Apa itu Baroque Music?

Apa itu Baroque Music

Berasal dari barroco Portugis, atau “mutiara berbentuk aneh,” istilah “baroque” telah banyak digunakan sejak abad kesembilan belas untuk menggambarkan periode musik seni Eropa Barat dari sekitar 1600 hingga 1750. Membandingkan beberapa karya agung terbesar sejarah musik menjadi sebuah mutiara yang cacat mungkin tampak aneh bagi kita hari ini, tetapi bagi kritikus abad kesembilan belas yang menerapkan istilah itu, musik era Bach dan Handel terdengar terlalu dihiasi dan dilebih-lebihkan. Setelah lama melepaskan konotasi yang merendahkan, “barok” sekarang hanyalah tangkapan yang nyaman – semua untuk salah satu periode terkaya dan paling beragam dalam sejarah musik.

Selain memproduksi musik Eropa paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita, termasuk Canon Pachelbel dan The Four Seasons dari Vivaldi, era Barok juga sangat memperluas cakrawala kita. Penerimaan teori Copernicus abad ke-16 bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi membuat alam semesta menjadi tempat yang jauh lebih besar, sementara karya Galileo membantu kita untuk lebih mengenal kosmos. Kemajuan teknologi, seperti penemuan teleskop, membuat apa yang diyakini terbatas tampak tak terbatas. Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menangani pertanyaan besar tentang keberadaan. Jenius seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menawarkan perspektif unik melalui karya seni mereka. Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan luar negeri dan kolonisasi, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal. Dan pertumbuhan kelas menengah baru menghembuskan kehidupan ke dalam budaya artistik yang lama tergantung pada keinginan gereja dan pengadilan.

Sebelum kita lanjut ke penjelasan selanjutnya, disini kami ingin informasikan sponsor situs blog kami dari situs brand : Userbola

Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?

Banyak kepribadian terkenal dari bagian pertama periode Barok berasal dari Italia, termasuk Monteverdi, Corelli dan Vivaldi. (Pada pertengahan abad kedelapan belas, fokus kami beralih ke komposer Jerman Bach dan Handel.) Banyak bentuk yang diidentifikasi dengan musik Barok berasal dari Italia, termasuk kantata, konser, sonata, oratorio, dan opera. Meskipun Italia memainkan peran penting dalam pengembangan genre-genre ini, konsep-konsep baru tentang apa artinya menjadi sebuah negara meningkatkan imperatif “gaya nasional.” Perbedaan antara negara-negara sering terdengar dalam musik dari periode itu, tidak hanya dalam cara musik dikomposisi, tetapi juga dalam konvensi kinerja; yang sangat jelas adalah perbedaan antara Italia dan Prancis. Meskipun negara-negara tertentu tampaknya mengklaim bagian yang lebih besar dari pengalaman kami tentang musik Barok hari ini, bagaimanapun, setiap negara memainkan peran. Ketika musisi dan komposer melakukan perjalanan ke seluruh Eropa dan mendengar musik satu sama lain, kebaktian baru yang mereka temui membuat kesan yang halus pada mereka. Beberapa komposer paling terkenal dari periode tersebut meliputi yang berikut:

Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico dan Alessandro Scarlatti

Prancis: Couperin, Lully, Charpentier, dan Rameau

Jerman: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel dan Bach

Inggris: Purcell

Apa filosofi musik Barok?

Meskipun satu filosofi tidak dapat menggambarkan 150 tahun musik dari seluruh Eropa, beberapa konsep penting dalam periode Baroque.

Keyakinan pada musik sebagai alat komunikasi yang kuat
Salah satu aliran filosofis utama dalam musik Barok berasal dari minat Renaisans pada ide-ide dari Yunani kuno dan Roma. Orang Yunani dan Romawi percaya bahwa musik adalah alat komunikasi yang kuat dan dapat membangkitkan emosi apa pun pada pendengarnya. Sebagai hasil dari kebangkitan kembali ide-ide ini, komposer menjadi semakin sadar akan kekuatan potensial musik, dan menumbuhkan kepercayaan bahwa komposisi mereka sendiri dapat memiliki efek yang sama jika mereka dengan benar meniru musik kuno. Sebagai sarjana humanis Prancis Artus Thomas menggambarkan pertunjukan di akhir abad keenam belas,

Saya sering mendengar tentang Sieur Claudin Le Jeune (yang, tanpa berharap untuk meremehkan siapa pun, jauh melampaui para musisi di masa lalu dalam pemahamannya tentang hal-hal ini) bahwa ia menyanyikan sebuah lagu (yang ia buat dalam beberapa bagian) … dan ketika udara ini dilatih di sebuah konser pribadi, hal itu menyebabkan seorang pria di sana untuk bergandengan tangan dan mulai bersumpah dengan keras, sehingga tampaknya mustahil untuk mencegahnya menyerang seseorang: ketika itu Claudin mulai menyanyikan lagu lain … yang membuat pria itu setenang sebelumnya. Ini telah dikonfirmasi kepada saya karena oleh beberapa yang ada di sana. Itulah kekuatan dan kekuatan melodi, ritme, dan harmoni dalam pikiran.

Pada 1605, komposer Italia Claudio Monteverdi sebenarnya mendefinisikan praktik “pertama” dan “kedua”: dalam yang pertama, harmoni dan tandingan didahulukan dari teks; dalam hal yang kedua, kebutuhan untuk mengungkapkan makna kata-kata melampaui keprihatinan lain. Dalam barok, semangat latihan kedua — menggunakan kekuatan musik untuk berkomunikasi — yang mendominasi era.

Realitas perlindungan

Setiap diskusi tentang filosofi artistik komposer Baroque harus dibujuk, setidaknya sedikit, oleh kenyataan hidup mereka. Di zaman modern, seniman sering mencari nafkah dengan memproduksi jenis seni yang mereka inginkan. Oleh karena itu, kita sering menganggap seniman — dan tingkat inspirasi artistiknya — sebagai titik awal untuk sebuah karya seni. Namun, sepanjang sebagian besar era Baroque, komposer hanya mendapat penghasilan dari menulis musik jika mereka cukup beruntung untuk menjadi penggajian lembaga politik atau agama. Karena itu, kebutuhan musikal lembaga itu mendikte musik yang dihasilkan komposer. Bach menulis jumlah kantata yang dia lakukan, misalnya, tidak harus karena dia menemukan bentuk inspirasional, tetapi karena tuntutan liturgi gereja Leipzig yang mempekerjakannya. Jika dilihat dalam cahaya ini, musik Barok dapat memberikan jendela yang menarik ke dalam sejarah.

Apa karakteristik musik Barok?

Minat baru pada kemungkinan dramatis dan retoris musik memunculkan banyak cita-cita suara baru di periode Baroque.

Kontras sebagai elemen dramatis Kontras adalah unsur penting dalam drama komposisi Barok. Perbedaan antara keras dan lunak, solo dan ansambel (seperti dalam konser), instrumen dan nada yang berbeda semuanya memainkan peran penting dalam banyak komposisi Barok. Komposer juga mulai lebih tepatnya tentang instrumentasi, sering menentukan instrumen yang harus dimainkan daripada membiarkan pemain memilih. Instrumen brilian seperti trompet dan biola juga semakin populer.

Monodis dan munculnya basso continuo Dalam era musik sebelumnya, sepotong musik cenderung terdiri dari melodi tunggal, mungkin dengan iringan improvisasi, atau beberapa melodi dimainkan secara bersamaan. Tidak sampai periode Baroque konsep “melodi” dan “harmoni” benar-benar mulai diartikulasikan. Sebagai bagian dari upaya untuk meniru musik kuno, komposer mulai kurang fokus pada polifoni rumit yang mendominasi abad kelima belas dan keenam belas dan lebih pada suara tunggal dengan iringan sederhana, atau monodik. Jika musik adalah bentuk retorika, seperti yang ditulis oleh orang-orang Yunani dan Romawi, diperlukan orator yang kuat — dan siapa yang lebih baik untuk pekerjaan itu daripada penyanyi solo vokal? Penggabungan baru antara ekspresi perasaan dan penyanyi solo datang dengan keras dan jelas dalam kata pengantar Monteverdi untuk Combattimento di Tancredi e Clorinda dari Buku Kedelapan Madrigals (1638), di mana ia menulis: “Tampaknya bagi saya bahwa Gairah atau kasih sayang utama pikiran kita ada tiga, yaitu kemarahan, keseimbangan batin, dan kerendahan hati. Para filsuf terbaik setuju, dan sifat dasar suara kita, dengan rentang tinggi, rendah dan menengahnya, akan menunjukkan hal yang sama. ”Opera-opera paling awal adalah ilustrasi yang sangat bagus tentang estetika baru ini.

Seiring dengan penekanan pada melodi tunggal dan garis bass muncul praktik basso continuo, metode notasi musik di mana melodi dan garis bass dituliskan dan pengisi harmonik ditunjukkan dalam jenis steno. Seperti yang dijelaskan oleh musisi Italia Agostino Agazzari pada 1607:

Karena gaya pengungkapan kata-kata yang sebenarnya akhirnya ditemukan, yaitu, dengan mereproduksi indra mereka dengan cara terbaik, yang berhasil dengan suara tunggal (atau tidak lebih dari beberapa), seperti di udara modern oleh berbagai kalangan. laki-laki, dan seperti latihan konstan di Roma dalam musik bersama, saya katakan bahwa tidak perlu membuat skor … Bass, dengan tanda-tanda harmoni, sudah cukup. Tetapi jika seseorang mengatakan kepada saya bahwa, untuk memainkan karya-karya lama, penuh dengan fugue dan tandingan, Bass tidak cukup, jawaban saya adalah bahwa karya-karya vokal semacam ini tidak lagi digunakan.

Karena basso continuo, atau bass menyeluruh, tetap menjadi latihan standar hingga akhir periode Baroque, era ini kadang-kadang dikenal sebagai “zaman bass menyeluruh”.

Suara instrumental yang berbeda

Setelah diabaikan selama beberapa dekade, musik Barok telah menjadi semakin populer selama lima puluh tahun terakhir. Sebagai bagian dari ketertarikan baru ini, para cendekiawan dan musisi telah menghabiskan waktu berjam-jam untuk mencari tahu bagaimana musik itu terdengar bagi audiens abad ke 17 dan 18. Meskipun kami tidak akan pernah dapat menciptakan kembali kinerja dengan tepat, pekerjaan mereka telah menggali beberapa perbedaan utama antara Barok dan ansambel modern:

Pitch: Pada tahun 1939, orkestra modern setuju untuk menyetel ke a ‘= 440 hz (nada A bernada pada 440 siklus per detik), yang menggantikan nada yang sebelumnya lebih rendah (a’ = 435 hz) diadopsi pada tahun 1859. Namun sebelum tahun 1859, ada tidak ada standar nada. Oleh karena itu, nada yang disetel oleh ansambel Barok sangat bervariasi pada waktu dan tempat yang berbeda. Akibatnya, musik yang dinotasikan pada skor mungkin terdengar sebanyak setengah nada lebih rendah daripada bagaimana biasanya dilakukan hari ini. Dalam upaya untuk memungkinkan perbedaan ini, banyak ansambel barok menyesuaikan penyetelan mereka dengan repertoar yang dilakukan: a ‘= 415 hz untuk musik barok akhir, a’ = 392 hz untuk musik Prancis, a ‘= 440 hz untuk musik Italia awal dan a’ = 430Hz untuk repertoar klasik.

timbre: Meskipun sebagian besar instrumen dalam ansambel barok sudah dikenal, ada beberapa anggota terkemuka yang tidak lagi ditampilkan dalam ansambel modern. Harpsichord adalah instrumen keyboard utama (dan anggota penting dari grup contino), dan instrumen penting di abad ke-16 dan ke-17 seperti kecapi dan kekerasan, masih terus digunakan. Variasi dalam instrumen yang masih populer saat ini juga memberi ansambel barok suara yang berbeda. Instrumen dawai seperti biola, viola, dan cello menggunakan dawai daripada dawai yang dibalut dengan logam yang dirangkai hari ini, misalnya, memberi mereka nada yang lebih lembut dan lebih manis.

teknik kinerja: Skor barok mengandung sedikit (jika ada) informasi tentang elemen-elemen seperti artikulasi, ornamen atau dinamika, dan karenanya ansambel modern perlu membuat pilihan berdasarkan informasi mereka sendiri sebelum setiap pertunjukan. Perbedaan mekanis antara instrumen barok dan modern juga menunjukkan bahwa instrumen yang lebih tua akan terdengar berbeda, sehingga ansambel seperti Music of the Baroque sering menyesuaikan teknik mereka untuk memungkinkan ini. Karena barok dan busur modern secara struktural berbeda, misalnya, pemain string yang menggunakan busur modern sering menggunakan serangan yang lebih lembut pada string dan crescendos dan diminuendo pada not yang lebih panjang. Risalah kinerja abad ke-17 dan ke-18 juga menyiratkan bahwa jari vibrato (teknik di mana pemain string menggetarkan ujung jari pada string untuk memperkaya nada) digunakan dengan hemat untuk momen-momen ekspresif, sementara bow vibrato (gerakan busur yang bergelombang) umumnya lebih disukai.

Bentuk musik apa yang datang untuk mendefinisikan era barok?

Sementara bentuk-bentuk dari era sebelumnya terus digunakan, seperti motet atau tarian tertentu, minat terhadap musik sebagai bentuk retorika memicu perkembangan genre baru, khususnya di bidang musik vokal. Banyak bentuk yang terkait dengan era Barok datang langsung dari dorongan dramatis baru ini, terutama opera, oratorio, dan kantata. Dalam dunia musik instrumental, gagasan kontras dan keinginan untuk menciptakan bentuk-bentuk skala besar memunculkan konser, sonata, dan rangkaian.

Musik vokal

Opera: Drama yang dinyanyikan terutama, disertai dengan instrumen, dan disajikan di atas panggung. Opera biasanya bergantian antara lagu resitatif, seperti bicara yang memajukan plot, dan arias, lagu di mana karakter mengekspresikan perasaan pada titik-titik tertentu dalam aksi. Chorus dan tarian juga sering dimasukkan. Munculnya genre pada pergantian abad ketujuh belas sering dikaitkan dengan kegiatan sekelompok penyair, musisi dan cendekiawan di Florence sekarang dikenal sebagai Florentine Camerata. Opera pertama yang masih hidup adalah Jacopo Peri’s Dafne, berdasarkan libretto oleh Ottavio Rinuccini dan dilakukan di Florence pada 1598; opera paling awal yang masih dilakukan hingga hari ini adalah Orfeo karya Claudio Monteverdi (1607). Subjek dari opera pertama diambil dari mitos Yunani, yang mencerminkan aliansi dekat genre dengan upaya untuk menciptakan kembali musik dan drama budaya kuno, dan dilakukan semata-mata dalam lingkaran aristokrat untuk tamu undangan.

Ketika rumah opera publik pertama dibuka di Venesia pada tahun 1637, genre ini diubah agar sesuai dengan preferensi penonton. Penyanyi solo mengambil semacam status selebritis, dan sebagai hasilnya, penekanan yang lebih besar diberikan pada aria. Resitatif tumbuh kurang penting, dan paduan suara dan tarian hampir menghilang dari opera Italia. Realita finansial dari pementasan produksi opera yang sering juga berpengaruh. Efek panggung spektakuler yang terkait dengan opera di pengadilan sangat diremehkan, dan libretto dibangun untuk mengambil keuntungan dari perangkat stock scenic. Pada awal abad ke-18 (khususnya di Naples), dua subgenre opera menjadi jelas: opera seria, di mana fokusnya adalah pada subjek yang serius dan da capo aria, dan opera buffa, yang memiliki nada lebih ringan, bahkan komik dan kadang-kadang duet bekas, trio, dan ansambel yang lebih besar. Tradisi opera Italia secara bertahap mendominasi sebagian besar negara Eropa. Namun, pada akhir abad ke-17 Prancis, Jean-Baptiste Lully kelahiran Italia dan pustakawan Philippe Quinault menciptakan opera versi Prancis yang dikenal sebagai tragédie-lyrique.

Oratorio: drama musikal yang diperluas dengan teks berdasarkan materi pelajaran agama, dimaksudkan untuk pertunjukan tanpa pemandangan, kostum atau aksi. Oratorio awalnya berarti aula doa, sebuah bangunan yang terletak berdekatan dengan sebuah gereja yang dirancang sebagai tempat untuk pengalaman keagamaan yang berbeda dari liturgi. Meskipun ada preseden akhir abad keenam belas untuk oratorio dalam motet dan repertoar madrigal, oratorio sebagai genre musik yang berbeda muncul di tengah-tengah akustik luar biasa dari ruang-ruang ini pada awal 1600-an. Pada pertengahan abad ke-17, oratorio dilakukan di istana dan teater publik dan tumbuh semakin mirip dengan opera, meskipun subjek, pembagian menjadi dua bagian (bukan tiga tindakan) dan tidak adanya aksi bertahap masih membedakannya. Beberapa komposer yang terkait dengan genre di Italia termasuk Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti dan Antonio Vivaldi. Oratorio semakin populer di bagian lain Eropa. Di Jerman Protestan, musik dramatis yang digubah untuk digunakan di gereja Lutheran lambat laun menyatu dengan unsur-unsur oratorio, terutama dalam penyertaan teks-teks non-Alkitab. Gairah oratorio, demikian sebutannya, memuncak dalam karya-karya besar J. S. Bach. Contoh terkenal lainnya di luar Italia termasuk oratorios Inggris dari George Frideric Handel, yang mempopulerkan genre ini di London sebagai akibat dari ketidaksukaan Inggris terhadap opera Italia. Karya-karya seperti Mesias, Israel di Mesir, dan Yudas Maccabeus tetap menjadi favorit penonton hingga hari ini.

Cantata: sepotong diperpanjang yang terdiri dari suksesi resitasi dan mengatur potongan-potongan seperti arias, duet dan paduan suara. Berasal di Italia awal abad ke-17, kantata dimulai sebagai karya sekuler yang disusun untuk suara solo dan basso continuo, kemungkinan besar dimaksudkan untuk pertunjukan di pertemuan sosial pribadi. Banyak dari karya-karya ini diterbitkan, menunjukkan bahwa mereka dilakukan oleh musisi profesional dan amatir. Pada pertengahan abad kantata diterbitkan lebih jarang, menunjukkan bahwa pertunjukan semakin banyak dilakukan oleh para profesional. Pada akhir abad ke-17, kantata mulai menggabungkan da capo aria dan sering disertai iringan orkestra. Komponis besar dalam genre cantata Italia termasuk Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, dan pada paruh pertama abad ke-18 Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello dan Johann Adolf Hasse. Di luar Italia, genre yang berkembang dari motet Lutheran mulai menggabungkan banyak unsur cantata Italia, terutama teknik ekspresi dramatis seperti resitatif dan aria. Banyak cantata Bach menunjukkan pengaruh luas dari rekan-rekan Italia mereka.

Musik instrumental

Sonata: Digunakan untuk menggambarkan beberapa jenis karya di era barok, istilah sonata paling sering digunakan untuk beberapa gerakan untuk satu atau lebih instrumen (paling sering biola) dan bassocontinuo; sonata untuk dua biola atau instrumen treble lainnya plus bass biasanya disebut trio sonata. Pada 1650-an, sonata sering diklasifikasikan baik sebagai sonata da chiesa (“gereja sonata”), biasanya terdiri dari empat gerakan bergantian antara tempo lambat dan cepat dan dilakukan di gereja, atau kamera sonatas da (“kamar sonata”), yang terdiri dari serangkaian tarian yang mirip dengan suite. Contoh kedua jenis ini dapat ditemukan pada karya-karya Corelli di akhir abad ke-17. Pada abad ke-18, Telemann, Bach, dan Handel menulis banyak sonata yang meniru Sonata da chiesa Corelli. Naiknya keunggulan sonata solo untuk instrumen keyboard dimulai pada akhir periode barok, termasuk untuk organ (Bach) dan harpsichord (Handel, Domenico Scarlatti). Contoh terkenal lainnya dari sonata solo termasuk karya Bach untuk biola dan cello tanpa pendamping.

Concerto: Berasal dari concertare Italia (untuk bergabung bersama, bersatu), concerto mengambil beberapa bentuk selama era barok. Sampai awal abad ke-18, sebuah konser hanyalah sebuah komposisi yang menyatukan ansambel beragam yang terdiri dari suara, instrumen, atau keduanya. Karya sakral untuk suara dan instrumen sering disebut concerto, sementara karya sekuler serupa umumnya disebut arie (udara), cantatas, atau musiche. Sementara concerto suci berskala besar dapat ditemukan dalam karya-karya Claudio Monteverdi, komposisi yang lebih intim untuk satu hingga empat suara, kontinu dan instrumen solo tambahan jauh lebih umum. Di Jerman, contoh-contoh indah dari konser suci dapat ditemukan dalam karya-karya Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt dan Heinrich Schütz (khususnya Kleine geistliche Concerte, atau “Small Sacred Concertos”, tahun 1636-39).

Kemudian pada abad ketujuh belas, konser mulai mengasumsikan definisi modernnya: karya multimovement untuk solois instrumental (atau kelompok solois) dan orkestra. Mengambil isyarat dari canzonas dan sonata dari akhir abad keenam belas dan ketujuh belas, yang menggunakan kelompok-kelompok instrumen yang kontras untuk efek yang besar, concerto grosso mengganti kelompok kecil solois dengan ansambel yang lebih besar. Karya-karya Corelli, khususnya Op. 6 koleksi, mungkin memberikan contoh-contoh paling terkenal dari akhir abad ke-17 concerto grosso. Sementara karya-karya Corelli ditiru di abad ke-18, terutama di Handel’s Op. Dalam 6 koleksi, banyak contoh abad ke-18 dari concerto grosso menunjukkan semakin meningkatnya pengaruh solo concerto (misalnya, Brandenburg Concertos dari J. S. Bach).

Jenis konser yang paling dominan di abad ke-18 adalah konser solo, yang menampilkan instrumen tunggal yang kontras dengan ansambel. Komposer solo konser paling produktif adalah Antonio Vivaldi, yang menulis sekitar 350 dan membentuk bentuk tiga-gerakan standar konser (dua gerakan luar cepat, satu gerakan tengah dalam tempo lebih lambat). Sementara sebagian besar concerto solo ditulis untuk biola, concerto terompet juga populer, dan concerto juga dikomposisikan untuk cello, oboe, seruling dan bassoon. Pada 1730-an, Handel menulis 16 organ concerto, dan Bach juga menggubah beberapa concerto untuk harpsichord sekitar waktu yang sama (sebagian besar adalah pengaturan karya yang sudah ada sebelumnya).

Suite: Berdasarkan pada pasangan tradisional tarian di Renaissance, suite adalah karya multi-gerakan pertama untuk instrumen. Suite ini pada dasarnya adalah serangkaian tarian dalam kunci yang sama, sebagian besar atau semua dari mereka dalam bentuk dua bagian. Sekitar pertengahan abad ke-17 di Jerman urutan allemande, courante, sarabande dan gigue menjadi relatif standar, meskipun gerakan tarian lainnya, seperti allemandes tambahan atau courantes, bourreés, gavottes dan minuets, sering dimasukkan. Sebagian besar suite juga dimulai dengan gerakan pengantar seperti pendahuluan, ouverture, atau fantasia. Bagi banyak komponis barok, tarian-tarian yang berbeda mewujudkan karakter-karakter tertentu. Dalam bukunya Der volkommene Capellmeister (Direktur Musik Lengkap), 1739, ahli teori Jerman Johann Mattheson memberikan daftar karakter masing-masing tarian: minuet adalah “keriangan sedang,” gavotte “kegembiraan gembira,” bourreé “puas,” sang courante “ harapan, “sarabande” ambisi “dan pertunjukan itu bisa menandakan sejumlah emosi mulai dari kemarahan hingga kegembiraan. Suite Baroque dinilai untuk instrumen solo maupun orkestra; yang ditulis untuk satu atau dua instrumen melodi dan kadang-kadang disebut sonata da camera. Suite Perancis untuk keyboard kadang-kadang disebut ordres (seperti dalam karya François Couperin, yang memasukkan banyak gerakan non-tarian termasuk sketsa karakter evokatif personel pengadilan.

Bagaimana rasanya menghadiri konser di era barok?

Di zaman modern, pergi ke konser adalah acara. Kami mendengar iklan di radio atau melihat daftar di surat kabar; kami membeli tiket; kami pergi ke gedung konser dan duduk dengan tenang sampai tiba saatnya untuk bertepuk tangan. Di era barok, konser publik semacam ini jarang terjadi. Banyak komposisi barok paling terkenal dilakukan di gereja-gereja untuk suatu kebaktian, atau sebagai bagian dari konser pribadi atau perayaan di rumah pelindung kaya. Namun, selama barok itu, pertunjukan publik menjadi lebih umum, terutama dalam genre opera dan oratorio, dan tradisi konser modern kami mulai menyatu di banyak kota di Eropa. Seperti Roger North menggambarkan pertunjukan di salah satu seri konser paling awal, yang diselenggarakan di London pada 1670-an:

Upaya pertama rendah: proyek Banister [John] lama, yang merupakan biola yang baik, dan komposer teater. Dia membuka ruang tak dikenal di rumah publik di biara Putih; mengisinya dengan meja dan kursi, dan membuat kotak samping dengan tirai untuk musik. Kadang-kadang permaisuri, kadang-kadang solo, dari biola, flageolet, bass viol, kecapi dan lagu all’Italiana, dan varietas semacam itu mengalihkan perusahaan, yang membayar saat masuk. Satu shilling sepotong, panggilan untuk apa yang Anda suka, bayar perhitungannya, dan selamat datang Tuan-tuan.

Munculnya konser publik membuat kelas menengah yang berkembang menjadi sumber pendapatan penting bagi musisi. Pada akhir barok, subset sosial ini telah menjadi pelindung musik hampir sama kuatnya dengan gereja atau pengadilan.

Apa yang terjadi setelah periode barok?

Pada pertengahan abad kedelapan belas, gagasan barok tentang musik sebagai bentuk retorika sedang diserang. Musik memiliki kekuatan yang luar biasa kuat untuk mengekspresikan konsep yang paling sulit sekalipun — tetapi hanya dalam bentuknya yang paling “alami”, di mana era barok seolah-olah kacau. Seperti yang dikatakan Johann Adolph Scheibe tentang J. S. Bach pada 1737,

Pria hebat ini akan menjadi kekaguman seluruh bangsa jika dia membuat lebih banyak kemudahan, jika dia tidak menghilangkan unsur alami dalam karya-karyanya dengan memberi mereka gaya yang turgid dan bingung, dan jika dia tidak menggelapkan kecantikan mereka dengan kelebihan seni . Karena dia menilai berdasarkan jari-jarinya sendiri, potongan-potongannya sangat sulit dimainkan; karena ia menuntut agar penyanyi dan instrumentalis harus mampu melakukan dengan tenggorokan dan instrumen mereka apa pun yang dapat ia mainkan pada clavier, tetapi ini tidak mungkin … Turgiditas telah membawanya [dari] ke alam, buatan, dan dari tinggi ke suram ; dan … seseorang mengagumi kerja keras dan usaha yang tidak biasa – yang, bagaimanapun, sia-sia digunakan, karena mereka bertentangan dengan Alam.

Desakan Scheibe pada kejelasan dan kemudahan kinerja mengisyaratkan perubahan besar dalam estetika musik: sepanjang caciannya, wasit terakhir dari rasa bukanlah Plato atau Aristoteles, tetapi pada akhirnya pendengar dan pemain itu sendiri. Penekanan baru pada ekspresi melodi langsung dan arsitektur musik yang jernih ini menunjukkan jalan menuju periode klasik, zaman Mozart dan Haydn.

Era barok di zaman modern

Meskipun periode barok berakhir lebih dari 250 tahun yang lalu, sisa-sisa era dapat didengar di mana-mana. Beberapa komposisi yang paling berpengaruh dan dicintai secara teratur dilakukan di ruang konser, dan banyak rekaman membuat barok tersedia sesuai permintaan. Banyak genre musik yang masih digunakan sampai sekarang, seperti oratorio, concerto, dan opera, berasal dari masa itu. Komposer abad kedua puluh seperti Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky dan Benjamin Britten memberi penghormatan kepada baroque dalam karya-karya mereka. Pengaruhnya bahkan dapat didengar di luar bidang musik seni: gerakan bebas antara solo dan grup dalam jazz kadang-kadang dibandingkan dengan musik barok, dan cuplikan Bach dan Vivaldi sering muncul dalam solo gitaris heavy metal. Dan semangat barok – keyakinan teguh pada kekuatan musik untuk menyentuh kehidupan orang-orang – mengubah sejarah musik selamanya.

Apa itu Musik Barok dan Penjelasan Singkatnya

Apa itu Musik Barok dan Penjelasan Singkatnya

Apa itu “barok,” dan kapan periode Barok?

Berasal dari barroco Portugis , atau “mutiara berbentuk aneh,” istilah “baroque” telah banyak digunakan sejak abad kesembilan belas untuk menggambarkan periode dalam musik seni Eropa Barat dari sekitar 1600 hingga 1750 .

Membandingkan beberapa karya terbesar sejarah musik dengan mutiara yang cacat mungkin tampak aneh bagi kita hari ini, tetapi bagi para kritikus abad kesembilan belas yang menerapkan istilah itu, musik era Bach dan Handel terdengar terlalu dihiasi dan dibesar-besarkan. Setelah lama melepaskan konotasi yang merendahkan, “barok” sekarang hanyalah tangkapan yang nyaman – semua untuk salah satu periode terkaya dan paling beragam dalam sejarah musik.

Selain memproduksi musik Eropa paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita, termasuk Pachelbel’s Canon dan The Four Seasons dari Vivaldi ., era Barok juga sangat memperluas cakrawala kita. Penerimaan teori Copernicus abad ke-16 bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi menjadikan alam semesta tempat yang jauh lebih besar, sementara karya Galileo membantu kita untuk lebih mengenal kosmos.

Kemajuan teknologi, seperti penemuan teleskop, membuat apa yang diyakini terbatas tampak tak terbatas. Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menangani pertanyaan besar tentang keberadaan. Genius seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menawarkan perspektif unik melalui karya seni mereka. Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan luar negeri dan kolonisasi, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal.

Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?

Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?

Banyak kepribadian terkenal dari bagian pertama periode Barok berasal dari Italia, termasuk Monteverdi , Corelli dan Vivaldi . (Pada pertengahan abad kedelapan belas, fokus kami beralih ke komposer Jerman Bach dan Handel.) Banyak bentuk yang diidentifikasi dengan musik Barok berasal dari Italia, termasuk kantata, konser, sonata, oratorio, dan opera. Meskipun Italia memainkan peran penting dalam pengembangan genre-genre ini, konsep-konsep baru tentang apa artinya menjadi sebuah negara meningkatkan imperatif “gaya nasional.”

Perbedaan antara negara-negara sering terdengar dalam musik dari periode itu, tidak hanya dalam cara musik dikomposisi, tetapi juga dalam konvensi kinerja; yang sangat jelas adalah perbedaan antara Italia dan Prancis. Meskipun negara-negara tertentu tampaknya mengklaim bagian yang lebih besar dari pengalaman kami tentang musik Barok hari ini, bagaimanapun, setiap negara memainkan peran. Ketika para musisi dan komposer melakukan perjalanan ke seluruh Eropa dan mendengar musik satu sama lain, kebaktian baru yang mereka temui membuat kesan yang halus pada mereka.

  • Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico dan Alessandro Scarlatti
  • Prancis: Couperin, Lully, Charpentier, dan Rameau
  • Jerman: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel dan Bach
  • Inggris: Purcell

Apa filosofi musik Barok?

Meskipun satu filosofi tidak dapat menggambarkan 150 tahun musik dari seluruh Eropa, beberapa konsep penting dalam periode Baroque.

Kepercayaan pada musik sebagai alat komunikasi yang kuat.

Apa filosofi musik Barok?

Sumber Foto : www.depoxito.com

Salah satu aliran filosofis utama dalam musik Barok berasal dari minat Renaisans terhadap ide-ide dari Yunani dan Roma kuno. Orang Yunani dan Romawi percaya bahwa musik adalah alat komunikasi yang kuat dan dapat membangkitkan emosi apa pun pada pendengarnya.

Sebagai hasil dari kebangkitan kembali ide-ide ini, komposer menjadi semakin sadar akan kekuatan potensial musik, dan menumbuhkan kepercayaan bahwa komposisi mereka sendiri dapat memiliki efek yang sama jika mereka dengan benar meniru musik kuno. Sebagai sarjana humanis Perancis Artus Thomas menggambarkan pertunjukan di akhir abad keenam belas,

Pada 1605, komposer Italia Claudio Monteverdi sebenarnya mendefinisikan praktik “pertama” dan “kedua”: dalam yang pertama, harmoni dan tandingan didahulukan dari teks; dalam hal yang kedua, kebutuhan untuk mengungkapkan makna kata-kata melampaui keprihatinan lain. Dalam barok, semangat latihan kedua — menggunakan kekuatan musik untuk berkomunikasi — yang mendominasi era.

Realitas perlindungan

Setiap diskusi tentang filosofi artistik komposer Baroque harus diatasi, setidaknya sedikit, oleh kenyataan hidup mereka. Di zaman modern, seniman sering mencari nafkah dengan memproduksi jenis seni yang mereka inginkan. Karena itu, kita sering menganggap seniman — dan tingkat inspirasi artistiknya — sebagai titik awal untuk sebuah karya seni.

Namun, sepanjang sebagian besar era Baroque, komposer hanya mendapat penghasilan dari menulis musik jika mereka cukup beruntung untuk menjadi penggajian lembaga politik atau agama. Oleh karena itu, kebutuhan musikal lembaga itu menentukan musik yang dihasilkan komposer. Bach menulis jumlah kantata yang dia lakukan, misalnya, tidak harus karena dia menemukan bentuk inspirasional, tetapi karena tuntutan liturgi gereja Leipzig yang mempekerjakannya.

Lihat Juga : Biografi Musik Chopin & Pengontrolan Format Baroque Skala Besar