam berbagai disiplin ilmu seperti gagaku , kabuki, pembuatan boneka, pengerjaan logam, dan tenun. Idenya adalah untuk melestarikan apa yang disebut Properti Budaya Takbenda: tradisi estetika yang membantu mendefinisikan identitas Jepang dan yang terus memberikan pengaruh terhadap budaya Jepang kontemporer.

Jadi tidak mengherankan bahwa negara kepulauan akan ramah terhadap arah saat ini dalam musik awal: kinerja berdasarkan sejarah, di mana perangkat yang pernah diabaikan tetapi secara historis akurat seperti improvisasi digunakan untuk menghidupkan skor kuno, dan penggunaan instrumen atau reproduksi periode daripadanya, yang berbeda dalam suara dan penampilan dari model-model selanjutnya. Bach Collegium Japan, yang menggelar konser Early Music Vancouver akhir pekan ini, menganut keduanya, dan diterima dengan antusias di rumah. Namun menurut pendiri, kibordis, dan konduktornya, Masaaki Suzuki, itu bukan karena rasa hormatnya yang dalam terhadap masa lalu.

Sebaliknya, ia menjelaskan dalam sebuah wawancara telepon dari Los Angeles, itu karena, di telinga orang Jepang, musik Johann Sebastian Bach dan orang-orang sezamannya terdengar menarik dan baru.

“Komposisi Bach, terutama karya vokal, cukup jauh dari jenis bahasa Jepang dan juga budayanya,” kata Suzuki dengan hati-hati tetapi dengan aksen Inggris yang kental kepada blog http://69.16.224.147/. “Jadi segala sesuatu yang saya sukai selama masa sekolah saya dan juga nanti sangat segar.…Dari segi bahasa, misalnya, kami tidak memiliki kesamaan. Tetapi begitu Anda mempelajari teks bahasa Jerman, Anda dapat memahami betapa pentingnya memiliki pelafalan yang baik dan aksen serta intonasi yang benar dan seterusnya.

“Tentu saja kami semua orang Jepang, jadi kami sangat dipengaruhi oleh latar belakang dan budaya Jepang kami,” lanjutnya. “Tapi tetap saja, Anda tahu, ada begitu banyak perbedaan antara budaya Jepang dan Eropa—terutama budaya Jerman. Itu membuatnya lebih segar.”

Bach Collegium Japan

Suzuki diperkenalkan dengan musik Barok sebagai mahasiswa di Universitas Tokyo; dia mengutip rekaman tahun 1950-an yang inovatif dari Nikolaus Harnoncourt dan Concentus Musicus Wien sebagai yang sangat berpengaruh. Kemudian, ia pindah ke Amsterdam, di mana ia belajar dengan royalti musik awal dalam bentuk konduktor dan pemain keyboard Ton Koopman. Selama 28 tahun terakhir, dia dan Bach Collegium Japan telah membalas budi para mentornya dengan serangkaian rekaman Bach yang diterima dengan baik, termasuk edisi definitif multidisc dari kantata lengkap.

Orang Jerman yang hebat akan berperan dalam pertunjukan EMV Bach Collegium Jepang yang akan datang; Suzuki dan perusahaan akan membukanya dengan Orchestral Suite No. 2 di B Minor . Tetapi prinsip pengorganisasian di balik program ini adalah untuk melihat secara dekat lingkungan yang menghasilkan Bach, menggunakan skor oleh komposer lain yang dia miliki, pelajari, tampilkan, dan dalam beberapa kasus dikerjakan ulang untuk musisi yang dia miliki.

Sezaman terkenal Bach Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, dan George Frederick Handel akan diwakili, tetapi begitu juga dua komposer Italia dengan keterampilan yang sebanding tetapi kurang terkenal, Francesco Conti dan Alessandro Marcello.

“Bach tertarik pada komposer karya vokal, dan dia telah membuat salinan [ Languet anima mea karya Conti ],” kata Suzuki tentang lagu yang akan dinyanyikan di sini oleh soprano tamu Joanne Lunn. “Juga, dia telah menambahkan dua obo dan bassoon ke karya vokalnya. Bagian ini juga memiliki semacam teks setengah suci, dan itu adalah hal yang sangat menarik. Kami sebenarnya sudah merekam ini, tapi rekaman itu belum dirilis—tapi saya sangat senang bisa menampilkannya.”

Oboe Concerto in D Minor karya Marcello , lanjutnya, cukup populer pada awal abad ke-18—dan baru-baru ini menikmati kelahiran kembali yang tak terduga di Jepang. “Bach telah mengaransemen karya ini untuk para musisi istana Habsburg; ada 17 aransemen Bach untuk solois Habsburg—banyak dari mereka adalah concerti komposer Italia—dan ini salah satunya. Sebenarnya, gerakan pertama dari oboe concerto Marcello pernah digunakan untuk iklan TV Jepang cukup lama, jadi musik ini sudah cukup populer di Jepang.”

Apakah kita dapat menyimpulkan sesuatu tentang soul Jepang atau musik Barok dari sini, Suzuki tidak mengatakannya. Tapi itu adalah hal yang pasti bahwa program yang dia buat untuk tur Bach Collegium Jepang di Amerika Utara akan menawarkan wawasan baru tentang musik yang, ya, masih terdengar segar 300 tahun setelah dibuat.

“Bach tidak pernah bepergian, hanya melalui musik,” Suzuki menunjukkan. “Jadi sangat menarik untuk mengetahui sumbernya, dan melihat perpustakaannya. Saya selalu sangat, sangat tertarik dengan apa yang dia dengarkan dan apa yang dia alami—dan memahami musiknya juga sangat membantu.”

Ternyata Musik Barok Meningkatkan Konsentrasi dan Pembelajaran

Ternyata Musik Barok Meningkatkan Konsentrasi dan Pembelajaran

Selama beberapa bulan terakhir Anda telah mendengar tentang bagaimana musik klasik dapat membantu Anda rileks, belajar, dan berkembang.

Dan ternyata ada satu periode musik klasik yang layak dipilih karena sangat ampuh untuk membantu Anda fokus. Bahkan, di tangan beberapa ahli kesehatan, musik Barok mungkin bisa menyelamatkan nyawa.

Beberapa tahun yang lalu, seorang ahli radiologi bernama Dr Mohiuddin menjadi tertarik untuk mengeksplorasi bagaimana dia dan rekan-rekan ahli radiologi dapat membuat perubahan kecil pada lingkungan kerja mereka untuk membantu mereka menangani beban kerja mereka yang sangat besar.

Menurut Ahli

Menurut Ahli

Ahli radiologi menghabiskan banyak waktu mereka di ‘ruang baca’ di mana mereka menganalisis pemindaian dan gambar pasien, mencari kelainan terkecil sekalipun. Ini adalah pekerjaan yang melelahkan dan taruhannya tinggi. Setelah berbicara dengan salah satu rekannya, Dr Mohiuddin menyadari bahwa mereka berdua melaporkan manfaat dari mendengarkan musik Barok (musik dari sekitar tahun 1600-1750) di headphone saat mereka bekerja! Dia memutuskan untuk menguji apakah musik meningkatkan konsentrasi.

Dia meminta semua ahli radiologi di rumah sakitnya ambil bagian. Selama beberapa minggu mereka mendengarkan musik Vivaldi dan Handel melalui headphone saat mereka bekerja.

Produktivitas ahli radiologi meningkat. Jumlah slide radiologi yang mereka dapatkan di ruang baca meningkat. Mereka melaporkan akurasi yang lebih besar dalam pekerjaan mereka dan kepuasan kerja mereka juga meningkat. Tapi tidak hanya itu. Dr Mohiuddin meminta mereka melakukan beberapa tes sebelum dan sesudah percobaan dan menemukan bahwa mendengarkan musik Barok dikaitkan dengan peningkatan penalaran spasial, perhatian, dan konsentrasi mereka.

Selain itu, penelitian pencitraan otak di luar China yang dipimpin oleh Dr R. Gu menemukan bahwa mendengarkan musik Barok (mereka menggunakan musik oleh Vivaldi) memiliki pengaruh positif terhadap efisiensi belajar, yaitu pada kemampuan Anda untuk memperhatikan dan mengingat sesuatu. Musik barok dengan karakteristik tertentu (termasuk tempo antara 50 dan 80 ketukan per menit dan frekuensi menengah ke bawah tertentu) sangat efektif.

Dr. Gu percaya bahwa keefektifan ini disebabkan oleh musik Barok yang merangsang gelombang alfa dengan sangat baik. Gelombang alfa dominan ketika Anda benar-benar berada di saat ini, Anda merasa di sini dan sekarang, mampu membawa perhatian Anda ke tugas yang ada.

Mengutip para peneliti di ionclub , “penelitian pencitraan otak menggunakan electroencephalography menemukan bahwa musik Barok dapat membawa keadaan pikiran yang seimbang, stabil, tenang dan meningkatkan efisiensi belajar.”

Jadi begitulah, dapatkan beberapa Baroque ke dalam hidup Anda untuk membantu fokus dan produktivitas serta suasana hati Anda!

Baca juga artikel berikut ini : Karakteristik Musik Barok-Semua yang perlu Anda ketahui.

Karakteristik Musik Barok-Semua yang perlu Anda ketahui.

Karakteristik Musik Barok-Semua yang perlu Anda ketahui.

Periode musik barok kira-kira antara 1600 dan 1750. Dalam panduan lengkap ini, saya akan membahas karakteristik musik Barok, contoh musik barok, dan beberapa komposer dari masa itu.
Musik periode barok sangat rumit, seperti furnitur dan arsitekturnya. Desain megah dan hiasan daun emas adalah ciri khas arsitektur barok.
Komposer periode menggunakan ornamen dan tekstur polifonik untuk menghias musik.

Definisi Musik Barok

Kata Barok adalah bahasa Prancis dan berasal dari kata Portugis ‘barrock’ yang diterjemahkan menjadi ‘Mutiara yang cacat’.
Gayanya yang penuh semangat dan musik berornamen tinggi sangat cocok dengan judul ini. Periode sejarah musik Barok menghasilkan beberapa contoh musik paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita saat ini.
Karya-karya ini termasuk Canon Pachelbel dan The Four Seasons karya Antonio Vivaldi.

Apa yang terjadi di dunia selama musik era barok?

Beberapa peristiwa penting terjadi selama periode ini, dan dunia terlihat berubah dengan cepat.
Orang-orang memperoleh pengetahuan yang jauh lebih baik tentang Semesta, melalui karya Galileo dan penerimaan teori abad ke-16 Copernicus bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi.
Teknologi semakin maju, dan penemuan teleskop sangat penting.

Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menjawab pertanyaan besar tentang keberadaan dan seniman seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menggambarkan ini dalam karya mereka.
Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan dan penjajahan luar negeri, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal.

Apa yang terjadi di dunia selama musik era barok?

Karakteristik Musik Barok

Ornamen dan penggunaan tulisan polifonik sering kali dapat membuat musik terdengar sangat rumit dan terkadang disonan.
Namun, tidak semua musik periode barok memiliki trills dan part writing. Ketika ciri-ciri barok ini hilang, para siswa seringkali kesulitan membedakan karya barok dari periode lain.
Ada banyak ciri dari periode ini yang sering diabaikan oleh siswa. Ini adalah kunci untuk memastikan bahwa gaya musik diidentifikasi dengan benar.

Ciri-ciri Musik Barok Lebih Detail

Ketika melihat periode musik barok, ada elemen kunci tertentu yang sering digunakan oleh komposer musik barok.
Itu tidak berarti bahwa perangkat komposisi ini tidak digunakan dalam periode sejarah lainnya. Namun, selalu baik untuk melihat beberapa karakteristik dalam musik sebelum menentukan periode mana yang mungkin akan ditulis.

Mengenali karakteristik musik sering diperlukan dalam ujian musik, itulah sebabnya orang mempelajari aspek-aspek kunci dari era musik barok.
Namun, memahami latar belakang sejarah, bentuk musik barok, dan fitur musik barok lainnya akan meningkatkan permainan Anda.

Musik Barok – Melodi

Musik berasal dari ide melodi tunggal seperti yang ditunjukkan di bawah tanda kurung pada contoh di bawah ini.

Irama Musik Barok

Musik memiliki dorongan ritmis terus menerus dengan sedikit atau sedikit istirahat.

Dinamika Musik Barok

Dinamika bertingkat sering digunakan oleh pemain ketika frase diulang.
Istilah dinamika bertingkat diadopsi pada akhir abad kesembilan belas dan merupakan sesuatu yang dipilih sebagian besar pemain saat memainkan musik barok.
Penggunaan imitasi sangat produktif dalam musik barok, dan dinamika bertingkat adalah salah satu cara untuk menciptakan minat pada frasa. Kemunculan pertama sebuah motif seringkali ‘keahlian’ dan ketika diulangi, motif tersebut dimainkan ‘piano’. Ini menciptakan efek gema.

Tanda dinamis pada contoh di bawah ini adalah editorial.

Concerto Grosso fafafa mungkin adalah salah satu alasan populernya dinamika bertingkat. Bagian ripieno yang bergantian dengan concertante secara alami akan memberikan hasil bagian yang keras dan hening.

Harpsichord tidak memiliki jangkauan dinamis, dan penemuan piano pada tahun 1709 merupakan upaya untuk mengatasi hal ini. Bach sendiri tercatat berbagi kegembiraannya bahwa volume secara bertahap dapat diubah pada keyboard baru.

Tekstur Musik Barok

Tekstur musik barok biasanya homophonic (melodi dengan harmoni akord) atau polifonik dalam tekstur.

Genre Musik Barok

Genre Musik Barok

Sebelum periode Barok, musik hampir secara eksklusif ditulis untuk layanan keagamaan dan diizinkan untuk variasi minimal.
Sebagai periode Baroque berkembang, musik sekuler ditulis untuk royalti dan pengadilan menjadi populer. Itu digunakan sebagai sumber hiburan.

Suite Tari Musik Barok

Sebuah suite barok adalah gaya penting dari periode Barok. Ini terdiri dari kumpulan tarian, biasanya Allemande, Courante, Sarabande dan Gigue.
Meskipun karya-karya ini terinspirasi oleh tarian, mereka ditulis untuk didengarkan, bukan untuk ditarikan.

Musik Barok-Fugue

Misalkan Anda meminta ide musik barok untuk dipelajari oleh pianis mana pun. Dalam hal ini, 48 Prelude and fugues oleh Bach tidak diragukan lagi akan menjadi salah satu jawabannya. Bentuk fugal adalah favorit periode ini.
Ini memiliki tekstur kontrapuntal di mana bagian-bagiannya saling meniru. Biasanya ada tiga empat bagian yang dikenal sebagai suara, dan seluruh bagian berkembang dari satu ide musik.
The Fugue dimulai dengan pernyataan ide musik dalam kunci tonik. Ini disebut pernyataan fugal. Suara-suara lain kemudian masuk dengan pernyataan, dalam struktur yang bergantian mulai dari nada tonik dan dominan.

Demokratisasi Musik Barok yang Memusingkan

Demokratisasi Musik Barok yang Memusingkan

Gerakan musik dari situs slot awal telah mengubah tidak hanya cara musisi bermain—tuning, timbre, teknik, gaya—tetapi juga apa yang mereka mainkan. Beberapa generasi yang lalu, program musik Barok didominasi oleh nama-nama berbintang seperti Monteverdi, Vivaldi, Handel, dan Bach. Namun, menjadi jelas bahwa teori auteur Baroque, yang membatasi perbendaharaan hanya beberapa master, menekan sejumlah besar musik yang bagus. Salah satu tanda dari pandangan yang muncul ini adalah saran, dari ahli musik, bahwa “Pur ti miro,” salah satu arias paling dicintai di Monteverdi, mungkin sebenarnya ditulis oleh Francesco Sacrati atau oleh Benedetto Ferrari. Pertanyaan berikutnya yang jelas adalah karya mereka yang mana yang layak untuk didengar. Dalam beberapa tahun terakhir, perbendaharaan Barok telah mengalami demokratisasi yang memusingkan, karena dua konser tengah musim dingin di New York dibuat sederhana. Di Weill Hall, countertenor Polandia Jakub Józef Orliński menyanyikan musik Nicola Fago, Domènec Terradellas, Gaetano Maria Schiassi, dan Johann Adolf Hasse, bersama sedikit Vivaldi. Di Kapel Fuentidueña, di Biara, ansambel Sonnambula mendasarkan program di sekitar komposer Flemish Leonora Duarte. Ketiadaan selebriti sejarah hampir tidak mengganggu kehadiran; kedua acara dimainkan hingga full house.

Duarte, yang hidup dari tahun 1610 hingga sekitar tahun 1678, termasuk dalam komunitas converso Antwerpen—Yahudi yang melarikan diri dari Portugal dan Spanyol dan masuk Katolik. Diego Duarte I, kakek Duarte, mendirikan bisnis perhiasan yang berkembang pesat yang kemudian memiliki berbagai klien terkenal, termasuk Raja Charles I dari Inggris. Keluarga Duarte, yang kaya akan budaya, terkenal dengan malam musiknya; Leonora dan kelima saudaranya semua bernyanyi atau memainkan alat musik. Polimath Inggris Margaret Cavendish, pengunjung tetap, menulis bahwa suara Duarte “Mengundang dan Menarik Jiwa dari semua Bagian Tubuh lainnya, dengan semua Gairah Cinta dan Cinta, untuk duduk di Gua Berongga Telinga, seperti dalam Kubah Kamar, di mana ia Mendengarkan dengan Kegembiraan, dan Disibukkan dengan Kekaguman.” Pengunjung lain mengatakan bahwa dia pernah mendengar pembuatan musik yang sebanding hanya di bawah Monteverdi di Venesia—sebuah pujian yang luar biasa.

Seniman Flemish Gonzales Coques, yang belajar di studio Brueghel, melukis potret indah Duartes dalam mode musik. Karya-karya tertentu oleh Vermeer juga dapat memberikan gambaran sekilas tentang dunia mereka. Diego Duarte II, saudara sang komposer, memiliki sebuah Vermeer—mungkin “A Young Woman Seated at a Virginal,” yang sekarang digantung di Galeri Nasional di London—dan pelukis itu mungkin telah menjualnya langsung ke keluarga. Mungkinkah Duarte menjadi salah satu wanita musikal Vermeer yang termenung? Buktinya kurang, tapi tidak ada salahnya membayangkan. Saat Sonnambula bermain di Kapel Fuentidueña, gambar dua Vermeer diproyeksikan di dinding.

Informasi Lebih Lanjut Seputar Demokrasi Musik Barok

Informasi Lebih Lanjut Seputar Demokrasi Musik Barok

Tujuh Sinfonias oleh Duarte bertahan, hanya kurang dari dua puluh menit musik. Sonnambula mengisi program tersebut dengan karya-karya lain pada zamannya, termasuk karya-karya komposer Inggris: John Blow, William Brade, Alfonso Ferrabosco II, dan John Bull, yang tinggal di Antwerpen untuk sementara waktu. Seperti yang diamati oleh Elizabeth Weinfield, seorang pemain biola dan pemimpin Sonnambula dalam sebuah catatan program, musik Duarte mengacu pada tradisi permaisuri viol Inggris, yang berpusat pada nada viola da gamba yang introvert dan menyakitkan. Pada saat homofoni muncul ke depan — melodi di atas iringan — interaksi garis kontrapuntal Duarte akan memiliki suara yang agak kuno. Namun teksturnya cocok untuk keluarga yang berpikiran mandiri. Sangat menggoda untuk menggambarkan Sinfonia sebagai konstruksi seperti permata. Anda juga bisa membandingkannya dengan lukisan Vermeer, dalam skala kecil dan kedalaman tak terbatas.

Anggota Sonnambula—termasuk, selain Weinfield, pemain biola Jude Ziliak dan Toma Iliev, pemain gambus Amy Domingues dan Shirley Hunt, serta pemain keyboard dan tenor James Kennerley—berada di Cloisters musim ini, di bawah naungan dari program LiveArts Museum Met. Dalam kesempatan ini, Sonnambula berkolaborasi dengan penulis Teju Cole yang karyanya kaya akan referensi musik. Cole membacakan teks prosa pendek yang merenungkan kehidupan dan waktu Duarte. Dia mencatat bahwa tidak ada saudara Duarte yang memiliki anak, yang berarti bahwa keluarga tersebut telah menghilang dari Antwerpen pada akhir abad ketujuh belas. Duartes meninggal satu per satu, kata Cole, “seperti instrumen dalam permaisuri yang secara berurutan menjadi sunyi.” Selama satu jam yang luar biasa pada malam Februari yang dingin, dunia mereka menjadi hidup kembali.

Orliński, yang tampil di Weill dengan anggota New York Baroque Incorporated, adalah bagian dari gelombang hebat countertenor muda berbakat yang juga termasuk Philippe Jaroussky, Anthony Roth Costanzo, Iestyn Davies, Franco Fagioli, John Holiday, dan Aryeh Nussbaum Cohen. Popularitas opera Barok telah mendorong jenis suara ini keluar dari kategori khusus dan, dalam beberapa kasus, menjadi selebriti crossover. Jaroussky telah lama menjadi bintang media di Prancis. Costanzo telah memenangkan perhatian untuk penampilannya dalam “Akhnaten” karya Philip Glass—dia akan menyanyikan peran tersebut di Met musim depan—dan untuk tontonan multimedia yang kacau namun berkesan yang disebut “Glass Handel,” di mana dia menampilkan arias Glass dan Handel dengan kostum berornamen sementara penari berputar dan video diputar. Orliński, yang berusia dua puluh delapan tahun, adalah countertenor yang langka—mungkin satu-satunya countertenor—yang bisa break-dance. Dia dilaporkan memasukkan langkah yang disebut kincir angin ke dalam produksi “Erismena” karya Francesco Cavalli di Festival Aix-en-Provence, pada tahun 2017.

Karakteristik Umum Musik Periode Barok

Karakteristik Umum Musik Periode Barok

Antara tahun 1600 dan 1750 Eropa mengalami “pengangkatan wajah” yang luar biasa dalam seni Maxbet. Segala sesuatu mulai dari arsitektur, lukisan, patung, dan musik, berubah secara dramatis dalam penampilan dan suara dari periode sebelumnya yang dikenal sebagai “Renaisans”. Baca lebih lanjut untuk mengetahui Karakteristik Umum Musik Pada Periode Barok. Ini adalah salah satu dari enam periode berbeda dari musik seni barat.

Zaman Barok

Zaman Barok

Pada artikel ini, Anda akan mempelajari tentang karakteristik umum musik pada Zaman Barok. “Baroque” adalah periode dalam sejarah yang berkaitan dengan atau menunjukkan gaya arsitektur, musik, dan seni Eropa selama abad ke-17 dan ke-18. Sering disebut sebagai sangat boros, kompleks, dan selera aneh, Periode Barok dibawa oleh Gereja Katolik. Periode ini merupakan gerakan politik dan agama.

Buku-buku sejarah kita menyebut periode ini sebagai Kontra-Reformasi atau Kebangkitan Katolik. Mari kita telaah sedikit latar belakang sejarah ini agar lebih mudah memahami ciri-ciri zaman Barok.

Reformasi Protestan

Reformasi Protestan adalah revolusi agama di Eropa Barat yang berpusat pada keluhan terhadap Gereja Katolik. Gerakan ini dimulai oleh seorang biarawan bernama Martin Luther—pendukung reformasi gereja Kristen. Dia percaya bahwa gereja menyalahgunakan kekuasaannya dan tidak setuju dengan banyak praktiknya.

Reformasi Protestan ini merevolusi iman Kristen. Sebelum reformasi, gereja mengandalkan kelas atas yang berpendidikan untuk mengikuti jejaknya dan tidak mempertanyakan aturan dan doktrin yang ditetapkan oleh Gereja.

Kontra-Reformasi

Kontra-Reformasi

Sebagai akibat dari “Reformasi”, Gereja Katolik kehilangan pengikut dan membutuhkan rencana untuk membawa orang kembali ke gereja. Kontra-Reformasi adalah semua tentang penyebab ini. Dibutuhkan upaya bersama untuk mendorong seniman, pematung, arsitek, dan komposer untuk menciptakan gaya artistik baru yang sejalan dengan pemikiran ini.

Kehidupan Selama 1600-an

Kehidupan di Eropa selama era Barok dibangun dengan sistem berjenjang. Kelas-kelas itu dibagi sebagai berikut:

Bangsawan: 1–5%
Pendeta: 5-10%
Borjuasi (kelas menengah yang sedang tumbuh): 5-10%
Misa: 75–85%

Seiring dengan sistem tingkat, kondisi kehidupan selama periode ini sebagian besar terdiri dari rumah satu kamar atau gubuk yang dapat menampung hingga enam hingga delapan orang. Sangat sedikit privasi yang selalu terjadi dengan pengaturan hidup ini. Ada angka kematian bayi yang sangat tinggi. Banyak bayi tidak hidup untuk melihat ulang tahun pertama atau kedua mereka. Orang yang harus tinggal di rumah dengan penyakit ini adalah salah satu alasan utama kematian dini.

Karakteristik Seni Zaman Barok

Istilah “Baroque” berasal dari kata Portugis “Barocco” yang berarti mutiara atau batu yang tidak beraturan. Itu juga disebut sebagai idiom kompleks yang mencerminkan gejolak agama zaman itu. Gaya luar biasa yang dipromosikan oleh Gereja Katolik Roma dalam bentuk karya seni publik berskala besar yang menggambarkan elemen-elemen kunci dari Gereja Katolik.

Seni Renaisans

Seni Renaisans

Dibandingkan dengan era Barok adalah periode sebelum disebut Renaissance (Kelahiran Kembali). Periode ini dimulai di Italia dan fokus utamanya adalah perbaikan ide-ide klasik dalam karya seni selama periode 1400 hingga 1600. Lebih banyak perhatian pada humanisme dan lebih sedikit perhatian pada gereja dan kisah-kisah keagamaan ditekankan.

Hal tidak diketahui tentang barok opera di situs spadegaming

Hal Yang Tidak Diketahui Tentang Baroque Opera

Tur Inggris Musim Gugur 2013 Opera merayakan Venesia selama periode barok, saat opera seperti yang kita kenal lahir.

Itu adalah waktu yang menyenangkan dan kreatif, yang dilambangkan dalam perayaan hedonistik musim Karnaval dari situs spadegaming.

Kami akan menampilkan Agrippina karya Handel, Jason Cavalli dan The Coronation of Poppea karya Monteverdi, di samping konser musik sakral oleh Handel dan Vivaldi.

Berikut adalah sepuluh hal menarik dan tidak biasa tentang periode tersebut

1 Keberanian untuk senar

Keberanian untuk senar

Di era barok, biola, cello, dan alat musik petik lainnya memiliki senar yang terbuat dari usus hewan. Domba dan kambing adalah hewan yang paling umum digunakan, tetapi ketika persediaannya terbatas, segala sesuatu mulai dari babi hingga keledai dapat digunakan. Pemain barok di Old Street Band ETO masih menggunakan senar ‘catgut’ ini sampai sekarang.

2. Moral yang meragukan

Komposer Venesia abad ke-17 tidak terlalu peduli dengan moralitas. Tidak seperti opera selanjutnya, ada banyak contoh orang jahat yang tidak hanya menang, tetapi juga lolos begitu saja. Di Jason Cavalli, pahlawan randy tidur dan melalaikan tugasnya, tetapi semuanya ternyata baik-baik saja pada akhirnya.

Ini adalah duet terakhir, di mana Jason dan istrinya bersatu kembali.

3 Bisnis yang tidak terlalu serius

Pada abad ke-18 dan 19, opera menjadi terobsesi dengan pemisahan antara opera serius dan opera komik. Orang Venesia abad ke-17 tidak peduli dengan klasifikasi yang begitu mudah. Oleh karena itu, The Coronation of Poppea karya Monteverdi mengandung banyak elemen komik, meskipun Kaisar Nero melakukan hal-hal yang benar-benar jahat pada banyak karakter.

4 Pendidikan musik

Antonio Vivaldi menghabiskan 29 dari 63 tahun bekerja di lingkungan Ospedale della Pietà yang tampaknya tidak menarik, sebuah panti asuhan di Venesia. Namun, tidak seperti panti asuhan konvensional, ini adalah tempat utama untuk mendapatkan pendidikan musik. Vivaldi mengajar biola dan menulis musik paduan suara yang agung untuk penampilan siswa perempuan. Musik ini diaransemen ulang untuk counter-tenor (high male voice) di konser Music for A Venetian Orphanage ETO Musim Gugur ini.

Video tersebut menunjukkan pertunjukan Stabat Mater karya Vivaldi (yang juga ditampilkan dalam konser kami) di Milan pada tahun 2010.

5 Untuk orang-orang

Untuk orang-orang

Venesia memiliki gedung opera pertama di dunia. Sebelumnya, pertunjukan opera hanya berlangsung di istana dan istana bangsawan. Venesia membuat opera populer, dan komersial. Itu juga dinikmati oleh orang-orang dari semua lapisan masyarakat, memabukkan pada perayaan Karnaval.

6 Napoleon

Karnaval dimulai pada Abad Pertengahan dan bertahan selama beberapa dekade setelah akhir era barok yang diakui pada awal abad ke-18. Napoleon, bagaimanapun, mengakhiri kesenangan ketika dia menaklukkan Venesia pada tahun 1797. Tradisi itu sebagian besar terbengkalai selama beberapa abad, sebelum dihidupkan kembali sebagai daya tarik wisata di era modern.

7 Peran celana

Monteverdi menulis peran Nero dalam The Coronation of Poppea untuk penyanyi pria yang dikebiri, yang dikebiri sebelum pubertas untuk menjaga suaranya tetap tinggi secara artifisial. Untungnya praktik ini sudah lama ditinggalkan, yang berarti bahwa produksi opera barok modern membutuhkan penyanyi wanita untuk memainkan bagian castrati (atau contralto) tinggi. Helen Sherman, yang juga memainkan ‘peran celana panjang’ dalam produksi terbaru ETO dari The Siege of Calais karya Donizetti, menangani Nero dalam produksi baru ETO.

8 Casanova

Casanova

Wanita legendaris Casanova memiliki asal-usulnya dalam adegan opera Venesia. Lahir di Venesia pada tahun 1725, ibunya Zenetta Farussi adalah seorang aktor dan penyanyi opera, yang bahkan pernah tampil di King’s Theatre (sekarang His Majesty’s Theatre) di London pada tahun 1720-an.

Baca juga : Cara Memulai Memainkan Musik Barok

Heath Ledger memerankan Casanova dalam film 2005, yang menampilkan beberapa aksi topeng Venesia yang serius.

Hal Yang Tidak Anda Ketahui Tentang Musik Barok

Hal Yang Tidak Anda Ketahui Tentang Musik Barok

Dibawa hingga saat ini oleh para pemain hebat dan ahli musik yang bersemangat, periode Barok sering direduksi menjadi kesombongan dan kemewahan dalam fantasi kolektif. Berikut sepuluh hal kecil yang mungkin tidak Anda ketahui tentang persaingan artistik yang berlangsung selama lebih dari satu abad.

Periode yang dikenal sebagai “Baroque” penuh dengan kontradiksi. Kami menyimpannya di satu sisi dengan ornamen yang melimpah, kemewahan, pola norak dan ketidakteraturan (itulah mengapa gaya itu kadang-kadang disebut dengan kata Portugis barroco). Di sisi lain, ketegasan yang ditunjukkan oleh beberapa master Jerman. Selain itu, kata sifat “baroque” telah digunakan terutama sejak tahun 1950 untuk mendefinisikan suatu periode, karena ekspresi artistiknya bersifat pluralis di Eropa antara tahun 1600 dan 1750.

Karya pertama diterbitkan di Venesia pada 1501

Karya pertama diterbitkan di Venesia pada 1501

Penemuan yang sangat bernilai melihat hari di awal abad ke-16: pencetakan musik. Kota Doges akan mempertahankan kepemimpinan dalam hal ini untuk waktu yang lama. Partisi cetak pertama dirilis pada 1501 dari pers Ottaviano Petrucci. Seperti teks sastra, mereka menggunakan huruf bergerak sehingga ukirannya lebih memuaskan secara visual.

Gagasan tentang hak cipta tidak ada

Kecuali untuk hak istimewa kerajaan , siapa pun dapat mencetak apa saja kapan saja dan mengambil manfaat darinya. Juga diperbolehkan bahwa setiap orang dapat mengatur atau menyalin partisi dalam semua impunitas. Misalnya Handel banyak mengambil untuk dirinya sendiri potongan Stradella, Muffat atau Keizer tanpa berarti membahayakan.

Tidur terus, cerita lama…

Selama periode barok, norma pengajaran musik tetap dalam hubungan tradisional antara master dan murid mereka, mengikuti organisasi korporatis yang diberikan oleh Abad Pertengahan – seperti di serikat Jerman di mana seseorang akan mulai dengan menjadi magang, kemudian menjadi pendamping dan akhirnya seorang ahli. Tetapi ada cara yang lebih cepat untuk menaiki tangga pada saat itu: menikahi putri majikan memberikan akses yang lebih cepat ke posisi master dan kemungkinan hak untuk menjadi penerus ayah tiri yang bersangkutan. Itulah kasus Buxtehude yang menikahi putri pendahulunya, Tunder.

Conservatoires belum ada, tetapi beberapa sekolah musik umum telah dibuka di Italia sejak abad ke-16

Sekolah-sekolah itu menerima anak yatim piatu atau anak-anak terlantar (Ospedale). Anak-anak yang paling berbakat akan belajar musik dan memberikan pertunjukan dengan kualitas yang hebat. Di Venesia pada abad ke-17, pendirian untuk anak perempuan Ospedale della Pietà membual tentang menjadikan Antonio Vivaldi sebagai guru biola dan master paduan suara dan konser.

Tidak, bukan Monteverdi yang menulis opera pertama

Tidak, bukan Monteverdi yang menulis opera pertama

Opera pertama adalah Euridice oleh Peri dan diberikan untuk merayakan pernikahan Marie de ‘Medici dan Henry IV dari Prancis pada Oktober 1600. Monteverdi termasuk di antara para tamu. Hanya tujuh tahun kemudian, dia akan mempersembahkan L’Orfeo. Namun demikian, itu dianggap sebagai opera pertama dalam definisi istilah yang ketat.

Untuk menghadapi kesuksesan biola yang semakin besar hingga merugikan biola, kampanye pencemaran nama baik yang besar dipimpin

Kami belajar pada tahun 1743 di Dictionnaire de Trévoux bahwa “biola juga merupakan kata untuk menghina atau mengungkapkan penghinaan dan berarti bodoh, kurang ajar” seperti “para pemain biola yang pergi dari desa ke desa untuk bermain biola dan meningkatkan kegembiraan para pemabuk”. Itulah sebabnya kata “biola” juga bisa berarti “penjara” karena para fiddler sering mengakhiri malam mereka dengan “au violon”.

Voltaire membenci pianoforte

Voltaire membenci pianoforte

Dia mengatakan pada tahun 1774 bahwa pianoforte adalah “alat untuk tukang tembaga dibandingkan dengan harpsichord” (surat kepada Madame du Deffand, 8 Desember 1774). Jika Anda silahkan!

Oboe melihat hari di awal pemerintahan Louis XIV dari Prancis

Instrumen berubah mengikuti gaya barok baru dan mencoba menyesuaikan dengan keharusan estetika. Itu sebabnya, saat Lully mencari sonoritas baru, dia menyadari bahwa dia tidak memiliki instrumen dengan buluh yang cukup kuat untuk mengiringi biola. Perekam benar-benar membawa kontras yang menarik tetapi kekuatan suaranya terlalu lemah.

Keluarga Hotteterre dan Philidor karena itu ditugaskan untuk memikirkan kembali buluh dan membiarkan instrumen baru menyebar ke seluruh Eropa. Dengan Lully, obo memulai karirnya yang cemerlang.

Cara Memulai Memainkan Musik Barok

Cara Memulai Memainkan Musik Barok

Memainkan musik klasik adalah tujuan berharga yang diusahakan oleh banyak pianis. Namun, jika Anda tidak diperkenalkan dengan musik klasik sejak awal belajar piano, mungkin sulit untuk menemukan titik masuk yang jelas. Dapatkan biaya siswa dari situs SLOTDEMO untuk belajar musik barok.

Banyak dari karya klasik yang merupakan potongan “daftar keinginan” sebenarnya cukup sulit untuk dipelajari dan dikuasai. Tidaklah masuk akal untuk mencoba memainkan beberapa musik klasik yang paling menantang jika Anda belum pernah memainkan musik klasik sebelumnya. Banyak sekali nuansa gaya dan tantangan teknis dalam musik klasik. Jalan yang lebih logis adalah mempelajari lebih banyak dasar klasik entry-level dan untuk bekerja sampai ke bagian yang lebih besar.

Misalnya, Beethoven’s Moonlight Sonata atau “Für Elise”, Debussy’s “Clair de Lune,” Mozart’s “Rondo Alla Turca,” dan banyak lagu klasik “populer” lainnya adalah permintaan umum. Semua karya ini membutuhkan keterampilan membaca dan teknis tingkat lanjut yang membutuhkan waktu bertahun-tahun untuk berkembang.

Apa itu Musik “Klasik”?

Penting untuk dipahami bahwa ketika orang membicarakan musik klasik secara keseluruhan, itu mencakup empat era musik yang berbeda.

  • Barok
  • Klasik
  • Romantis
  • Kontemporer

Masing-masing genre musik ini memiliki perbedaan gaya dan sejarah yang berbeda yang membuatnya unik satu sama lain. Setelah pianis menjelajahi keempat genre musik, mereka biasanya tertarik pada satu atau dua genre. Mari kita lihat setiap era musik Klasik dan temukan musik yang merupakan tempat awal yang baik untuk pianis menengah.

Musik yang kita lihat hari ini tidak selalu sulit, tetapi memang membutuhkan keterampilan membaca yang kuat dan dasar teknis yang baik dari tangga nada dan akord. Saat Anda mempelajari nada klasik, Anda pasti ingin lebih fokus pada cara memainkan not, daripada pada not apa yang harus dimainkan.

Barok

Era Barok sekitar 1600-1750. Komposer terkenal dari waktu ini termasuk Johann Sebastian Bach, George Frederic Handel, dan Domenico Scarlatti.

Penting untuk diketahui bahwa instrumen keyboard utama selama ini bukanlah piano, tetapi harpsichord. Ini berarti bahwa musik Barok apa pun yang Anda pelajari dengan piano, pada awalnya dimaksudkan untuk dimainkan dengan harpsichord. Jika Anda belum pernah mendengar suara harpsichord, lihat video “Minuet in G BWV Anh114” karya Bach ini yang dimainkan dengan harpsichord.

1. Sebagian besar musik ditulis dalam tandingan. Counterpoint adalah seni menggabungkan dua atau lebih melodi yang akan dibawakan secara bersamaan. Sebaliknya, melodi didukung oleh melodi lain, bukan akor.

Pada piano, tangan kanan sering kali memiliki garis yang bergerak lebih cepat dari not kedelapan atau ke-16 sedangkan tangan kiri akan memiliki garis bass yang lebih lambat dari not seperempat atau kedelapan. Dalam gaya barok, diasumsikan bahwa nada yang lebih cepat akan berbunyi legato sedangkan tangan kiri yang lebih lambat memainkan staccato. Ini juga bisa muncul secara terbalik, di mana tangan kanan memainkan nada staccato yang lebih lambat dan tangan kiri memainkan nada legato yang lebih cepat.

2. Harpsichord tidak mampu memiliki rentang dinamis yang sama dengan piano. Tanda paling dinamis yang Anda temukan dalam musik Barok ditambahkan kemudian oleh editor lembaran musik.

3. Harpsichord tidak memiliki pedal yang menopang, jadi kebanyakan tanda pedal juga bersifat editorial. Namun, ada banyak aliran pemikiran tentang menggunakan pedal saat memainkan musik barok. Beberapa pianis menentang penggunaan pedal apa pun dalam musik Barok, sementara yang lain merasa bahwa jumlah pedal yang tepat pada waktu yang tepat meningkatkan elemen gaya musik. Misalnya, dengarkan “Prelude in C Major” Bach dari The Well-Tempered Clavier Book I dan dengarkan bagaimana pedal mendukung gaya gubahan tersebut.

Namun, perlu diketahui bahwa harpsichord memang cenderung memiliki suara yang “kering” dan tidak dapat dipertahankan, jadi jika Anda memilih untuk menambahkan pedal, lakukan dengan hemat.

4. Banyak musik Barok memiliki fungsi. Entah sebuah karya ditulis sebagai musik dansa atau sebagai bagian dari kebaktian gereja, memahami maksud komposer untuk musik tersebut akan membuat mempelajari karya tersebut jauh lebih menyenangkan dan menarik. Misal Minuets adalah tarian dalam 3/4 waktu yang sangat anggun dan mulia. Jika Anda membayangkan penari menari mengikuti musik Anda, gerakannya akan berbeda dari musik yang mungkin dimaksudkan sebagai pendahuluan reflektif untuk kebaktian gereja.

5. Ornamen adalah elemen kunci dalam musik Barok. Penggubah sering menulis harmoni sederhana yang ditandai dengan simbol ornamen yang menyiratkan sosok musik yang lebih kompleks. Simbol-simbol ini sangat terstandardisasi dan dipahami secara luas pada saat itu. Saat pianis modern menemukan ornamen dalam musik Barok, mudah untuk mempelajari apa yang ingin dimainkan oleh sang komposer. (Editor sering memasukkan notasi untuk menunjukkan cara memainkan ornamen.)

Jika Anda mencari tempat awal sambil menjelajahi musik Barok, pertimbangkan karya-karya dari Notebook For Anna Magdalena, yang dikaitkan dengan Bach. Anda mungkin akan mengenali beberapa bagian. Mereka tidak sulit untuk dibaca, namun, Anda perlu mengalihkan fokus Anda ke penggunaan keseimbangan yang tepat antara staccato dan legato dan menciptakan baris musik yang panjang, indah, dan terus menerus. Coba potongan ini dulu:

“Minuet di G Major BWV Anh 114”
“Minuet di G Minor BWV Anh 115”
“Minuet di G Major BWV Anh 116”
“Musette di D Major BWV Anh 126”

Klasik

Era klasik kira-kira dari tahun 1750 hingga 1820. Komposer klasik paling terkenal adalah Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn, dan Ludwig van Beethoven. Namun, Beethoven dianggap sebagai jembatan antara era Klasik dan Romantis, jadi musik awalnya lebih mewakili gaya klasik daripada musiknya di kemudian hari. Pada saat ini, piano adalah instrumen keyboard utama dan musik telah berkembang untuk mencerminkan kemampuan baru instrumen tersebut.

Perubahan terbesar di era ini adalah para komposer dapat menggunakan variasi dinamika yang sangat besar. Artinya, setiap frase musik bisa mengalami pasang surut. Garis-garis melodi sekarang sangat ekspresif dan memiliki dinamika yang luas. Sekalipun sebuah frasa tidak memiliki crescendo atau diminuendo yang tertulis dalam musik, diasumsikan bahwa akan ada variasi dari lantang ke lembut. Ini mirip dengan cara kita berbicara. Secara alami, suara kita memulai dan mengakhiri kalimat sedikit lebih lembut daripada di tengah kalimat.

Rentang dinamis yang lebih besar berarti setiap jarum dapat berfungsi secara independen. Seringkali, tangan kanan memiliki baris melodi yang dinyanyikan di atas bagian pengiring tangan kiri. Tangan kiri mungkin terdiri dari akord atau akord arpeggio yang perlu dimainkan lebih lembut daripada melodi. Dengarkan “Rondo Alla Turca” Mozart dan perhatikan perbedaan besar dalam gaya Barok. Tangan kiri sekarang berfungsi sebagai pengiring daripada melodi lainnya.

Komposer klasik menghargai simetri dan keteraturan. Sebagian besar musik mereka dalam dua atau empat frase bar dengan progresi akor dan harmoni yang sangat logis. Mereka menulis dalam kerangka bentuk musik, yang berarti bahwa musik mereka mengikuti urutan materi dan ide tematik yang dapat diprediksi. Dalam bentuk ini, Anda sering mengharapkan banyak materi yang kontras seperti bagian musik yang keras dan lembut, bagian mayor dan minor atau perubahan total dari suasana musik. Sonata, sonatinas, dan rondo adalah contoh bentuk Klasik.

Titik awal yang sangat baik dalam era Klasik adalah Muzio Clementi Sonatinas Op. 36. Koleksi ini memiliki enam sonatinas yang dengan indah mewujudkan gaya klasik.

Romantis

Era Romantis berlangsung dari sekitar 1820 hingga 1900. Komposer Romantis terkenal termasuk Frederic Chopin, Franz Schubert, dan Franz Liszt.

Musik di era Romantis sangat emosional dan ekspresif. Penggubah kurang fokus pada mengikuti bentuk tertentu dan lebih tertarik untuk bercerita atau membuat gambar melalui musik mereka. Misalnya, komposer yang menulis musik yang mungkin kita asosiasikan dengan menari, seperti waltz, lebih cenderung menulis stilisasi musik waltz, daripada musik yang membuat orang benar-benar menari. Misalnya, dengarkan lagu Chopin “Waltz in D-Flat, Op. 64, No. 1. ” Meskipun memang bergaya waltz, mungkin akan sedikit sulit untuk mengimbanginya di lantai dansa!

Musik di era ini menyimpang dari prediktabilitas era klasik. Musik terdengar lebih bebas karena komposer menjadi lebih eksperimental dengan standar harmonis, bentuk musik diikuti dengan lebih longgar, dan banyak batasan logis dalam musik didorong.

Kontemporer

Musik kontemporer mencakup tahun 1900 hingga hari ini. Komposer kontemporer terkenal adalah Claude Debussy, George Gershwin, dan Aaron Copland.

Pada saat ini, komposer sangat nyaman berpikir di luar kotak musik “klasik”. Mereka sangat eksperimental dan terbuka untuk mencoba hal-hal baru. Harmoni jazz menjadi lazim dan komposer tidak lagi merasa dibatasi pada harmonisasi di sepertiga. Tentu saja salah satu karya paling terkenal yang muncul dari era ini adalah “Clair de Lune” dari Debussy. Dengarkan perubahan harmoni yang luar biasa dibandingkan tampilan awal kita di era Baroque.

Kreativitas tumbuh subur di era Kontemporer. Bentuk musik bahkan kurang signifikan dibandingkan di era Romantis. Mendasarkan musik pada pusat nada belum tentu menjadi prioritas karena musik menjadi lebih berwarna. Akibatnya, banyak karya indah dan cemerlang datang dari era ini. Namun, banyak orang dengan telinga untuk musik sebelumnya berjuang untuk menikmati disonansi dan elemen tidak konvensional yang menentukan era ini.

Seorang komposer yang mudah didekati untuk berkenalan dengan gaya Kontemporer adalah Dmitri Kabalevsky. Dua karyanya Pieces For Children Op. 27 dan Children’s Pieces Op. 39. terdiri dari banyak potongan pendek yang mewakili elemen ritmis, harmonis, dan teknis yang menarik yang merupakan ciri khas gaya kontemporer. Coba mulai dengan:

Sekarang setelah Anda memiliki pemahaman penuh tentang gaya berbeda yang mencakup “musik klasik”, kami harap Anda terinspirasi untuk memulai! Jika lagu-lagu yang disebutkan dalam artikel ini kurang cocok dengan akor yang tepat, pastikan untuk memeriksa katalog luas musik lembaran piano klasik di Musicnotes.com di sini! Tidak perlu mengkhawatirkan tingkat keahlian Anda saat ini, karena kami juga memiliki lembaran musik piano klasik untuk Piano Mudah dan Catatan Pemula.

Musik Barok: Panduan Pemula

Musik Barok

Viol (atau viola da gamba) pertama kali muncul di Spanyol pada akhir abad ke-15. Permaisuri biola sangat populer di Inggris dengan komposer seperti Henry Purcell, William Byrd dan Tobias Hume. Selain itu, biola digunakan dalam orkestra dan kelompok musik kamar hingga abad ke-18, di mana ia dibudidayakan di kalangan masyarakat keraton sebagai instrumen tunggal. Komposer seperti Marin Marais, Bach, Telemann, Forqueray, Händel dan CAbel menulis banyak musik virtuoso untuk itu. Karya ini adalah ‘La Leclair’ oleh Antoine Forqueray, seorang komposer dan virtuoso yang dikatakan bermain seperti iblis. Dia mendedikasikan karya ini untuk pemain biola barok terkenal Jean-Marie Leclair.

Suara Barok

Dalam arti praktis, ada beberapa karakteristik yang benar-benar menentukan dalam periode Barok yang menandai dari apa yang datang sebelum atau sesudah. Anda dapat berharap untuk mendengar banyak harpsichord, untuk satu, tetapi secara umum, perkembangan utama yang datang ketika periode Renaissance berubah menjadi Barok adalah munculnya harmoni yang lebih modern.

Yang kami maksud dengan harmoni adalah kombinasi dari lebih dari satu nada pada saat yang sama, dan komposer barok seperti Bach, Handel, dan Vivaldi membuatnya sedikit lebih mudah diakses. Mari kita sedikit ledakan Vesper Monteverdi untuk menunjukkan dengan tepat harmoni seperti apa yang tiba-tiba menjadi populer:

Instrumen Barok

Meskipun banyak perkembangan instrumental dibuat pada periode barok, ada satu bayangan berbentuk keyboard yang agak besar yang dibuat di atas semuanya – oleh harpsichord. Anda akan mendengar suara petikannya yang khas di seluruh bagian dari periode tersebut, tetapi berikut adalah contoh yang bagus dari J.S. Bach:

Selain harpsichord yang ada di mana-mana, periode Barok juga mengandung beberapa mabuk dari periode Renaisans, termasuk perekam, biola, kecapi, seruling, dan berbagai macam alat musik dawai yang lambat laun tidak lagi digunakan.

Potongan Barok

Musik religius adalah bagian besar dari periode Barok, tetapi komposer seperti Handel dan Bach perlu membuat mereka menjadi pengalaman emosional dan manusiawi. Karya-karya besar dan menjulang tinggi dalam kanon Barok sakral termasuk karya Bach St Matthew Passion dan Handel’s Messiah. Tapi mari kita coba Handel’s Zadok the Priest (persiapkan diri Anda):

Ada begitu banyak bagian penting dalam repertoar Baroque sehingga sulit untuk memilih satu saja, tetapi jika didorong, kami akan memilih The Four Seasons karya Vivaldi yang juga merupakan keturunan dari pemilik situs . Tidak hanya itu musik yang indah dan menggugah, tetapi juga representasi sempurna dari kekuatan puitis yang meningkat yang dituju oleh musik Baroque. Salah satu karya musik yang universal, sangat bermanfaat bagi pemula seperti bagi para ahli berpengalaman. Biarkan Nigel Kennedy yang hebat menunjukkan alasannya:

8 Alasan Anda Harus Lebih Mendengarkan Musik Baroque

8 Alasan Anda Harus Lebih Mendengarkan Musik Baroque

Benarkah mendengarkan musik baroque itu baik buat kamu? Melihat beberapa studi ilmiah yang dilakukan baru-baru ini, musik baroque memang memiliki manfaat. Temuan menunjukkan bahwa ada banyak manfaat bagi kesehatan mental dan fisik kita.

Berikut adalah 8 alasan mengapa Anda harus mendengarkan musik baroque lebih sering daripada yang mungkin Anda lakukan sekarang.

1. Itu membuat otak Anda bekerja lebih baik

Itu membuat otak Anda bekerja lebih baik

Di Universitas Northumbria (Inggris Raya), tim peneliti melakukan beberapa eksperimen pada fungsi otak siswa saat melakukan tes sambil mendengarkan konser Musim Semi Vivaldi. Mereka menjawab lebih cepat dan lebih baik daripada saat mereka mendengarkan konser musim gugur yang menyedihkan. Kesimpulannya adalah aktivitas otak meningkat saat mendengarkan rangsangan yang menyenangkan dan membangkitkan.

2. Membantu penderita demensia

Membantu penderita demensia

Jika orang yang dicintai menderita demensia atau Alzheimer, perlu diperhatikan penelitian yang menunjukkan bagaimana musik dapat membantu mereka mendapatkan kembali ingatan dan sangat meningkatkan kualitas hidup mereka. Tonton video di sini tentang seorang pria yang dihidupkan kembali dengan mendengarkan musik yang dia sukai di masa lalu. Jika orang yang Anda cintai sangat menyukai musik apa pun, baroque atau non, mereka dapat sangat terbantu dengan mendengarkan musik yang sama. Penjelasannya adalah karena musik memengaruhi banyak bagian otak, musik dapat membangunkan kembali bagian-bagian otak yang tidak terpengaruh oleh demensia. Ini terutama benar ketika musik dikaitkan dengan peristiwa atau memori tertentu. Sangat menarik untuk membaca buku oleh almarhum ahli saraf Oliver Sacks berjudul Musicophilia: Tales of Music and the Brain yang menjelaskan fenomena tersebut dan menceritakan banyak kisah yang mengharukan.

3. Dapat membantu Anda tidur lebih nyenyak

Dapat membantu Anda tidur lebih nyenyak
Ada banyak penelitian tentang efek menguntungkan dari musik baroque terhadap kualitas tidur. Sebuah penelitian menunjukkan bahwa sekelompok siswa yang mendengarkan musik baroque yang menenangkan mendapatkan kualitas tidur yang jauh lebih baik daripada ketika mereka dihadapkan pada buku audio, misalnya. Peneliti yakin bahwa musik lebih baik daripada rangsangan verbal untuk tujuan merilekskan tubuh dan pikiran sebelum tidur.

4. Dapat menenangkan Anda saat mengemudi

Dapat menenangkan Anda saat mengemudi
Apakah Anda terkadang mudah marah di jalan? Pemerintah Jerman mengkhawatirkan tingginya angka kecelakaan di jalan raya negara itu (2,4 juta setiap tahun). Banyak dari kecelakaan ini disebabkan oleh mengemudi yang agresif dan kemarahan di jalan raya. Untuk mengatasi hal ini, Kementerian Transportasi Jerman telah merilis CD untuk driver yang menampilkan Piano Concerto No.21 Mozart. dimainkan oleh Menteri sendiri! Ia berharap efek musik yang menenangkan akan menenangkan pengemudi.

5. Dapat membantu mengurangi nyeri

Dapat membantu mengurangi nyeri
Berbagai penelitian menunjukkan bahwa mendengarkan musik dapat mengurangi nyeri pasca operasi dan kronis terutama pasca operasi. Ini tidak akan pernah menggantikan obat penghilang rasa sakit tentu saja tetapi akan sangat membantu dalam mengurangi depresi, kecacatan dan rasa sakit. Alasannya tampaknya itu dapat membantu menghilangkan rasa sakit dengan meningkatkan pusat penghargaan otak, sehingga mengurangi sensasi nyeri.

6. Ini dapat membantu Anda mengekspresikan emosi Anda.

Ini dapat membantu Anda mengekspresikan emosi Anda

Musik dapat mengungkapkan apa yang kita mungkin tidak pernah mampu secara lisan dan syukurlah untuk itu. Kita mungkin harus bergumul dengan kemarahan, cinta, depresi, dan banyak emosi serta perasaan lainnya. Saat kita terhubung dengan musik, kita bisa mulai mengatasinya. Itu membantu kita untuk lebih jujur ​​pada diri kita sendiri. Penelitian di The Southern Methodist University menunjukkan bahwa ketika mendengarkan musik baroque, mahasiswa sarjana lebih komunikatif dan terbuka tentang emosi mereka. Setiap orang memiliki playlist favorit mereka untuk membantu mereka saat mereka merasa romantis, malas, atau kelelahan. Mendengarkan musik baroque membantu Anda mengekspresikan emosi dengan cara yang unik.

7. Dapat membantu tekanan darah

Dapat membantu tekanan darah
Sangat menarik untuk mengetahui bahwa ahli jantung telah menemukan hubungan antara Simfoni Kesembilan Beethoven dan tingkat tekanan darah kita. Mereka menemukan bahwa karya ini dan banyak karya musik baroque lainnya selaras secara alami dengan ritme alami tubuh kita sendiri dan membantu menjaga tekanan darah pada tingkat optimal. Profesor Bernardi dari Universitas Pavia di Italia telah melakukan beberapa penelitian menarik tentang ini.

8. Dapat membantu orang dalam diet

Dapat membantu orang dalam diet
Anda sekarang betapa sulitnya untuk makan perlahan, mengunyah makanan dengan benar, dan benar-benar menikmatinya. Memutar musik lembut dan meredupkan lampu di ruang makan terbukti membantu orang menikmati makanan lebih banyak dan makan lebih sedikit! Ini adalah hasil utama dari studi yang dilakukan di Cornell University. Di sisi lain, tempat-tempat seperti kedai makanan cepat saji menggunakan lampu yang lebih terang untuk mendorong makan cepat dan lebih banyak keuntungan bagi bisnis. Anda dapat meningkatkan cara Anda menikmati makanan dengan lebih memperhatikan cara Anda makan, termasuk memainkan musik lembut saat makan.